Entrevista Lorena Chellew
Exposición "Sueños Animados" de Lorena Chellew
Disponible hasta el 17 de agosto
La artista Lorena Chellew presenta una serie de obras de gran colorido y vigor. A través de personajes y elementos recurrentes, se sumerge en un universo que le es propio, onírico y lúdico, donde formas a veces reconocibles y otras abstractas dan vida a una pintura donde los espacios microcósmicos y orgánicos se entrelazan con objetos como paraguas, platos, autos y pelotas, o seres en vibrantes tonos rojos, verdes, amarillos y azules, en una clara alusión al destacado español Joan Miró.
En sus trabajos se aprecia una pintura que se sustenta sobre una composición saturada de cuerpos mayoritariamente desconocidos, pero que sin embargo presentan en forma evidente episodios de gran energía, a modo de paisajes en expansión, y en cuyo proceso se generan diversos tipos de fuerzas que se mueven, articulando su original mundo. Su perspectiva, aparentemente caótica, junto a la vitalidad del manejo del color, le otorga a estas obras un carácter dinámico y simbólico.
Por otro lado, las formas que con vivacidad deambulan por la composición, generan la ilusión visual de un movimiento perpetuo, que como la creadora menciona, “va desde el interior hasta el exterior”, reiterando una gran tensión, como si del nacimiento de un nuevo firmamento se tratara.
Esta mezcla de conceptos, figuras o emociones que no tendrían cabida en el marco de un pensamiento lógico, en la pintura genera una revolución, en un acto posiblemente no premeditado de cambiar el arte, la vida y la sociedad.
Conversamos con Lorena, quien nos cuenta más detalles sobre su trayectoria artística y la muestra que estará exhibiéndose en el Nivel Botánica (-2). Te invitamos a leer su entrevista.
¿Cómo empezó tu camino artístico?
“Comenzó cuando estudiaba educación de párvulos en la Universidad Católica. Observaba cómo el arte fomentaba la creatividad y expresión personal de los niños. A partir de esa etapa, se instala en mí el deseo de pintar”.
¿Cómo te defines?
“En el ámbito artístico, como alguien que se siente atraída por los colores vibrantes y la expresión surrealista. Me encanta jugar con tonos intensos y contrastes. El surrealismo me permite adentrarme en mundos imaginarios, transformando la realidad y mis emociones”.
¿Cuál es tu estilo y tu sello? ¿Qué te inspira?
“Mi estilo lo defino como lúdico y onírico. Incorporó elementos de juego y fantasía en mis obras, que transportan a un mundo imaginario, con sorpresas por descubrir.
Para mi la inspiración está en todas partes: un atardecer, un paisaje, experiencias, en personajes de mi vida, emociones intensas, etc. Busco capturar la diversión en los detalles inesperados”
Cuéntanos un poco más sobre tu exposición “Sueños animados”
“Siento que lo que pinto forma parte de episodios de mis sueños o de mis historias. En mi pintura hay acción. Esa acción es la que me lleva a definir la exposición “Sueños animados”.
¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería?
“Me gustaría despertar la curiosidad en los espectadores, dejar una huella de felicidad, asombro y diversión, que deseen sumergirse en mis obras”.
¿Qué representan tus obras?
“Mis pinturas representan la manifestación de mis sueños, con forma y color, un viaje emocional y sensorial”.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
“El arte es la manifestación de emociones, pensamientos y sueños, que se expresan a través de diversas formas. Es un medio para explorar la profundidad de la experiencia humana, fusionando la imaginación con la realidad para crear algo nuevo y único. La importancia en la sociedad radica en su capacidad para inspirar, provocar reflexiones y fomentar la empatía”.
Te invitamos a visitar la exposición de lunes a sábado de 09:30 a 01:00 hrs y los domingos de 12:30 a 17:00 hrs, en Nivel Botánica (-2).
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Entrevista Juvenal Barría
Mes del Orgullo Gay en CV Galería
Residencia Muralista con Juvenal Barría
Viernes 28 de junio de 19:00 a 23:00 hrs.
Te invitamos a celebrar el mes del Orgullo Gay en CV Galería el próximo viernes 28 de junio, fecha en que se conmemora con una nueva versión de la Residencia Muralista.
En esta instancia de arte efímero en vivo, nos visita Juvenal Barría, artista visual que plasma sus ideas influenciadas por su historia personal, su orientación sexual, origen étnico huilliche y también por ideas de teoría queer.
Una de sus producciones más importantes y premiadas toma como eje principal el material de archivo y la performance, que a través de su alter ego “la Martuca”, una empleada doméstica travestida, pone en tensión aspectos sociales relacionados con el poder, el abuso, la política y las clases.
Conversamos con Juvenal sobre su vida y trayectoria artística. Te invitamos a sumergirte en su camino para visibilizar la diversidad a través del arte.
¿Cómo empezó tu carrera artística?
“Mi interés por el arte viene desde muy pequeño, en el liceo en Chiloé tuve una gran maestra que me inculcó el amor por las artes plásticas y luego este interés se hace material cuando entro a estudiar Licenciatura en Arte en la Universidad de Playa Ancha. Desde entonces, no he parado de producir”.
¿De qué se trata tu técnica e inspiración? ¿Cuál es tu sello vinculando tu calidad de creador con tu orientación sexual, origen étnico e ideas de teoría queer?
“Mi trabajo de arte podría definirse como transdisciplinario, porque utilizo diferentes técnicas que se cruzan para producir obras, desde la performance se aterriza a video, fotografía e instalación.
Mi inspiración se basa en mi historia personal, en las inquietudes que marcan mi biografía, pero que también se asocian a las inquietudes de toda una sociedad. Problemáticas sociales, luchas de clases y temáticas de género han sido parte de los tópicos que han marcado mi carrera pero van evolucionando. Hoy me interesa mucho investigar sobre mi origen, la naturaleza y los problemas medioambientales”.
¿Qué significa para ti el arte?
“Para mi el arte es el motor que mueve las acciones de mi vida, es un espacio de libertad que me permite hablar de ciertas cosas que en otros ámbitos no podría, puedo conectar con ese niño interior curioso. Además creo que es un lugar de sanación, que ayuda a reencontrarse con ciertos traumas, enfrentarlos y decodificarlos desde otra dimensión”.
¿Qué buscas transmitir con tus obras?
“Me interesa generar empatía con ciertas realidades postergadas históricamente, ya sea por origen de clase, étnico y también por orientación sexual. Quiero develar estas realidades para generar un cuestionamiento social, buscando cierto nivel de empatía y conexión general, entender que como cuerpo social y humano somos uno, pero que a partir de grandes problemáticas sociales históricas e ideológicas nos hemos fragmentado”.
En relación al Día del Orgullo, ¿cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu obra de la Residencia Muralista?
“Me interesa mucho generar una obra que hable de la trama histórica que contiene este día de conmemoración, y hablar sobre la lucha por la igualdad de derechos y el respeto a la diferencia”.
Actualmente no eres solo artista visual, sino que también creaste y diriges Judas Galería en Valparaíso. ¿Cómo puedes conjugar ambos roles?
“Siempre me interesó trabajar colectivamente, creo que el espacio de la galería me ha permitido aprender mucho sobre cómo relacionarme con mis pares, y es también un hermoso proyecto que permite levantar carreras de artistas que al igual que yo, tuvieron una historia lejos del centro, con una inmensa riqueza visual e imaginarios que representan otras formas de ver la realidad”.
Te invitamos a participar de esta experiencia de arte efímero en vivo, este viernes 28 de junio desde las 19:00 hrs. en Nivel Terraza (-1), en CV Galería.
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Exposición "Color y forma en tránsito" de Boris Obregón
Exposición "Color y forma en tránsito" de Boris Obregón
Disponible hasta el 6 de julio
Como una ensoñación, Boris Obregón nos entrega, mediante sus infinitas pinturas, la imposibilidad del vacío a través de eternos relatos imaginarios que nos permiten acceder a su mundo. Un lugar animado y altamente caótico, que no para de romper el orden establecido.
Las obras pictóricas de Boris nos invitan a encontrarnos con un espacio construido a partir de una arquitectura repleta de sentidos, divisados en signos y significados, donde el paisaje insiste en narrarnos la existencia confusa de quien habita un territorio demarcado por conflictos internos y externos. Un lugar compuesto por situaciones misteriosas y ante todo, fantásticas.
El origen del trabajo del artista, radica prácticamente en la creación de una naturaleza muerta conmovida por un surrealismo pop, o en tiempos contemporáneos ha de ubicarse bajo los parámetros del estilo lowbrow, soñando frecuentemente con fricciones y delirios presentes en el excesivo uso de formas, tal cual barroco y su horror vacui, que busca incansablemente organizar la realidad a través de procesos coloridos y fluidos, rebosando el cuadro con imágenes y planos dispuestos a pregnarse en el cuerpo de quien lo contempla.
Te invitamos a visitar esta exposición de lunes a sábado de 09:30 a 01:30 hrs y domingo de 12:30 a 17:00 hrs. en Nivel Botánica (-2).
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Exposición "Entre dos mundos" de Francsica Roura y Totoy Zamudio
Exposición "Entre dos mundos" de Francisca Roura y Totoy Zamudio
Desde el 6 de junio
Fran Roura y Totoy Zamudio nos invitan a encontrarnos en un espacio donde dos mundos convergen: la fotografía y la pintura. Estos artistas, cada uno con su propio lenguaje y estilo, se unen para crear una experiencia singular.
Por un lado, la fotografía captura un instante, un tiempo, congelando en una imagen el momento de una vivencia. A través de su lente, descubriendo la belleza o deformidad de lo cotidiano, permitiéndonos reflexionar sobre la realidad que la rodea y a su vez, dejándonos inmiscuirse en su particular percepción.
Asimismo, la pintura nos ofrece una visión más subjetiva del mundo. El artista utiliza el color, la textura y la forma, características habituales en sus obras, para expresar emociones, ideas y sueños. A través de su pincel, va dando forma a una nueva realidad, una que nos empuja a explorar y a perdernos en su traviesa imaginación.
En esta nueva serie, las obras no son solo fotografías o pinturas, sino una fusión de ambas disciplinas. Fran capta seductoras imágenes y Totoy las interviene, utilizando la pintura para añadir una nueva capa de significados, creando de esta forma una primigenia obra. Así, pasan del blanco y negro al color, de la realidad a la fantasía, trasladando el trabajo de cada uno de éstos artistas, de una sola mirada, a la suma de las partes.
El resultado de este trabajo es una experiencia multisensorial, que nos exhorta a mirar con atención, a sentir o a reflexionar si la realidad de lo que vemos es solo la imagen inicial capturada por la fotógrafa o una realidad paralela generada por la colorida intromisión del pintor, como si de dos dimensiones se trataran, creando nuevos límites en esta nueva aventura artística.
Conversamos con Francisca Roura, quien nos cuenta más detalles sobre su trayectoria artística y la muestra que estará exhibiéndose en el Nivel Terraza (-1), Te invitamos a leer su entrevista.
¿Cómo empezó tu camino artístico?
“Cuando estudiaba publicidad, tuve un ramo de fotografía y me tocó por primera vez entrar a un cuarto oscuro (en ese tiempo, era fotografía análoga) y me enamoré completamente de ella. Así que cuando terminé esa carrera, me metí a estudiar fotografía, ahí comencé y no paré nunca más”.
¿Cómo te defines? ¿Cuál es tu estilo y sello?
“Soy alegre, muy creativa y perseverante. Mi sello diría que es muy natural, profundo y sutil a la vez. Logro una conexión especial con mis retratos, ya sean personas, lugares o el espectador”.
Cuéntanos sobre la exposición “Entre dos mundos”
“Años atrás, me bajó la inquietud de saber qué pasaba si intervenía mis fotos y de ese proceso, naciera una nueva obra. Por ahí bordé unas y el resultado fue interesante, pero ahí quedó.
En la pandemia realicé el libro “Una mirada hacia el autor”, que retrata a varios artistas en sus talleres y fue ahí donde conocí a Totoy. Encontré que su trabajo podía ser interesante fusionado con mis imágenes y así fue.
El proceso fue muy cordial. Totoy muy generoso en querer participar y la fusión resultó todo un éxito”.
¿Por qué decidieron unir la fotografía con la pintura?
“Me parecía interesante la pintura y el trabajo de Totoy. La mezcla de blanco y negro con el color, y el estilo de Totoy consideré que calzaría bien y así fue”.
¿Cuál es el aporte que les gustaría dejar con la exposición en CV Galería?
“Nos gustaría provocar asombro, curiosidad, alegría y belleza. El aporte va en la misma dirección, es solo poner el énfasis en lo que nos une como comunidad, celebrar la luz y los colores, las formas simples y los sentimientos. Generar una experiencia única”.
¿Qué representan sus obras y qué quieren decir con ellas?
Fran: “Estas series tienen que ver con viajes. Con su cultura, los lugares que me van sorprendiendo y regalando imágenes. Visto siempre desde “la otra mirada”.
Totoy: “Mis obras exponen una premisa común que atraviesa todo mi trabajo, y no es otra cosa que la risa, no como muletilla sino que fundamento, molestar en buena y reírse con el otro, no del otro, es lo sustantivo y delimita una declaración de principios… Eso mismo: una declaración de principios.
Y la obra “Entre dos mundos” busca fusionar ambos estilos, cada uno con su propio lenguaje y dar nacimiento a una nueva obra generando una experiencia única”.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
“El arte para mi lo es todo. Es muy importante para la sociedad a mi modo de ver, porque nos invita a cuestionar, a cambiar, a experimentar y a embellecer nuestro entorno”.
¿Por qué eligieron un lugar como CV Galería para hacer su exposición?
“Porque es un ícono de la ciudad, porque es un lugar abierto donde circula gente diversa y además, su arquitectura empalma perfecto con las obras fotográficas de lugares icónicos. Transeúntes anónimos y placeres mundanos como el lugar donde estamos. Las intervenciones son el giro, la locura de lo inconexo, el resultado está a la vista”.
Te invitamos a visitar esta exposición de lunes a viernes, de 18:00 a 01:30 hrs., en Nivel Terraza (-1).
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Las últimas obras de 6 grandes artistas antes de morir
Arte en CV Galería
Las últimas obras de 6 grandes artistas antes de morir
Conocemos sus vidas, su trayectoria artística e incluso, sus obras más famosas, pero lo que no muchos saben es cómo se sentían y qué estaban pensando estos artistas en la última etapa de sus vidas. Algunos con vidas llenas de éxito y otros, en su peor momento.
Frida llena de heridas físicas y emocionales, Basquiat desde las calles hasta la fama y las drogas, Keith luchando con la enfermedad más tabú de la época, van Gogh viviendo en la pobreza con trastornos mentales, Picasso siendo uno de los artistas vivos más famosos del mundo y Klimt, de manera repentina Te invitamos a descubrir las últimas obras de estos 6 grandes artistas. .
Retrato de Mademoiselle Lieser de Gustav Klimt
Murió en 1918, a sus 55 años.
La obra fue un encargo de una acaudalada familia judía al pintor. Se dice que la mujer visitó nueve veces el estudio de Klimt para posar para él, entre abril y mayo de 1917. Cuando el pintor murió de un derrame cerebral en febrero de 1918 el cuadro fue entregado a la familia que lo había encargado.
La última vez que se vio la obra en público fue en una exposición en Viena en 1925, pero poco después, desapareció y permaneció en un paradero desconocido durante más de 100 años. Resurgió milagrosamente en Austria y se subastó recientemente,
Campo de trigo con cuervos de Vincent van Gogh
Murió en 1890, a los 37 años.
Pocos días antes de su suicidio, van Gogh ya había pintado este cuadro en el que se perciben malos augurios: un cielo tormentoso, muy oscuro para lo habitual del pintor y los cuervos saliendo del campo de trigo.
Van Gogh estuvo visitando campos de trigo durante esa temporada que pasó en Auvers, y según dejó documentado, los pintaba para “expresar su tristeza” y “su soledad extrema”. Pocos días después de acabar esta pintura, un 27 de julio de 1890, salió a un campo similar a éste y se disparó un tiro en el estómago.
Sandías de Frida Kahlo
Murió en 1954 a los 47 años.
Desde los 45, su salud empeoró y comenzó a pintar bodegones y naturaleza muerta, sobre todo frutas, que se podían poner en una mesa cercana a su cama de la que ya no se pudo volver a levantar.
La sandía se relaciona con la muerte gracias a las representaciones populares mexicanas del Día de los Muertos, ya que esta fruta aparece frecuentemente asociada a las figuras de los esqueletos. Por este simbolismo se cree que el tema escogido por Frida no era casual, ya que sentía que su muerte se acercaba.
Justo ocho días antes de morir, Frida escribió en una de las rodajas sus palabras de despedida: Viva la vida, una frase que es capaz de resumir su trágica y hermosa figura.
Cabalgando con la muerte de Jean-Michel Basquiat
Murió en 1988, a sus 27 años, de una sobredosis
En vida fue un artista de éxito, pero tras su joven muerte, su obra no tardó en convertirse en objeto de culto.
Pensaba mucho que la muerte estaba cerca, rodeado siempre de celebridades y artistas víctimas de las drogas. Y su última obra, tiene algo de premonitorio, sin los elementos típicos de sus pinturas como las coronas, las letras o el mínimo de colores, cuando por regla general sus obras rebosan contrastes tonales.
Pintura incompleta de Keith Haring
Murió en 1990, a sus 31 años, de Sida.
Aunque al parecer esta obra no la pudo terminar, Keith la dejó incompleta intencionalmente, como testimonio de las miles de vidas que terminaban incompletas por el VIH.
En 1998 fue diagnosticado con Sida, enfermedad que finalmente le arrebató la vida en 1990. Durante sus últimos años, continuó trabajando incansablemente, utilizando su arte como una plataforma para educar y concientizar sobre el virus y sus efectos devastadores en la comunidad LGBTQI+-
Mujer acostada y cabeza de Pablo Picasso
Murió en 1973, a sus 91 años.
Inició este cuadro en febrero de 1973 y durante los meses posteriores, se dedicó al dibujo y las acuarelas. Retomó esta pintura, un retrato de su última mujer, Jacqueline Roque, un día antes de morir, para aclarar algunos tonos.
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Colectivo 7ochenta en CV Galería: pasarela, conversatorio de moda y pop up store
Colectivo 7ochenta en CV Galería: pasarela, conversatorio de moda y pop up store
Viernes 31 de mayo y sábado 1 de junio
La moda, el estilo y el vestir con onda, durante esta semana, se toman CV Galería en gloria y majestad.
Por tercer año consecutivo, CV Galería será el escenario de moda con mayor visibilidad con la pasarela del Colectivo 7ochenta. El sábado 1 de junio, nuestras terrazas se llenarán con lo más cool de la moda, donde las marcas nacionales Guido Vera, Ceremonia y Huaman Autor, exhibirán sus prendas en un despliegue único en diseño y creatividad.
Y el viernes 31 de mayo, tendremos el conversatorio: “Nuevas habilidades profesionales en el mundo de la moda”, para generar una instancia de conversación que involucre a las personas con el ciclo de vida de sus prendas, de la mano de un consumo ético y perdurable.
Además, durante ambos días (viernes 31 y sábado 1), estará el Pop Up Store, donde los asistentes podrán comprar los productos que las tres marcas ofrecen en su propuesta de invierno 2024.
Te invitamos a ser parte de este nuevo concepto de plataforma de moda multidisciplinaria, de la mano del Colectivo 7ochenta, quienes a través de estas tres instancias con entrada liberada, exhibirán sus vanguardistas diseños.
Conversamos con Gabriela Olivares, diseñadora y organizadora del evento, quien además será moderadora del conversatorio, para que nos cuente sobre este increíble proyecto que realizará en nuestros espacios. Te invitamos a conocer esta interesante propuesta.
Cuéntanos sobre la pasarela: quiénes son los diseñadores y qué podremos ver
“Tanto la pasarela como las otras dos actividades vinculadas a este evento realizado por primera vez en CV Galería, estarán guiadas por las marcas autoriales chilenas Guido Vera, Ceremonia y Huaman Autor. Tres marcas que conforman la iniciativa de Colectivo 7ochenta, con trabajo curatorial y en el marco de producciones colaborativas entre aquellos actores relevantes de las industrias creativas.
Guido Vera (Chile 2018), es una marca que se enmarca en el genderless nacional, reformulando la sastrería tradicional con enfoque en los nuevos consumidores que buscan una tendencia minimalista. Trabaja, a su vez, la resignificación de materiales y desde su propuesta morfológica, considera paisajes de la Patagonia chilena como inspiración artística.
Ceremonia (Chile 2004), es una marca fundamentalmente autoral la cual se autodefine como “ungender y escapista”. La producción local y los métodos convencionales de confección son propios de los procesos que trabaja. Crean piezas memorables y trascendentes que adquieran valor con el tiempo y que, a su vez, poseen un bajo impacto ambiental, una tendencia propia de las marcas que están comprometidas con los tiempos que corren.
Huaman Autor (Buenos Aires 2015 y Chile 2021), es un proyecto interdisciplinario que conjuga diseño, nuevos medios y neo-artesanía textil como una propuesta sostenible y atención especial en necesidades actuales de consumo. Desarrolla múltiples líneas productivas: piezas exclusivas, básicas, zero waste, realizadas a partir de biomateriales con upcycling. La marca ofrece, además, experiencias customizables como: alquiler, reparación y upgrade de prendas.
¿Qué es el colectivo 7ochenta? ¿De qué se trata y cómo nace?
“Colectivo 7ochenta es un colaborativo de 3 marcas chilenas en la línea sostenible que busca redefinir los códigos identitarios manifestados en la creación de productos hechos en Chile, como un homenaje a la identidad cultural nacional, asimismo es un compromiso activo con la preservación del medio ambiente y las comunidades que el territorio acoge”.
Cuéntanos de qué se tratará el pop up
“El pop up store estará durante los dos días que durarán las actividades (viernes 31 y sábado 1), y en este espacio se podrán comprar los productos que las tres marcas ofrecen en su propuesta invierno 2024. La idea de generar este tipo de instancias promueve asimismo un espacio de interacción y contacto directo con el público que busca productos de calidad desarrollados en Chile”.
Cuéntanos sobre el conversatorio: por qué esa temática, quiénes participan, etc.
“Las charlas en el marco de “conversatorio moda” es precisamente lo que estas tres marcas persiguen con este emprendimiento. Hoy no solo se trata de consumir productos, sino también y cada vez más relevante, informar acerca de cómo producimos, bajo qué condiciones y quienes están detrás de estos diseños modulares. La idea de estos espacios que promueven el conocimiento y refuerzan las ideas fuerza detrás es involucrar a sus clientes tanto nuevos como cautivos en el ciclo de vida de sus productos, los cuales comulgan en un estilo de consumo ético y perdurable”.
¿Por qué eligieron un lugar como CV Galería?
“Porque venimos trabajando hace un par de años en un espacio que genera un ambiente cultural diverso y contemporáneo. Un lugar donde convergen y conviven de manera armónica varias actividades creativas como la gastronomía, arte, música y donde el diseño se respira en cada rincón sin impedimento alguno. No son muchos los lugares en Chile que conjugan tan bien todas estas variables”.
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Día de los Patrimonios: 9 lugares que hay que conocer
Día de los Patrimonios: 9 lugares que hay que conocer
El 25 y 26 de mayo se celebra el Día de los Patrimonios, una fecha en la que se libera el acceso a cientos de edificios históricos y Monumentos Nacionales a lo largo de Chile, para permitir que las personas puedan conocer y disfrutar el patrimonio cultural, histórico y arquitectónico nacional.
El patrimonio cultural son las manifestaciones culturales tanto de nuestros antepasados, como de las nuestras. Éste se va construyendo en conjunto con la comunidad, por ser relevante para su identidad, memoria e historia.
Como la arquitectura es parte del ADN de CV Galería, le pedimos a Cecilia García-Huidobro, presidenta de la Asociación de Propietarios de Casas Históricas y Parques de Chile, que nos compartiera 9 lugares, la mayoría de ellos Monumentos Históricos Nacionales, sobre los que hay que conocer.
La Asociación que preside es una organización privada, que busca crear conciencia sobre la labor que llevan a cabo los privados en la preservación del patrimonio. Los lugares que nos recomienda son propiedades de los asociados y son inmuebles caracterizados por su valor histórico, estético, patrimonial y cultural.
El concepto “casas históricas y parques” abarca cualquier construcción, que tenga una declaratoria, por parte del Estado, que implique la necesidad de su conservación. Pueden ser casas, palacios, haciendas, escuelas, molinos, fábricas, sitios arqueológicos o jardines. Se consideran todas las épocas, incluidos los inmuebles contemporáneos, siempre que tengan una declaratoria o sean aprobados por su valor, por el Comité de Evaluación de la Asociación.
Los inmuebles también pueden cumplir variadas funciones, tales como casas particulares, empresas, universidades, restaurantes, hoteles, teatros, entre otros. Pueden estar abiertos al público, mostrados de manera ocasional o cerrados a éste.
Te invitamos a conocer la selección de Cecilia García-Huidobro:
1. Casa Richter, Frutillar: es la casa más antigua de Frutillar, construida en 1985 (siglo XIX), por una familia de colonos alemanes Richter. Mantuvo su composición original hasta el 2006, cuando fue restaurada, respetando totalmente su distribución interior y su exterior.
Desde esa fecha, gracias al apoyo de la familia Schiess, alberga la Escuela de las Artes, de la Fundación Teatro del Lago, que brinda cada año educación artística a más de 400 estudiantes de la región de los Lagos. Declarada Monumento Histórico Nacional.
2. Hacienda Polpaico: en manos de la familia Gillet, data de 1613 y además del valor material por la antigüedad de su construcción, tiene un gran valor histórico, debido a que en su interior se urdió la primera conspiración de la Independencia en 1781, la llamada “Conspiración de los Tres Antonios”.
Declarada Monumento Histórico Nacional, está ubicada en la provincia de Chacabuco y si bien la casa se empezó a levantar a principios del siglo XVII, su construcción concluyó casi cien años más tarde y sus características son un testimonio típico de las construcciones rurales de los siglos XVII y XVIII.
3. Casa del Villar o Hildesheim, Zapallar: fue construida en 1924, por petición de su dueña, María Luisa Mac-Clure, al arquitecto Josué Smith Solar, para que fuera una réplica fiel de la Casa Gremial de los Carniceros de Hildesheim en Alemania, que conoció durante un viaje y data de 1529.
Mac-Clure mandó a hacer a Alemania las puertas, ventanas y vigas, que creía de difícil elaboración en Chile y que fueron traídas a nuestro país en barco en 1923. Declarada Monumento Histórico Nacional, uno de sus sellos distintivos está en la fachada, la que se caracteriza por la gran cantidad de decoraciones en madera tallada que representan historias mitológicas, con figuras humanas y elementos de la naturaleza.
4. Antigua Hacienda Llay Llay o Casa Santa Teresa: ubicada en el Valle del Aconcagua, esta casa declarada Monumento Histórico Nacional, tuvo de inquilino a Jenaro Prieto, connotado periodista y escritor chileno. Este lugar se convirtió en un importante polo de creatividad y de visitas de prestigiosos intelectuales.
El inmueble es uno de los principales exponentes chilenos de la arquitectura inspirada en la Belle Époque francesa. Además de la belleza de la construcción, destaca el parque de árboles centenarios que la rodea. Hoy es la Viña Baron Knyphausen.
5. Hacienda Alhué: ubicada en la provincia de Melipilla, la hacienda formó parte del territorio que Pedro de Valdivia entregó a Inés de Suárez, y que perteneció a Mateo de Toro y Zambrano.
Declarada Monumento Histórico Nacional, esta vivienda de adobe presenta una disposición arquitectónica de casa patronal con patio central y cinco centenarias palmas chilenas y con un pequeño refugio para terremotos en su interior.
6. Casa Domeyko: es una de las casas fundacionales del barrio Yungay en Santiago, fue la residencia por más de 50 años de Ignacio Domeyko, rector de la Universidad de Chile y destacado científico e intelectual.
Declarada Monumento Histórico Nacional, la casa representa una modalidad de vida de las antiguas familias de Santiago durante la segunda parte del siglo XIX. Su diseño fue obra del propio Domeyko, y está acorde a la época en que fue construida, manteniendo su fisonomía hasta el día de hoy. La casa fue lugar de reunión y encuentro para jefes de Estado, ministros, intelectuales, académicos y científicos durante el siglo XIX.
7. Galería Barco en Edificio Santa Lucía: en el primer piso del icónico edificio Santa Lucía, funciona la Galería Barco, el primer espacio dedicado a la arquitectura en Chile, que busca que distintos profesionales intervengan el espacio.
Ubicado en Zona de Conservación Histórica, el icónico edificio de la esquina de Merced y Santa Lucía, obra del arquitecto Sergio Larraín y José Arteaga, es uno de los primeros exponentes del movimiento moderno y fue construido entre 1932 y 1934. Su forma, que se asemeja a un barco con pequeñas ventanas redondas, tiene una pequeña curvatura que sigue el contorno de la calle Santa Lucía.
8. Museo Corbeta Esmeralda: construido en la rada de Iquique, es la reproducción a escala real, del buque que coronó con la gloria a Chile en la Guerra del Pacífico. Es mantenida por la Corporación del Patrimonio Marítimo, presidida por el almirante Rodolfo Codina.
Para la concreción de esta obra patrimonial y debido a la ausencia de planos originales de la Esmeralda, la Corporación llevó adelante una exhaustiva investigación histórica que logró establecer con la mayor exactitud posible cómo habría sido la emblemática unidad de la Armada.
9. Oficinas calle Nueva York: una positiva restauración ha transformado las antiguas oficinas en cowork, por uno de los socios de la Asociación de Propietarios de Casas Históricas y Parques de Chile. Zona típica.
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“Pinturas y fotografías inéditas de acciones” de Carlos Leppe en Aninat Galería
"Pinturas y fotografías inéditas de acciones" de Carlos Leppe en Aninat Galería
En consonancia con el Museo Nacional de Bellas Arte, donde se presentan los videos performáticos de Carlos Leppe, Aninat Galería expondrá desde el 23 de mayo, “Pinturas y Fotografías inéditas de acciones” de Leppe, generando un diálogo que permite completar el complejo rompecabezas que constituye la obra del artista.
La exposición invita al espectador a sumergirse en la gestualidad y el uso de materiales que caracterizan el hacer de Leppe. Sus pinturas son testimonio del intenso trabajo corporal que definió su carrera. Los pelos, secreciones, lino, paños, entre otras cosas de la vida cotidiana, confieren una dimensión táctil a la obra, imponiendo lo tangible sobre lo meramente visual. Esta elección material no solo enriquece la experiencia estética, sino que también añade profundidad y complejidad al formato bidimensional.
El legado de Carlos Leppe dejó una huella indeleble en las artes latinoamericanas, y se manifiesta en cada detalle de esta muestra, que ofrece una mirada única y reveladora sobre la evolución del arte contemporáneo.
Carlos Leppe (1952 – 2015) fue un destacado artista visual chileno conocido por su obra multidisciplinaria que abarca la performance, la instalación, la pintura y el videoarte. Nacido en Santiago, Chile, en 1952, Leppe desarrolló una carrera artística distintiva.
Desde sus primeros trabajos en la década de 1970, desafió las convenciones estéticas y sociales a través de su arte, explorando temas como la identidad, el género, la sexualidad y la política. Su enfoque experimental y provocativo lo llevo a la creación de obras que incitan a la reflexión y cuestionan las normas establecidas.
Sus actuaciones a menudo incorporan elementos teatrales, musicales y coreográficos, creando un diálogo dinámico entre el cuerpo, el espacio y el público. Una de las facetas más intrigantes del trabajo de Leppe es su dedicación a la performance como una forma de expresión artística. A través de sus performances, Leppe creó experiencias sensoriales inmersivas que invitaban al espectador a cuestionar las normas sociales y explorar nuevos territorios emocionales.
Carlos Leppe, realizó estudios artísticos en la Universidad de Chile, recibiéndose como Licenciado en Arte con mención en Pintura. Fue alumno de Eugenio Dittborn, Carlos Altamirano, Francisco Smythe y la teórica Nelly Richard, quien lo incluyó en el grupo de artistas Escena de Avanzada. Se interesó en artistas vanguardistas del siglo XX como Joseph Beuys, Villalba, Arman, Christo, Fontana y Segal, quienes inspiraron su obra y se relacionó con el arte objetual, el arte corporal o body art y la intervención del espacio.
A lo largo de su trayectoria participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero, consolidando su posición como una figura influyente en el panorama artístico contemporáneo.
Con entrada gratuita, estará disponible desde el 23 de mayo hasta el 29 de junio en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs
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Cabina Silen Space: lleva el silencio a todas partes
Cabina Silen Space: lleva el silencio a todas partes
Fácil, cómodo y flexible
La revolucionaria tecnología del silencio llegó a CV Galería de la mano de Contatto, junto a su cabina Silen Space, que permite llevar el silencio a cualquier parte, y durante el tiempo que necesites.
¿Tienes que hacer una llamada en silencio?, ¿ te gustaría tener un minuto de paz o contar algún secreto que nadie más puede escuchar?
Te invitamos a probar tu nueva oficina, la cabina acústica en CV Galería. Un espacio de privacidad y tranquilidad, que aísla el sonido exterior, para que las personas puedan tener reuniones, hacer llamadas o disfrutar de un espacio tranquilo sin distracciones.
Estas cabinas nacen del nuevo concepto de oficinas abiertas, donde la ausencia de privacidad conlleva un aumento de ruido ambiental, lo que a su vez repercute en la concentración y la privacidad de las personas.
Sus atributos lo convierten en un producto ideal para espacios de oficina, cowork, universidades, hoteles, aeropuertos y espacios privados de uso público, creando entornos silenciosos y privados, mejorando la concentración y la productividad en entornos abiertos. Sin embargo, sus usos son ilimitados.
Contatto ofrece un servicio innovador de arriendo de este producto, como una opción atractiva y sostenible, sobre todo debido a la evolución de los espacios. Esta flexibilidad brinda la oportunidad de experimentar las mejores cabinas acústicas del mercado, asegurándose de su eficiencia en el entorno requerido.
Se encargan de todo: transporte, instalación y detalles técnicos. Utiliza la cantidad de módulos insonorizados Silen Space 1 cuando y donde los necesites, durante el tiempo que quieras.
Contatto es una empresa chilena dedicada a la comercialización de sillas y otros productos para espacios de oficinas, colaborativos, multipropósitos, clínicas, universidades, hoteles, restaurantes, hogares, estadios y espacios públicos. Representa marcas que están a la vanguardia en diseño, tecnología y producción, de países como Japón, Italia y España. Todas las marcas que distribuyen están comprometidas con el medio ambiente, buscando constantemente nuevos métodos de fabricación y materiales innovadores que no produzcan daño en el planeta.
Te invitamos a conocer esta revolucionaria tecnología en el Nivel Terraza (-1), de lunes a sábado de 09:30 a 01:00 hrs y los domingos de 12:30 a 17:00 hrs.
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Glam Night: fashion Pop Up Store con Landa Brands
Glam Night: fashion Pop Up Store con Landa Brands
En CV Galería siempre estamos en la búsqueda de presentar las últimas tendencias y la moda es una de ellas. Los invitamos a un panorama imperdible para los amantes del buen vestir.
Este jueves 16 y viernes 17 de mayo se presenta el Pop Up Store de Landa Brands en nuestro espacio, presentando cuatro marcas argentinas con sus colecciones cápsulas, desarrolladas especialmente para nuestro país.
Landa Brands es un grupo que busca democratizar la moda, acercando las mejores marcas argentinas, al público chileno. Marcas con alma latina y diseño global, con gran tradición en el país vecino.
Contribuyen a desarrollar moda más sustentable, consumiendo menos recursos naturales, mediante marcas cuya calidad permita que sus productos puedan ser usados por años.
Te invitamos a descubrir este Pop Up Store, una tienda emergente que a diferencia de las tradicionales, tiene un carácter efímero, que aparece en lugares poco convencionales, transformando la exhibición de productos en una experiencia, como también es el sello CV Galería.
Conoce la historia de las cuatro marcas que estarán participando en esta Glam Night:
PERRAMUS – Abrigos
A comienzos del siglo XX, existía una pequeña localidad al suroeste de Gales llamada Perram. Por su ubicación geográfica, cercana a la costa, se encontraba muy expuesta a los vientos del Océano Atlántico.
El clima era frío, ventoso y con altos niveles de humedad lo que originaba permanentes lluvias en la región. Dada las condiciones climáticas, sus habitantes debían vestir abrigos pesados e impermeables.
Es por ello que comenzaron a instalarse pequeñas fábricas textiles, manufactureras de tejidos, principalmente lana. Los tejidos eran bien compactos, abrigados y permitían soportar los fuertes vientos de la región. Estos materiales, con los que luego se fabricaron los abrigos, contaban con un proceso de impermeabilización que mantenía las prendas siempre secas. En Argentina, a principios de los años 20, comenzaron a importarse telas provenientes de la localidad galesa de Perram
Así en 1922, en Argentina, nace Casa Perramus que comienza a fabricar los primeros pilotos con gabardina de lana, de gran peso y muy compactas que abrigan y son totalmente impermeables a la lluvia.
GRETA FLORA – Zapatos
Greta Santolalla y Florencia Méndez se asociaron en 2003 para producir zapatos de tango. Prontamente, la marca destacó por sus originales combinaciones de color y por un detalle que define el espíritu de GretaFlora: una camelia aplicada en capelladas y talones.
La propuesta decantó en una colección de estilo romántico, con puntas redondeadas, tacos posibles y cuidadas terminaciones a mano que finalmente ayudaron a que el proyecto original pasara de la pista de baile a la vida cotidiana de sus clientas. Elegante y de estilo atemporal, son el detalle en cualquier outfit.
ELISA – Abrigos
Marca en la cual la búsqueda de cueros de calidad, la atención al detalle y el estilo son la prioridad absoluta. ELISA fusiona diseño, calidad y valor excepcionales. El proyecto nació con una visión muy clara de la moda: vestir cuero es más que ponerse una simple prenda de ropa, vestir cuero es una experiencia.
Su fábrica produce artículos de cuero exclusivos de alta calidad. Trabajan con cuero ovino italiano, en todas sus variantes bajo el lema “el tiempo pasa, y el cuero perdura”, diseñando piezas atemporales pensadas para pasar de generación en generación.
Sus diseñadores fusionan la estética del nuevo mundo, mientras que sus artesanos fusionan la tradición del viejo mundo en un único y sorprendente producto.
PETER KENT – Carteras
Cada producto de la colección conserva aún hoy el glamour de la refinada condesa que abrió su negocio de carteras en plaza San Martín, allá por la década del ‘50 y del cual reedita su nombre.
Con diseños originales, confección 100% artesanal, el resultado es estética, buen gusto y calidad en carteras y pequeña marroquinería. Livianas, fáciles de llevar, cómodas para usar, un accesorio que acompaña dócilmente la vida diaria.
Te esperamos el próximo jueves 16 y viernes 17 de mayo, en Nivel Botánica (-2), desde las 18:00 a 00:00 hrs.
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