Desde el 12 de agosto al 15 de septiembre | Sección Gabinete 

“Floreros” de Antonia Daiber reúne una serie de pinturas y collages realizados con témpera sobre lino y papel, en los que la artista explora la representación de floreros y ramos florales desde una sensibilidad que tensiona lo ornamental y lo pictórico. Lejos de una reproducción mimética, su propuesta se sitúa en el cruce entre observación, construcción material y reflexión crítica sobre lo decorativo como categoría menor dentro del arte.

La elección del modelo —el florero— remite a un imaginario cargado de tradición y repetición. A través de una serie de piezas de formato contenido, Daiber propone un ejercicio visual que se despliega desde la estabilidad del bodegón. La disposición de los objetos en el taller permite una práctica sostenida de observación, pero el foco no está en reproducir la imagen, sino en construir una superficie que traduzca el modelo en términos materiales. Telas, papeles, pigmentos y cortes componen un campo visual que recuerda tanto a un patrón textil como a un puzle, descentrando la mirada hacia los márgenes de la representación.

“Floreros” se exhibe en la Sección Gabinete, un espacio que permite un montaje contenido y secuencial. Las obras dialogan en la vitrina, en un formato que subraya el carácter íntimo y serial del proyecto. Pintar flores, en este contexto, no es un gesto nostálgico, sino una decisión crítica: asumir la sospecha que recae sobre lo decorativo para habitarlo como un espacio de resistencia. La muestra plantea interrogantes sobre los límites de lo ornamental y su asociación con lo femenino, lo superficial o lo prescindible, revirtiendo esa carga simbólica desde una práctica rigurosa y consciente.

Antonia Daiber ha desarrollado una práctica centrada en la pintura y el dibujo, atravesada por una constante atención a las cualidades materiales del soporte. Licenciada y Magíster en Artes Visuales por la Universidad de Chile, ha exhibido en espacios como Centro de Extensión UC, Galería Isabel Aninat y la embajada de Chile ante el Reino de Bélgica, entre otros. A través de técnicas mixtas y una observación aguda del mundo sensible, su obra se sitúa en el umbral entre lo visible y lo latente, articulando una poética de la mirada que insiste en los detalles, las vibraciones y los ecos de la materia.

 Con entrada liberada, te invitamos a visitar esta exposición que estará disponible hasta el 15 de septiembre en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Desde el 12 de agosto al 15 de septiembre | Sala Principal 

Aninat Galería presenta “El Jardín de Atrás”, exposición individual de la artista Magdalena Prado, cuya obra ha expandido los límites del trabajo con papel desde una perspectiva matérica y conceptual. La muestra propone una reflexión sobre el vacío como forma y contenido, a través de piezas que conjugan imagen, soporte y materia en una experiencia visual y táctil.

Con un enfoque instalativo y sutil, Magdalena construye un espacio poético donde se revela lo que está ausente y se tensiona la relación entre lo visible y lo imaginado.

La exposición se articula como una invitación a mirar “del otro lado”, a través de celosías, intervalos y gestos que interrumpen la superficie. Rasgar, cortar, calar o excavar no son aquí acciones destructivas, sino modos de abrir umbrales. La mano –presencia latente en toda la obra– actúa como órgano de visión y pensamiento, cavando en la materia del papel para develar una trama oculta. Esa exploración lleva a un jardín: un espacio deshabitado que, sin embargo, se muestra habitado por la levedad y por aquello que permanece a pesar de no estar.

En “El Jardín de Atrás”, el papel no se presenta como soporte pasivo, sino como un cuerpo con memoria, fragilidad y volumen. La artista despliega un lenguaje visual que cruza dibujo, pintura y escultura, en un juego constante de superposición y desplazamiento. Las obras no buscan representar, sino provocar una experiencia perceptiva en la que fondo y figura, imagen y materia, son inseparables. Desde el vacío, emerge una nueva forma de habitar el espacio expositivo: una forma en que el silencio y la pausa permiten que algo se revele.

El proyecto se inscribe dentro de una práctica sostenida de más de una década, en la que Magdalena Prado ha explorado las posibilidades expresivas del papel como eje central de su investigación artística. A partir del año 2020, su trabajo ha incorporado nuevamente la imagen como una dimensión estructural, ampliando el diálogo entre figura y materia. Su obra ha sido reconocida por abordar lo sutil como potencia: lo leve, lo inestable y lo que apenas se sostiene, como condiciones fundamentales para pensar lo visible y lo sensible.

Magdalena Prado (Santiago, 1981) es artista visual con estudios en arte y filosofía. Desde comienzos de su carrera ha centrado su trabajo en el papel, no solo como soporte, sino como materia activa que guía sus procesos formales y conceptuales. Su obra se caracteriza por una aproximación interdisciplinaria, en la que convergen el dibujo, la escultura y la instalación. Ha expuesto en diversas galerías e instituciones en Chile y el extranjero, desarrollando un cuerpo de obra coherente y en constante expansión.

 Con entrada liberada, te invitamos a visitar esta exposición que estará disponible hasta el 15 de septiembre en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Desde el 6 de mayo hasta el 2 de junio

Sebastián Riffo Montenegro presenta “Reflejo Velado”, su primera muestra individual en Aninat Galería. La exposición reúne un conjunto de pinturas recientes y una instalación, articuladas en torno a una exploración visual y simbólica que tensiona la representación del cuerpo contemporáneo, su anonimato, su estetización y su posible deshumanización. El título “Reflejo Velado” funciona como metáfora y clave de lectura: lo que brilla no siempre revela, y lo que se oculta puede, paradójicamente, ser lo más visible.

En estas obras, el artista recurre a la formalidad del acrílico sobre tela para componer superficies de alto contraste, saturación cromática y brillo. Las texturas pulidas y reflectantes remiten directamente al movimiento Finish Fetish, surgido en la California de los años 60, donde artistas como Larry Bell, DeWain Valentine y Craig Kauffman exploraron las cualidades sensoriales de los materiales industriales —resinas, plásticos, acrílicos— en diálogo con la estética del consumo y la cultura visual emergente de la época. Al igual que ellos, Riffo Montenegro construye un lenguaje de superficies que interpelan al espectador no desde la representación figurativa tradicional, sino desde la experiencia sensorial de la luz, el color y el reflejo.

Sin embargo, a diferencia del hedonismo formalista que muchas veces se asoció al Finish Fetish, aquí el artificio visual opera como un velo que tensiona el contenido. Las figuras que aparecen en sus composiciones —rostros cubiertos, cuerpos protegidos por trajes refractantes o encapuchados, personajes sustraídos de imágenes publicitarias o noticiosas— se presentan como sujetos sin nombre, sin tiempo y sin contexto. El ropaje, más que proteger, aísla. La superficie brillante no revela, sino que disfraza. En palabras de Walter Benjamin, lo reproducible se convierte en ritual moderno: el aura se desvanece, y el cuerpo se vuelve objeto.

Formado como diseñador, Riffo Montenegro incorpora a su obra un agudo conocimiento del lenguaje visual contemporáneo. Las imágenes que recoge no provienen de un imaginario distante, sino del flujo cotidiano de información que circula en redes sociales, medios de comunicación y plataformas visuales. En ese sentido, “Reflejo Velado” se sitúa también en un cruce con el arte pop más fundacional —como el de Richard Hamilton o James Rosenquist— en cuanto a su relación con las imágenes de la cultura de masas. Pero aquí, lejos de una celebración irónica, las citas visuales son despojadas de glamour y enfrentadas a una crítica sutil: ¿qué ocurre cuando la imagen reemplaza al sujeto?, ¿qué queda del individuo cuando solo vemos su envoltorio?

Las obras convocan una serie de tensiones: presencia y anonimato, atracción y rechazo, protección y amenaza. El espectador se encuentra ante personajes que parecen tanto resguardados como alienados, blindados contra la mirada, pero también atrapados en un silencio simbólico. El brillo de sus superficies seduce, pero también distancia; la imagen promete acceso, pero entrega opacidad.

En un tiempo donde la visibilidad se ha transformado en capital simbólico y político, y donde los cuerpos son mediatizados hasta la extenuación, “Reflejo Velado” nos invita a detenernos en esa zona ambigua donde lo visible no necesariamente comunica, y donde la estética —en su acepción más profunda— puede ser también una forma de resistencia. Riffo Montenegro compone así una poética del encubrimiento, un ensayo visual sobre la fragilidad del yo frente al espectáculo incesante de la imagen.

Sebastián Riffo Montenegro (Santiago 1980). Artista Chileno con formación en diseño y comunicaciones de la Universidad del Pacífico. Después de una larga carrera en diseño publicitario, se embarca en su trabajo artístico de manera autodidacta desde el 2017 con un cuerpo de obra que transita desde la pintura realista hasta el arte digital y la instalación.

 Sus obras exploran la manera en que la creación de creencias sociales – ya sean religiosas, ideológicas, culturales o económicas – han generado filtros a través de los cuales experimentamos la realidad, moldeando nuestra conducta. Estos filtros, aunque proporcionan un marco de referencia y un sentido de pertenencia, también pueden generar una desconexión progresiva del mundo natural, relegándolo a un segundo plano o instrumentalizándolo en función de los imperativos sociales.

 Su trabajo ha sido expuesto en numerosas muestras colectivas en ciudades como Hamburgo, París, Londres, Tailandia, Singapur, Los Ángeles, Nueva York, Filadelfia, Miami, Lima, Buenos Aires y Santiago.  Además de participar en ferias de arte contemporáneo como Art Miami, Context Art Miami, Art Winwood, Palm Beach Modern + Contemporary, Stroke Munich, Affordable Singapure, EAF Edinburg, Pinta Parc, entre otras. 

Con entrada liberada, te invitamos a visitar esta exposición que estará disponible hasta el 2 de junio en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Desde el 24 de enero hasta el 9 de marzo 

La muestra “Seguir el hilo”, presentada en Aninat Galería, convoca a un conjunto de artistas latinoamericanos cuyas poéticas visuales se nutren de prácticas comunitarias y tradiciones populares. Esta exposición colectiva establece un diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo, mediante la recuperación de técnicas ancestrales y la exploración de nuevos lenguajes materiales y conceptuales. Al reunir a figuras consagradas y emergentes, “Seguir el hilo” articula una narrativa donde la identidad, la memoria y el territorio se entretejen en múltiples dimensiones. 

Entre los artistas destacados se encuentra Paula Ceroni (Chile), cuya obra textil emplea el hilo como medio pictórico, explorando las intersecciones entre espacio, geometría y color. Su trabajo, profundamente enraizado en la herencia textil de las culturas indígenas andinas, trasciende la utilidad tradicional del textil para investigar su presencia física y su capacidad de transformar el espacio expositivo. Las instalaciones modulares de Ceroni invitan al espectador a una experiencia sensorial que articula elementos del minimalismo, la abstracción geométrica y el pop art. 

Desde Perú, Augusto Ballardo introduce una exploración geométrica que dialoga con las raíces precolombinas. Su obra se configura como una arqueología visual donde los hallazgos de textiles y cerámicas antiguas se transmutan en composiciones contemporáneas. Ballardo establece una tensión entre el pasado y el presente, utilizando la geometría como lenguaje para explorar la continuidad cultural y la migración simbólica de formas y colores. 

La argentina Agostina Branchi aporta una perspectiva que combina su formación en arquitectura y urbanismo con un profundo conocimiento de técnicas textiles tradicionales. Su obra rescata el trenzado de crin de caballo y la marroquinería criolla argentina, reinterpretando estos oficios desde un enfoque contemporáneo que integra conceptos de urbanismo y movimiento. Branchi construye puentes entre la tradición oral de los gauchos y las dinámicas estéticas del arte visual actual. 

Gloria Frugone (Chile) centra su investigación en la luz y su interacción con el papel. Mediante técnicas como el plegado, el calado y la superposición, Frugone crea piezas que exploran la geometría y la abstracción, revelando el comportamiento de la luz y la sombra. Su trabajo pone en evidencia fenómenos cinéticos que transforman la percepción del espectador, quien participa activamente en la revelación de la obra. 

El escultor uruguayo Pedro Tyler introduce una dimensión introspectiva en la exposición. Su obra, motivada por experiencias personales de pérdida y reflexión sobre la fragilidad humana, transforma objetos cotidianos en metáforas visuales. Tyler explora la dualidad entre la materialidad del cuerpo y la intangibilidad de las emociones, proponiendo una estética de la sutileza y la inestabilidad. 

La muestra también incluye la obra de referentes históricos como Roberto Matta (Chile), cuya influencia en el surrealismo y el arte moderno es ineludible. Matta expandió los límites del espacio pictórico, introduciendo el concepto de “grandes transparencias” y el automatismo psíquico. Su legado se manifiesta en la intersección de la ciencia, la arquitectura y la exploración mística del tiempo y el espacio. 

El cinetismo de Iván Contreras-Brunet (Chile) aporta una dimensión dinámica al conjunto expositivo. Su trabajo, caracterizado por estructuras geométricas y efectos ópticos, sugiere el movimiento y la transformación constante de la forma. Contreras-Brunet integra la tradición constructivista con una sensibilidad lírica que desafía las fronteras entre lo estático y lo móvil. 

Desde Colombia, Hugo Zapata ofrece una reflexión escultórica que dialoga con la cosmogonía de las culturas prehispánicas. Su relación con la piedra como material simbólico y físico revela una conexión profunda con la geología del paisaje y los mitos ancestrales. Zapata transforma la materia en presencia, creando esculturas que evocan la memoria y la espiritualidad de la tierra. 

“Seguir el hilo” se presenta como una cartografía visual que entrelaza territorios, memorias y lenguajes. La exhibición no solo rescata técnicas y saberes ancestrales, sino que también invita a reflexionar sobre su vigencia y transformación en el arte contemporáneo. En este recorrido, la galería se convierte en un espacio de encuentro donde las narrativas individuales y colectivas se tejen en un entramado de significados compartidos. 

Con entrada liberada, te invitamos a visitar esta exposición que estará disponible hasta el 9 de marzo en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.