La talentosa artista nacional Aranxazú Llorente nos visita el sábado 14 de diciembre, desde las 19:30 hrs., para una nueva versión de la Residencia Muralista en CV Galería junto a Scotiabank. 

Te invitamos a ser parte de esta experiencia de arte efímero en vivo, donde esta vez Aranxazú a través de la improvisación, creará una obra navideña especialmente para nuestro espacio, llena de colores y simbolismos para celebrar esta mágica temporada. 

En esta entrevista conocerás más sobre Aranxazú, quien nos cuenta sobre su trayectoria artística, inspiraciones y sentido de sus obras. 

¿Quién es Aranxazú Llorente? 

“Soy Aranxazú Llorente Chang, nacida en Vallenar en 1992 y soy una artista multidisciplinaria con una Licenciatura en Artes Visuales, con mención en escultura y fotografía, de la Universidad Finis Terrae en Santiago. Mi trabajo se caracteriza por su originalidad y profundidad conceptual, fusionando diversas disciplinas artísticas como el textil, la pintura y la constante experimentación. 

En 2022 fui reconocida como una de las 100 Mujeres Líderes por El Mercurio, un reconocimiento que valoro profundamente por destacar mi trayectoria artística y mi aporte al mundo creativo. Además, cuento con un MBA en Dirección de Empresas de Moda que cursé en Madrid, España, lo que me permite complementar mi visión artística con un enfoque estratégico y empresarial”. 

¿Cómo empezó tu carrera artística? 

“Comenzó desde que tengo memoria, ya que siempre he experimentado con el arte como una forma de aprendizaje y expresión. Para poder entender y asimilar el mundo que me rodeaba, necesitaba dibujar y así fue como los personajes que hoy forman parte de mi universo artístico siempre estuvieron presentes conmigo. Más adelante, durante mis estudios en la Universidad Finis Terrae, me especialicé en escultura y fotografía, lo que me permitió desarrollar una base técnica sólida y expandir mi exploración hacia otras disciplinas como el textil y la pintura, consolidando un lenguaje propio y único”. 

¿De qué se trata tu técnica e inspiración? 

“Mi técnica es una combinación de diferentes disciplinas como el textil, la pintura y la narrativa visual. Me inspiro en la naturaleza humana, en mi autobiografía y su relación con el entorno, creando personajes ficticios que habitan un universo propio. Los grandes felinos, como símbolos protectores y poderosos, y la figura femenina inspirada en la Venus de Willendorf, son elementos recurrentes que representan abundancia, sabiduría y fuerza”. 

¿Cuál es tu sello?

“Mi sello es la fusión de técnicas y conceptos que generan obras con una narrativa profunda, donde se destaca la representación de grandes felinos y figuras femeninas como un simbolismo poderoso. Este enfoque multidisciplinario y la creación de un universo ficticio único hacen que mi trabajo sea reconocible y original: las formas orgánicas, las paletas de colores y los personajes son algunas de las características que se destacan de una manera particular en mis obras”. 

¿Qué significa para ti el arte? 

“Para mí, el arte es un medio para conectar con las emociones y cuestionar nuestra relación con la naturaleza, el entorno y nosotros mismos. Es una herramienta de comunicación que trasciende las palabras y nos invita a reflexionar sobre quiénes somos y cómo nos relacionamos con el mundo. Es una forma de poder expresar de una manera implícita lo que pasa por nuestra mente, donde podemos expresarla a través de distintos medios, donde el espectador puede tener la posibilidad de dialogar con tu propia historia”.

¿Qué buscas transmitir en tus obras? ¿Qué mensaje te gustaría dejar en cada una de ellas?

“A través de mis obras busco transmitir una reflexión profunda sobre la vida, la naturaleza y la esencia humana. Quiero que cada pieza inspire a los espectadores a conectar con su interior y su entorno, despertando una sensación de introspección, poder y conexión. Mi objetivo es que cada obra sea un puente hacia un entendimiento más rico de nuestra humanidad y nuestra relación con el mundo”. 

¿Qué harás en la Residencia Muralista? 

“El sábado en la Residencia Muralista crearé una obra que refleje el espíritu de la época navideña, enfoncándome en conceptos como la unión, la celebración, la abundancia y la conexión entre personas. Será una propuesta colorida y original que invita a ver la Navidad desde una perspectiva diferente, celebrando el acto de estar juntos y compartir momentos significativos. Invito a todos a disfrutar de esta experiencia, donde el arte se convierte en un puente para conectar con el espíritu de generosidad y alegría que define estas fechas”. 

Te invitamos a participar en la Residencia Muralista este sábado 14 de diciembre en Nivel Terraza (-1), desde las 19:30 hasta las 23:30 hrs. Entrada liberada.

La Navidad llegó a CV Galería de la mano de Scotiabank y María Ayuda, e inundó cada rincón de nuestro espacio con “El Árbol de los Sueños”, una instalación única, creada con materiales 100% reutilizados que representa el trabajo colaborativo por un futuro más sostenible y la solidaridad en esta fecha.

Esta instalación simboliza la economía circular y nos recuerda que cada pequeño impacto deja huellas significativas. Además, una vez finalizada la exposición de este árbol, cada una de las piezas ocupadas volverá a ser reutilizada para convertirse en juegos y momentos de creatividad para los niños de María Ayuda.

Adicionalmente, el árbol contiene códigos QR que permitirán a las personas convertirse en socios de María Ayuda y así mantener su apoyo en el tiempo, o también realizar un aporte monetario que irá en directo beneficio de los niños, niñas y adolescentes que la fundación acoge.

“Este tipo de iniciativas son fundamentales para María Ayuda, ya que nos permiten visibilizar nuestro trabajo y acercar a las personas a nuestra misión. A través de ‘El Árbol de los Sueños’, no solo mostramos el impacto positivo de la reutilización de materiales, sino que también sensibilizamos a la comunidad sobre la importancia de apoyar a los niños, niñas y adolescentes que atendemos. Cada contribución, ya sea haciéndose socio o realizando un aporte monetario, ayuda a transformar vidas y a construir un futuro mejor para quienes más lo necesitan”, señaló el Director Comercial de la Corporación, Jorge Gómez.

Por su parte, Katia Berdichewsky, Directora de Asuntos Corporativos y Sostenibilidad de Scotiabank detalló: “Nuestra relación con María Ayuda tiene una historia de más de 20 años en los que, a través de diversas iniciativas, buscamos apoyar y contribuir al desarrollo de los niños y niñas en situación de vulnerabilidad. Un valor central que nos inspira en esta festividad y en la creación de este árbol es la importancia de dar, por eso queremos invitarlos a sumarse a una Navidad llena de esperanza y sueños para los niños de María Ayuda”.

María Ayuda es una corporación de beneficencia que trabaja desde hace más de 41 años  por los niños, niñas y adolescentes que han sufrido alguna vulneración grave de sus derechos, como abuso, maltrato y abandono. María Ayuda acoge, protege y contribuye al desarrollo integral de niños que han sufrido daños en su dignidad y derechos. Trabajan para reinsertarlos en un ambiente familiar en el menor tiempo posible, priorizando 4 derechos básicos que quieren reivindicar: vivir en familia, bienestar, salud y educación, buscando transformar la trayectoria de vida de esos niños de manera sostenible.

Te invitamos a visitarnos para conocer El Árbol de los Sueños Scotiabank en el acceso de CV Galería, y ser parte de una Navidad de esperanzas y sueños para las niñas y niños de María Ayuda. Hazte socio en este link y transforma vidas. 

Desde el martes 26 de noviembre podrás visitar la exposición: “Hello Kitty 50th anniversary”, con las fotografías de María José Castro -Lady Ganga-, Dani Urrizola, Helenia Melan, Fran Chekal y Anto Bosman, 5 creadoras de contenido que fueron convocadas para crear una editorial especial para conmemorar el cumpleaños 50 de Hello Kitty. 

Te invitamos a visitar la exposición que estará disponible hasta el 25 de diciembre con entrada liberada, para celebrar a este personaje que ha conquistado el corazón de millones alrededor del mundo con su ternura y mensajes de amistad, convirtiéndose en un verdadero ícono de la cultura pop. 

Mundialmente conocida como un ícono atemporal, Hello Kitty cumple 50 años este 2024. La fecha, tan importante para los fanáticos del personaje, marca más que solo un aniversario; representa el resultado de la estrategia adoptada por Sanrio, la empresa japonesa que posee diversos personajes, para convertir a Hello Kitty en una de las marcas más queridas y reconocidas mundialmente por adultos y niños. 

El personaje, con su característico lazo rojo, se ha convertido en un símbolo global de amistad, bondad y positividad. Desde su lanzamiento, Hello Kitty ha conquistado corazones en todo el mundo con su encanto simple y su mensaje universal de amor. A lo largo de las últimas cinco décadas, ha evolucionado de ser un modesto personaje en artículos de papelería a convertirse en un fenómeno cultural, protagonizando una amplia gama de productos, series animadas, parques temáticos y colaboraciones con marcas renombradas. Este aniversario no es sólo una celebración del legado de Hello Kitty, sino que también una oportunidad para recordar el profundo impacto que ha tenido en la vida de millones de fanáticos.  

“Hello Kitty es amada por personas de todas las edades, desde niños hasta adultos. Su diseño simple y cautivador es atemporal, lo que le permite adaptarse e incorporarse a diferentes culturas y tendencias, haciendo posible atraer nuevos fans y, al mismo tiempo, manteniendo su base de seguidores existente. También está presente en una amplia gama de productos, desde papelería y ropa, hasta electrónica y productos alimenticios. Esta diversidad de productos hace que esté presente en muchos aspectos de la vida cotidiana, asegurando una exposición continua y manteniendo su atractivo para los diferentes públicos” expresó Christopher Daniels, C.O.O de Sanrio para Latinoamérica. 

Fotografías de Ozcar para editorial de Revista Velvet. Te invitamos a visitar la exposición de lunes a sábado de 20:00 a 01:30 hrs., en Nivel Terraza (-1), CV Galería. Entrada liberada.  

El viernes 15 de noviembre nos visita la talentosa artista nacional Florencia Schneider, para una nueva versión de la Residencia Muralista en CV Galería. 

Te invitamos a ser parte de esta experiencia de arte efímero en vivo, donde Florencia a través de la improvisación, creará una obra especialmente para nuestro espacio. 

En esta entrevista conocerás más sobre Florencia, quien nos cuenta sobre su trayectoria artística, inspiraciones y sentido de sus obras. 

¿Quién es Florencia Schneider? 

“¡Qué pregunta más difícil! La verdad me cuesta responder sobre quién es “Florencia”, es una respuesta en la que llevo años trabajando”. 

¿Cómo empezó tu carrera artística? 

“Como tengo estudios en diseño y no en arte, siento que tengo la libertad de no tener una técnica exacta. Cuando empecé a pintar, los materiales que tenía -y sigo guardando-, eran de mi abuelo y de una amiga que murió. Pintar con ellos fue algo muy especial, una conexión profunda entre los recuerdos y la pintura que iba emergiendo”. 

¿De qué se trata tu técnica e inspiración? 

“Me interesa mucho ir mezclando distintos medios, las texturas y colores. Probablemente cometo errores que no se aceptarían en una academia de bellas artes, pero eso no me importa mucho. 

Mi familia tenía una casa al lado de mis abuelos, él era arquitecto y de chica siempre estaba en su taller. El dibujaba muy bien y gran parte de sus dibujos y líneas filigranas que hay en mi trabajo vienen de ahí. Me gusta estudiar a los grandes maestros, y cada vez que me obsesiono con alguien nuevo, se nota en la pintura que estoy haciendo en ese momento. También me llegan muy fuerte ciertas frases o palabras. Las anoto en masking tape en mi taller para que no se me olviden y así poder incorporarlas en las obras”. 

¿Cuál es tu sello? 

“Siento que aún me falta mucho camino por recorrer para tener un sello. En mis cuadros son muy recurrentes las líneas muy finas, como ramajes, los ángulos y contra ángulos que encajan como cristales. En otros mandan el color y las formas orgánicas. 

Como estoy todo el tiempo trabajando y pensando en nuevos proyectos, no me doy cuenta si tengo un sello. Quizás alguien que no sea yo y que mire desde afuera, pueda identificar ese sello. Voy a tener que ir preguntando por ahí para ver qué me dicen”. 

 ¿Qué significa para ti el arte? 

“Creo que el arte es la habilidad de crear algo que no existe, y a la vez, de mostrar cosas que son invisibles al ojo humano. El arte las plasma y las traduce, es como un puente o un conector entre lo invisible y la gente. Mucho más que cuadros colgados de la pared o proyecciones, fotografías o esculturas, son las emociones que despiertan, las líneas de pensamiento que abren y las conversaciones que se logran entablar alrededor de esa obra en específico, las que las completan”. 

¿Qué buscas transmitir en tus obras? 

“Mis obras son como un psicoanálisis. Cuando pinto, al principio no me doy cuenta de por qué lo estoy haciendo, por qué me inclino a ciertos colores, formas, dibujos, etc. Dejo la obra por un tiempo, la vuelvo a mirar y ahí me doy cuenta qué me estaba pasando en ese momento. Desde ahí las sigo trabajando, veo si hay algo más que agregar o mejorar, o ya dejarlas tal y cómo están. 

Hay ciertas obras que me dan mucha pena y otras que me traen felicidad. Para mi, todo gira en torno a las emociones y me enfoco en tratar de retratarlas de la mejor forma posible. 

Como mis obras son abstractas, creo que con pequeñas intervenciones figurativas o con frases escritas, se puede hacer una narrativa más guiada del cuadro. Me gusta escuchar el punto de vista del espectador, es como una terapia gratis. Eso sí, como los cuadros son tan personales, se me hace complicado estar presente cuando la gente los ve, pero si logro que una persona se pueda identificar con lo que traté de retratar, me voy más que contenta a dormir”. 

¿Qué harás en la Residencia Muralista? 

“El día de la Residencia Muralista voy a pintar algo que va de la mano a una serie de cuadros que he hecho sobre el subconsciente. Espero poder retratar de forma exitosa lo que tengo pensado, ya que pintar en gran tamaño frente a gente es un desafío nuevo”. 

Te invitamos a participar en la Residencia Muralista este viernes 15 de noviembre en Nivel Terraza (-1), desde las 19:30 hasta las 23:30 hrs. Entrada liberada. 

Desde el 16 de noviembre hasta el 11 de enero 

Aninat Galería presenta, en su Sección Gabinete, las investigaciones recientes del artista visual y académico (UC), Danilo Espinoza, quien viene trabajando con humo como estrategia visual, y en esta oportunidad presenta dos series con una poderosa carga medioambiental que lleva a una reflexión sobre elementos imperceptibles y sutiles.

Con entrada gratuita, estará disponible hasta el 11 de enero en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Desde el 4 de septiembre hasta el 9 de octubre 

La artista visual Paz Irarrázaval propone su exhibición individual “FRACTAL” inspirada en la regeneración de los ecosistemas producida por los hongos.

 Los hongos juegan un papel crucial en la descomposición de materia orgánica y en la formación de simbiosis con plantas y otros organismos, facilitando la absorción de nutrientes y contribuyendo a la salud del suelo. Esta simbología inconsciente es el punto de partida que realiza la artista Paz Irarrázaval para promover la regeneración de ecosistemas en la exhibición “Fractal”.

Las obras que invitan a la reflexión sobre la interdependencia de todas las formas de vida, y quizás incluso experiencias interactivas que permite al espectador explorar el tema de la regeneración ecológica de una manera más íntima y personal.

Sin duda, la exhibición es una experiencia a reflexionar sobre un entendimiento más profundo de nuestra relación con el medio ambiente y nuestro cuerpo.

Las redes virtuosas en el Reino Fungi, específicamente en los hongos, representan las complejas interacciones simbióticas y ecológicas que estos organismos establecen con su entorno y otros seres vivos. Los hongos son conocidos por formar redes de estructuras filamentosas, que conectan individuos tanto de la misma especie como de diferentes especies, contribuyendo significativamente a diversos procesos ecológicos. Este enigmático y fascinante papel en la salud de los bosques es el punto de partida de “Fractal”, la exposición individual de la artista Paz Irarrázaval, compuesta por 15 piezas únicas, que se inaugurará el 4 de septiembre en la sección “Gabinete” de Galería Aninat, ubicada en Alonso de Córdova 4355, Edificio CV, Vitacura.

“Los hongos llegaron a mi vida de manera inconsciente”, explica Irarrázaval. “Comencé a retratar la naturaleza, decodificando su geografía y composición desde una perspectiva más abstracta. Los representé con líneas de colores diversos, emulando sus patrones de crecimiento, tratándolos con sumo cuidado como si fueran tesoros hallados en la naturaleza. La combinación de estas líneas genera un efecto vibrante y casi hipnótico, que sugiere la belleza oculta en lo inadvertido”.

Inspirada por sus paseos por el bosque nativo, donde fotografía hongos para reinterpretarlos, la artista destaca el particular y atractivo crecimiento que los caracteriza. De ahí surge el título “Fractal”, haciendo referencia directa a la naturaleza de estas formas, cuya estructura básica, fragmentada o aparentemente irregular, se repite a diferentes escalas. Los trametes versicolor, representativos del reino Fungi, son los grandes protagonistas de esta exposición, cuyas formas son decodificadas y reinterpretadas en el propio universo botánico de la artista.

“Fractal” invita al espectador a recorrer y contemplar este conjunto de obras, conectándolo con el bosque nativo y sumergiéndolo en un entorno natural complejo y envolvente. Es una invitación a detenerse, observar y comprender, con el fin de fomentar el respeto hacia nuestro entorno natural.

Con entrada gratuita, estará disponible hasta el 9 de octubre en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Danilo Espinoza | Elisa Assler | Juan Pablo Fuentes | Magdalena Prado | Rolando Cisternas | Verónica González 

Desde el 4 de septiembre hasta el 9 de octubre 

La frase “Como si la manera de comenzar un viaje implicara siempre la manera de regresar” sugiere una reflexión sobre la forma en que nuestras percepciones iniciales moldean nuestro entendimiento y eventual retorno a una idea o experiencia. 

La concepción del paisaje como un estado reflexivo de la horizontalidad es una característica prominente en las culturas occidentales, donde se valora la extensión de la tierra y se aprecia una amplitud y apertura de los espacios. Este enfoque refleja una conexión con la naturaleza y un sentido de libertad y expansión. En contraste, en Asia, la percepción del paisaje tiende a ser vertical, influida por la geografía y arquitectura de la región, donde montañas y rascacielos dominan la vista. Este enfoque está más orientado hacia lo sobrenatural, lo divino o lo celestial, y a menudo se asocia con conceptos de jerarquía, ascensión espiritual y trascendencia.

Estas dos concepciones del mundo evidencian diferentes formas de percibir y relacionarse con el entorno, demostrando cómo la cultura y la geografía influyen en nuestra comprensión, traducción y experiencia del paisaje. La introducción y el uso generalizado de dispositivos móviles, como los teléfonos celulares, han transformado profundamente a la sociedad. Más allá de alterar la manera en que interactuamos, han modificado la composición del lenguaje visual. 

Hoy somos testigos de un cambio cultural significativo y de una “invasión” en la forma de comprender la realidad. El choque entre concepciones visuales de Oriente y Occidente respecto al paisaje pone de manifiesto las diferencias en la manera en que cada cultura percibe y representa la naturaleza circundante. En la tradición occidental, el paisaje tiende a representarse de manera realista y tridimensional, con énfasis en la perspectiva y la precisión anatómica. En contraste, en Oriente, particularmente en las tradiciones artísticas japonesa y china, se valora la simplicidad, la sugerencia y la armonía con la naturaleza en las representaciones paisajísticas. Esta divergencia refleja distintas filosofías culturales y formas de relación con el entorno natural, así como la comprensión y estructura visual del mundo. 

La muestra grupal, compuesta por seis artistas, invita a reflexionar sobre este contraste cultural en la concepción del paisaje, influenciado por fenómenos contemporáneos como las redes sociales y la nueva configuración de la realidad visual. A través de sus obras, estos artistas exploran las tensiones y diálogos entre las diferentes formas de entender y representar el paisaje en un mundo globalizado y digitalmente conectado. 

Danilo Espinoza, destacado artista visual y académico en la Escuela de Arte UC Chile, presenta a través de su obra una profunda reflexión sobre la fragilidad de la naturaleza y su relación con la vida y la muerte, utilizando como medio principal el humo sobre papel. Espinoza explora la vida oculta y efímera de insectos y plantas, organismos que, aunque frecuentemente ignorados, son fundamentales para el equilibrio ecológico. El humo, controlado, pero también sujeto al azar, se convierte en una metáfora de la transitoriedad y la delicadeza de la existencia, recordándonos la impermanencia de todo lo  natural y la necesidad de observar con atención aquello que usualmente pasa desapercibido en nuestro entorno. 

Elisa Assler explora en su obra un diálogo íntimo y táctil con la tela, transformando sus imperfecciones en protagonistas visuales. Sus pinturas no se limitan a la aplicación de color sobre una superficie lisa; en cambio, Assler acoge las cicatrices, pliegues e irregularidades inherentes al material como un componente esencial de su proceso creativo. Estos elementos accidentales se convierten en un puente hacia lo inesperado, donde la interacción entre la artista y la tela permite que surjan figuras y relieves imprevisibles. Assler no busca la perfección, sino una danza con la pintura que resalte la honestidad del proceso, desafiando la limpieza y el control, para relevar una experiencia visual profundamente conectada con la textura y la corporeidad del color. 

Juan Pablo Fuentes, diseñador y artista, centra su obra en cuestionar la obsesión contemporánea con la autoimagen y el narcisismo digital. A través de espejos intervenidos con pintura automotriz perlada, Fuentes elimina la capacidad de reflejarse, desafiando la necesidad de constante aprobación visual. Inspirado por los pioneros del minimalismo, como Judd y Morris, su trabajo fusiona arte y diseño, rompiendo las fronteras entre ambas disciplinas. Con un enfoque en la sociología y la antropología del consumo estético, Fuentes crea piezas funcionales y conceptuales que invitan al espectador a reconsiderar su relación con la belleza y el ego en la era digital. 

Magdalena Prado se distingue por su exploración profunda y meticulosa del papel como soporte y materia prima en su obra. A lo largo de más de nueve años, ha desarrollado una práctica artística que desafía los límites tradicionales del material, transformando el papel en un elemento vivo que revela su propia textura y luz a través de procesos como el desbastado y la superposición. Prado utiliza gestos precisos, como la remoción y degradación del papel, para crear instalaciones que invitan a una meditación sobre la materialidad y el acto de creación. Su trabajo se caracteriza por una interacción íntima entre cuerpo y materia, donde la artista se enfrenta a sí misma y a su medio en un proceso continuo de autodescubrimiento y experimentación.

Rolando Cisternas, artista visual y dibujante de Talca, ha desarrollado una obra que explora la relación entre el tiempo, la naturaleza y la materia a través de su dominio del dibujo y la experimentación con múltiples soportes. Su trabajo evoca paisajes desolados y atmósferas atemporales, como si la naturaleza hubiera recuperado territorios abandonados por la humanidad, dejándolos al capricho del caos temporal. A través de trazos vigorosos y técnicas diversas, Cisternas crea imágenes que parecen ser huellas arqueológicas de un mundo en transformación, explorando la inestabilidad de los materiales y la fugacidad del tiempo. Sus obras, a menudo multidisciplinarias, juegan con la posibilidad de la desaparición y la mutación, ofreciendo una visión poética y crítica de un mundo que se desvanece y se redefine constantemente.

Verónica González, artista chilena con formación en Bellas Artes y Estética, ha desarrollado una obra profundamente influenciada por la naturaleza, integrando elementos botánicos y orgánicos en su trabajo. A lo largo de su carrera, ha buscado constantemente renovar su lenguaje visual, evitando la repetición y desafiando la comodidad de lo familiar. Inspirada por los paisajes de Chile y Colombia, su obra celebra los patrones recurrentes de la naturaleza, como espirales y secuencias repetitivas, utilizando materiales como seda y papel para crear formas etéreas y aparentemente ingrávidas. Cada pieza es única, reflejando la singularidad de la naturaleza misma, y busca conectar emocionalmente con el espectador a través de paisajes botánicos y serenos.

Con entrada gratuita, estará disponible hasta el 9 de octubre en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Nacido en Francia en 1840, Monet fue la figura clave del movimiento impresionista y un innovador que se adelantó a su tiempo en el estudio del color. Durante mucho tiempo fue considerado como un artista muy poco comercial por la sociedad de la época, sino que más bien catalogado como experimental. 

Pero fue en una exposición en 1874 cuando saltó a la fama, transformando el arte moderno con su énfasis en las pinceladas ligeras, los colores brillantes y la naturaleza despejada. Convirtiéndose en un artista que creó un estilo de pintura inimitable. 

Famoso por sus paisajes y series de cuadros que captaban la misma vista en diferentes condiciones atmosféricas momentáneas, Monet es considerado uno de los artistas más grandes e influyentes de todos los tiempos.  

Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta admiración como rechazo, pero se adelantó lo justo a su tiempo como para ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo. 

Desde sus primeras obras, Monet logró expresar su percepción de la naturaleza y los paisajes al aire libre a través de los cambios de la luz y el contraste de tonalidades, técnica que perfeccionó con el paso del tiempo. 

Murió a los 86 años, consagrado como una leyenda. Estaba prácticamente ciego, pero al morir tenía un pincel en la mano. En esta nota te contamos sobre 5 cosas que probablemente no sabías de Monet, algunas curiosas y otras llamativas, que vale la pena conocer: 

1. Tras sus primeras frustraciones artísticas, Monet intentó suicidarse en 1868, saltando al Sena. Y poco también se sabe sobre la lucha que llevó contra la depresión a lo largo de su vida. 

2. Fue una figura clave del movimiento impresionista, porque fue uno de sus cuadros: “Impresión, sol naciente”, el que bautizó esta corriente artística. Considerado uno de los fundadores del movimiento, sentó las bases de este estilo artístico. Su concepción del arte no pretendía contar una historia, sino plasmar, según su punto de vista, las impresiones y sensaciones que experimentaba a la hora de pintar.

Transformó el arte moderno con su énfasis en las pinceladas ligeras, los colores brillantes y la naturaleza despejada. 

3. Renoir pintó un cuadro de Monet que tituló “Monet pintando en su jardín en Argenteuil”. 

4. La obsesión de Monet con los Nenúfares lo llevó a crear más de 250 pinturas al óleo representando las delicadas flores, mayormente durante sus últimos 30 años de vida. La serie de los Nenúfares ha sido caracterizada como “La Capilla Sixtina del Impresionismo” y está exhibida en museos de todo el mundo. 

5. Fue diagnosticado con cataratas en 1912 y sus obras cambiaron drásticamente. Alrededor de sus 65 años, los cuadros que pintaba experimentaban tonos y luces que no se veían en los anteriores, dado que su dañada visión lo llevó a un limitado espectro de color, donde no podía ver violetas y azules. Sus cuadros se tornaron más oscuros, con tonos más rojizos y pinceladas más violentas. 

Milagros Schmoll, de nacionalidad argentina, reconocida modelo internacional y musa de grandes diseñadores como Jean Paul Gaultier, es también una destacada artista con estudios en la prestigiosa Escuela Central Saint Martins de Londres. 

Hoy presenta sus obras al público chileno por primera vez en Aninat Galería en CV Galería, donde transita el camino del arte en absoluta libertad. 

La muestra “La pintura como lugar” es un homenaje a Claude Monet, cuya referencia artística la ha guiado en el desarrollo de su identidad pictórica y estará abierta a partir del 13 de agosto. 

Milagros Schmoll pertenece a la generación post internet, artistas que participan del final del siglo XX y a la vez son testigos del comienzo del mundo actual. Nacen en 1989, cuando cae el Muro de Berlín, aparece la web y la realidad analógica convive con las pantallas del metaverso digital. Aunque conviven con los avances tecnológicos, es un momento en el cual se vuelve a pintar. En este contexto, Milagros transita el camino del arte con absoluta libertad. El nomadismo estilístico de sus paisajes abstractos se articula al ritmo de las diferentes culturas que fue incorporando en su vida. Como los pintores viajeros que llegaron a Sudamérica para documentar la cultura del Nuevo Continente, Milagros va dejando rastros de las ciudades en las que vivió. Sus pinturas evidencian sus vidas paralelas, en un recorrido que empieza con su formación en Buenos Aires y sigue con una carrera en el mundo de la moda que la llevó a Londres, París, Tokio y Los Ángeles, para finalmente regresar hoy a su ciudad natal. 

Su obra se fue impregnando de distintas situaciones emocionales, añadiendo elementos en cada cambio de escenario. Va incorporando sensaciones que traduce plásticamente en la tela, como un diario personal donde las texturas y los colores son el lenguaje para comunicar su interioridad. 

Para Milagros, el arte es un refugio, como la naturaleza. Pintar es su continente, el anclaje a una identidad que la define. En sus obras el paisaje ocupa un lugar central. Incorpora todos los elementos de la pintura abstracta de la historia del arte de manera actualizada. Desde los cuadros precursores de Turner, el impresionismo francés, pasando por la abstracción norteamericana, los chorreados de Helen Frankenthaler, el dripping de Pollock, hasta las raspaduras y las veladuras de Gerhard Richter, su referente más cercano. El simbolismo atraviesa toda su producción porque son paisajes imaginarios con una carga sensible de mucha intensidad. Hay una espontaneidad expresiva en los trazos mezclando materiales y recursos que se contrapone con sus largos procesos creativos que parten de imágenes mentales que se van construyendo en el tiempo. Las densas capas matéricas se acumulan y van formando una cartografía interior como capas de la memoria, donde surgen los temas de las obras. El vacío, el amor, la felicidad de un encuentro con una alma gemela y la oscuridad existencial en una obra donde acude también la música como “Digging in the dirt” de Peter Gabriel. En “Space Monet”, el pintor francés es el lugar que ella decide habitar mientras recrea de manera actualizada el último período del artista en Giverny. 

En un periodo de voracidad consumista y aceleración desmedida, Schmoll nos propone recuperar con el arte la serenidad y el silencio interior, preservando la belleza inefable de lo humano. 

Con entrada gratuita, estará disponible desde el 13 de agosto en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs