RUNA: "Buscamos trascender al diseño, con objetos auténticos, vanguardistas y atemporales”
RUNA: "Buscamos trascender al diseño, con objetos auténticos, vanguardistas y atemporales"
RUNA es la nueva tienda de diseño nacional que arribó a CV Galería, especializada en la elaboración de mobiliario y proyectos de alta gama, que emplea técnicas avanzadas de carpintería digital.
Su línea de productos más destacada se distingue por un método innovador de personalización, que permite a los clientes adaptar sus muebles con texturas y colores inspirados en los elementos de la naturaleza chilena.
Con una combinación de tecnología y oficio, en el proceso de diseño toman técnicas de fabricación tradicional como punto de partida, llevando las posibilidades al límite mediante la tecnología, creando objetos excepcionales que cargan con lo mejor de dos mundos.
Conversamos con Diego Rivera y Javier Insunza, creadores de RUNA, quienes nos cuentan más sobre esta marca que llegó a revolucionar CV Galería.
¿Quiénes son Javier y Diego?
“Diego Rivera (32 años) es arquitecto de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha enfocado su desarrollo profesional en el diseño y fabricación de productos, empleando técnicas de prototipado rápido y uso de CNC. Cuenta con vasta experiencia en modelación 3D y procesos de manufactura en distintos materiales.
Javier Insunza (32 años) es arquitecto de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Su experiencia profesional se ha centrado en la manufactura y diseño en madera, donde ha puesto especial énfasis al desarrollo de productos y gestión comercial de éstos”.
¿Cuáles son los sellos de RUNA?
“En RUNA buscamos trascender al diseño, fabricación y venta de productos, nos interesa desarrollar un concepto más profundo que promueva un consumo consciente, donde el usuario se relacione con las cosas, el entorno y su espacialidad de una manera más humana y perduradera. A través de la exploración del material, del oficio y la técnica, buscamos evocar sensaciones que excedan la mera función del objeto, plasmando en nuestras piezas una cuidadosa responsabilidad por la calidad y durabilidad.
Considerando un entorno altamente consumista y tendencioso, donde lo que pasa de moda se desecha, en RUNA abogamos por un diseño auténtico, vanguardista y atemporal, que genere un vínculo estable con nuestros clientes, quienes comparten nuestros valores”.
¿Por qué eligieron un lugar como CV Galería para instalar su tienda?
“Creemos que la ubicación donde una marca se establece debe reflejar sus principios y valores. En este caso, CV Galería encarna atributos como el profesionalismo, la innovación y una constante búsqueda por estimular los sentidos, ofreciendo así una experiencia estética única para las personas”.
¿Por qué RUNA se diferencia del resto del mobiliario y objetos de marca?
“Lo que nos diferencia es principalmente nuestra manera de aproximarnos a un producto o proyecto, independiente de la escala. En general, el proceder tradicional de un estudio de diseño, interiorismo o arquitectura inicia desde la mente creativa de un profesional, quien luego buscará a un tercero, sea este un taller, un maestro o constructora que ejecute o materialice su idea o bosquejo. En RUNA usamos la estrategia inversa; en la mayoría de los casos es desde los oficios y los procesos experimentales de manufactura desde donde surgen las ideas que luego cuajan en productos y/o alguna solución creativa que requiera un proyecto, la cual difícilmente se podría haber originado tras un escritorio con papel y lápiz en mano.

La ventaja de contar con una fábrica radica justamente en la posibilidad de pensar haciendo, probando e iterando hasta dar con una propuesta coherente y original. Esto te permite generar una retroalimentación estrecha entre el diseño y la fabricación, desde lo macro a lo micro que engloba un producto o proyecto”.
¿Cómo es el proceso de creación, fabricación y diseño?
“Nuestra metodología se caracteriza por la combinación de tecnología y oficio. En el proceso de diseño tomamos técnicas de fabricación tradicional como punto de partida, ya sea en madera, acero o cristal, cada una impregnada de gran sabiduría y madurez. A partir de este conocimiento profundo, llevamos las posibilidades al límite mediante la tecnología, creando objetos excepcionales que cargan con lo mejor de los dos mundos”.
¿Qué podrán encontrar las personas en su tienda?
“Últimamente hemos logrado consolidar un catálogo de productos personalizables y a la vez desenvolvernos en el diseño de proyectos integrales de mayor envergadura. Esta dualidad evidencia nuestra versatilidad en el sector, ya que manejamos con destreza el diseño, la manufactura y la ejecución de proyectos complejos, siempre manteniendo altos estándares y adoptando un enfoque propositivo, que son principios fundamentales de nuestro trabajo.
Los muebles RUNA son piezas que resaltan en cualquier entorno, destacándose por su diseño imponente y su meticulosa atención al detalle. Suelen ser utilizados en espacios principales o de reunión.
En nuestro catálogo ofrecemos una amplia gama de productos, incluyendo bares, buffets, racks, respaldos de cama, mesas, estantes, veladores y luminarias, entre otros. Además, en el ámbito de los proyectos, desarrollamos mayormente cocinas, oficinas, cavas y quinchos”.
¿Qué es lo que quiere dejar como legado cada mueble u objeto de RUNA en los hogares?
“Creemos que el acto de introducir un objeto en un espacio tiene un gran poder transformador, capaz de definir nuestra cotidianidad. El hogar se configura a partir de una serie de decisiones que, en conjunto, determinan la calidad de nuestras vidas. Con esta premisa en mente, diseñamos una línea de objetos personalizables que se adaptan a distintos espacios, permitiendo que cada pieza se convierta en su mejor versión para un lugar específico”.
Te invitamos a visitar RUNA en el local 104, Nivel Calle (1), en CV Galería, de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs., y los sábados de 10:30 a 13:30 hrs. Descubre todos sus productos aquí
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Feria de Navidad: Exposición colectiva de cerámica gres en CV Galería
Feria de Navidad: Exposición colectiva de cerámica gres en CV Galería
Jueves 14, viernes 15 y sábado 16 de diciembre
Este fin de semana, desde el jueves 14 hasta el sábado 16 de diciembre, tendremos una increíble feria de esculturas y piezas de cerámica, realizadas por 14 expositores dedicados a la cerámica que trabajan de forma independiente, en agrupaciones y cooperativas.
Los participantes mostrarán y venderán su cerámica utilitaria, concebida desde la perspectiva de cerámica de autor y expresada a través de su diálogo interno. Son piezas únicas, realizadas una a una, con el objetivo de compartir la historia que cada pieza quiere contar.
Los artistas participantes son: Marisol Montau, Diego Donoso, Ceramistas del Valle, Mi taller de Gres, Alegres Cerámica, Gabriela Amigo, A todo Gres, 49Cincuenta, Ammalasflores, Refugio Gres, Bernardita Matthei, María Teresa Carmona y Paty Guerra.
Conversamos con Bernardita Matthei, una de las artistas ceramistas que estará presente en la exposición, quien nos cuenta sobre lo que encontraremos este fin de semana en CV Galería.
¿Cómo surge esta iniciativa?
“El oficio del hacer con las manos, modelar el barro, crear formas y funciones nos une como grupo, de ahí nace nuestra exposición, estilos, técnicas, colores que son tan diversos como cada uno de los ceramistas, cada uno expresa a través de su propio diálogo interno. Yo le digo “introspección del alma”.
Nos potenciamos como grupo donde cada uno es una parte importante y necesaria para completar un todo colectivo. Un colectivo que suma en algunos muchos años de experiencia y en otros, sus inicios, y una diversidad y dinamismo entre lo utilitario, decorativo y escultural”.
¿Qué podrán encontrar los visitantes en la exposición?
“La cerámica y alfarería es uno de los primeros oficios de la humanidad, nuestros ancestros modelaban la arcilla para acompañar sus rituales, trueques y actos del día a día. En nuestra contemporaneidad, seguimos esta misma línea, nos rodeamos de objetos que tienen un significado o nos representan formalmente. Esta exposición en CV Galería es una muestra de piezas de cerámica utilitarias, decorativas y escultóricas.
Podrán encontrar cerámica gres con sus maravillosos juegos y alternativa de colores y formas. Una línea de piezas con técnica Rakú y horneado a leña; recipientes para Ikebana y maceteros; esculturas y así como también piezas únicas de decoración, y todo lo que necesitas para acompañar una buena mesa para la hora del té o comida. Y por último, esculturas nacidas de la inspiración de cada ceramista, que los harán maravillarse de la expresividad de cada pieza única y hecha a mano, con la paciencia y amor de cada ceramista”.
Con esta exposición buscamos transmitir y compartir la historia que cada pieza quiere contar, nuestra invitación es para todos quienes nos visiten, puedan maravillarse con lo mejor del arte utilitario y decorativo”.
Te invitamos a visitar la exposición en Nivel Calle (1), CV Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura, este jueves 14, viernes 15 y sábado 16 desde las 11:00 hasta las 20:00 hrs., con entrada gratuita.
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Exposición Horizontal de Tololo Ugarte
Exposición Horizontal de Tololo Ugarte
Jueves 28 de septiembre hasta el miércoles 4 de octubre
Este jueves 28 de septiembre inauguramos la exposición fotográfica virtual de Tololo Ugarte en CV Galería, donde te queremos invitar a conocer su obra, presentación de una manera poco convencional, que te hará mirar el mundo desde otra perspectiva.
Entrada gratuita, Nivel Calle (1), CV Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura.

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"Tu piel es arte"
Fundación Padece, Pfizer y CV Galería presentan:
"Tu piel es arte"
Porque el arte y la responsabilidad social son parte del ADN de CV Galería, te invitamos a visitar la exposición fotográfica “Tu piel es arte” de Fundación Padece, en Nivel Terraza (-1). Una instancia donde la piel y el arte se unen.
A través de una serie de fotografías que invitan a mirar más allá de lo estético, la exhibición busca concientizar sobre la vida con dermatitis atópica. El destacado fotógrafo nacional Gabriel Schkolnik, fue el encargado de capturar la esencia de pacientes con esta enfermedad y transformarlas en réplicas de clásicas pinturas.
“Para CV Galería, ser parte de este tipo de proyectos es de suma importancia. La inclusión es parte de nuestro ADN, y la responsabilidad social un deber de toda empresa que se vincula con la sociedad. Asimismo, el arte es un canal comunicacional con el que nos relacionamos con la “comunidad CV Galería”, por lo que esta unión refuerza nuestro compromiso con el arte y con proyectos que aporten a mejorar la calidad de vida de las personas”, indica Felipe Forteza, gerente Organizacional y de Cultura de CV Galería.
El presidente de Fundación Padece (Pacientes Dermatológicos Crónicos y Empoderados), Francisco Tapia Besnier, explicó que “el arte es el camino para trascender en el tiempo e instalar temas que, muchas veces, se ocultan o se desconocen. Creemos que invitar a mirar más allá de lo estético, como sinónimo de belleza, es una excelente manera de generar conciencia de las consecuencias psicológicas y emocionales que significan este tipo de enfermedades”.
Desde esa premisa nace “Tu piel es arte”, exposición fotográfica de Fundación Padece, patrocinada por Pfizer, que incluirá; por un lado, las imágenes de pinturas clásicas famosas; y en su contracara, la fotografía de la recreación con los pacientes de Dermatitis Atópica, donde se visualizará de manera real y auténtica la enfermedad en la piel de sus protagonistas, por medio del empoderamiento de sus padecimientos.
Mistral López, una de las pacientes que modeló para la campaña, destacó que ésta “es una oportunidad única en lo personal, luego de haberme escondido durante tantos años. Es un sueño ayudar a generar conciencia sobre padecimientos que en nuestra sociedad son invisibles. Espero que a partir de la muestra, muchos puedan comprender qué les está pasando, aún más cuando no saben cómo sobrellevarlo”.
Además, cada fotografía contará con un código QR enlazado a un video testimonial, donde el paciente narrará en primera persona las dificultades sociales y psicoemocionales que acarrean estas dolencias.
El fotógrafo Gabriel Schkolnick se encargó de reproducir ocho pinturas clásicas, sin ocultar sus zonas afectadas, bajo la premisa de que la “piel es arte”, siendo la diferencia, parte de la belleza. Así podrá apreciarse a: “San Jerónimo escribiendo” de Caravaggio; “Baco”, del mismo pintor; “Jorge Manuel Theotocópuli”, de El Greco; “El beso”, de Gustav Klimt; “Carlos I en tres posiciones” de Anthony Van Dyck; “El sombrero de paja” de Pedro Pablo Rubens; y “La Dama del armiño” y “La Gioconda” (la famosa Mona Lisa), de Leonardo Da Vinci.
Gabriel Schkolnick es publicista, fotógrafo y realizador visual, entre 1993 y 1998 en Estados Unidos se perfeccionó en iluminación y laboratorio color en el School of Visual Arts de Nueva York. Es socio fundador de la revista Mala y en el año 2000 instala “Estudio Schkolnick”, donde realiza campañas publicitarias, imágenes de moda y catálogos para revistas nacionales e internacionales, trabajando para destacadas marcas. Como realizador es capaz de llevar en cada imagen, un cuadro de gran belleza y contenido.
Con entrada gratuita, estará disponible desde el viernes 3 hasta el miércoles 8 de febrero, de 12:00 a 00:00 hrs. en Nivel Terraza (-1), CV Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura.
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Proyecto Conecta: muebles, diseño y arte de Lanz Espacios
Proyecto Conecta: muebles, diseño y arte de Lanz Espacios
El sábado 28 de enero se exhibirá en CV Galería el proyecto de muebles “Conecta” de Lanz Espacios.
Son siete mesas intervenidas artísticamente por destacados pintores nacionales, bajo una instancia que busca conectar una nueva experiencia en el diseño de muebles, tomando en cuenta la simplicidad, sustentabilidad y baja emisión en la huella de carbono para su fabricación.
Lanz Espacios, empresa de diseño y desarrollo mobiliario para empresas, arquitectos, diseñadores y decoradores, creó esta instancia con el objetivo de diseñar y desarrollar mobiliario con tecnología CNC, es decir, un concepto que sea fácil y rápido de armar, que no utilice tornillos ni quincallería, sea sustentable y su fabricación deje una baja emisión en la huella de carbono, utilizando maderas renovables (terciados y tableros en finger joint), fabricadas en el mismo país donde se comercializan.
A raíz de esta iniciativa, nace el proyecto Conecta, para acercar el diseño al arte, disciplinas que en combinación pueden hacer de tu espacio, un lugar más acogedor. “El arte no solo debe estar colgado en una pared o en un pedestal, sino que también podemos crear una experiencia distinta en apreciar una obra de arte expresada en una mesa con diseño, que puedes usar en la vida cotidiana para tomar café” explica Martín Lanz.
Bajo una selectiva curatoría, Lanz Espacios invitó a 7 destacados pintores nacionales para que intervinieran artísticamente las mesas, bajo ciertos conceptos de simplicidad, sustentabilidad y con un diseño que conecta con el arte. Los artistas que se adhirieron al proyecto son: Francisca Cerda, Benito Rojo, Soledad Correa, Andrés Vio, Alejandro Quiroga, Margarita Garcés y Totoy Zamudio.
Las mesas intervenidas serán exhibidas el sábado 28 y domingo 29 de enero en el Nivel Calle (1) de CV Galería, donde los asistentes podrán apreciar “que el mueble en general con diseño simple y sustentable también puede ser una alternativa viable para cambiar nuestra manera de consumir o decorar un espacio, ya sea privado o comercial” resume Lanz.
Además, podrás aprovechar de visitar otros espacios orientados a la decoración y el arte en CV Galería, como Moblash, tienda de mobiliario de diseño brasileño; la vanguardista galería de arte Aninat Galería, o disfrutar un exquisito brunch en Nora Elemental o almorzar en nuestros restaurantes; La Dicha, Lolita Jones, La Picantería, Malva Loca, Barra La Java y FE.
Te esperamos este sábado 28 de enero a partir de las 12:00 hrs. en Nivel Calle (1), Alonso de Córdova 4355, Vitacura, para vivir una experiencia que abarca el diseño, arte y muebles.
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Exposición "A propósito del viaje" en Aninat Galería
Exposición "A propósito del viaje" de Martín Eluchans en Aninat Galería
Hasta el 16 de enero de 2023
Cada viaje que emprendemos supone dos puntos; acá el artista Martín Eluchans habla sobre los puntos intermedios. Supongamos que la vida, como muchas veces se ha dicho, es un viaje. Supongamos también que es un viaje con escalas. Y las escalas están marcadas por hitos.
La palabra “hito” supone una carga pesada e ineludible si hablamos desde el inconsciente colectivo. Una carga objetiva, un peso en la historia universal. O al menos en lo que el utilitario postula cuando habla “la mayoría de las personas”. Historias comunes como la abolición de la esclavitud, la declaración de una guerra, el fin de ellas, el derecho a voto femenino o la despenalización de la homosexualidad. O alguno de los hitos con fechas inexactas, como el descubrimiento del fuego, o la conciencia a la muerte.
Pero hay otro orden de hitos, que no son hitos universales, pero que sin embargo no les damos la importancia merecida. Y eso nos hace a todos parte del mundo. Porque estar en el mundo es reconocer que cada vida tiene sus propios hitos.
Y en esta visión de mundo es que Martín Eluchans instala verdades propias, sus propios hitos. Y por subjetivas e íntimas que sean, estas obras invitan a la reflexión y conexión con las
erdades ajenas, fugaces encuentros con las desventuras y triunfos de otros. Este viaje no es una descripción de nuestras vidas, sino el reconocimiento de que las emociones son las mismas.
Cada obra es un escenario donde hablo de pequeños aconteceres, puntos que en mi vida representan liberaciones o traumas. Hablo de las luces y las sombras, cosas muy personales como la salida del closet, el primer amor, el primer desamor y conexiones con valores universales como la justicia social y el mismo concepto de empatía”. En la exposición podrán encontrarse instalaciones encapsuladas en cajas acrílicas transparentes, las que dan al espectador la sensación de presenciar un momento íntimo. Son escenarios protegidos, encapsulados en el tiempo.”
La exposición consta de 15 escenas en miniatura, una instalación de una colección de aviones a escala y un bordado grande.
Martín continúa jugando con las miniaturas que ha coleccionado por años y que van llegando a sus manos por azar y no tanto. Las reúne y las despierta, cual marionetas dormidas, disponiéndolas para armar estos escenarios, cada uno de los cuales es una suerte de cuento contado por su autor. Darán cuenta de farsas, máscaras, sinsentidos y falsedades, personales y sociales.
Acá no hay una simple recolección de objetos, sino que estos se disponen al modo de un escenario, como si la representación estuviera a punto de comenzar o hubiera quedado
inmovilizada en un momento determinado de la puesta en escena. Por eso quizá, nos remiten a una cierta teatralidad. Y es que muchas obras de teatro plantean, visiones, hipótesis acerca de los individuos y las sociedades. El teatro refleja un modo de pensar la sociedad y aquí, en cada uno de estos pequeños escenarios, se muestra también algo acerca del mundo contemporáneo y de la psiquis individual.
El ejercicio que hace Martín es muy interesante en tiempos en que la memoria importa poco. Las vitrinas encierran, detienen la escena para que el espectador pueda mirarla desde distintos ángulos, fijarse en un detalle u otro, elegir rincones para analizar y volver sobre ella una y otra vez. El mundo, ese trozo de mundo, la escena que ahí se vive, se ha detenido y queda fija, eterna, inmóvil. La sociedad, en perpetuo cambio y movimiento ha sido congelada y entonces la angustia por la fugitividad de todo, se conjura en este juego.
Todo aquello que los hombres deseamos, amamos, detestamos y tememos, pero de lo que no es políticamente correcto hablar, aparece acá sin disfraz. Las ideas que giran por la mente del artista se vierten en estos escenarios como en un juego, a veces sarcástico e irreverente, un poco al azar, un poco a conciencia, develando verdades algo incómodas para el espectador a través de una sucesión de puestas en escena de lo que podría llamarse “el gran teatro del mundo y sus falsedades”.
Y esa provocación, tan propia del artista que tiene algo que decir, es una apelación al espectador, porque estos escenarios son, a la vez, modelos para armar. Aquí caben las contradicciones y las preguntas.
Los escenarios son inclusivos, aquí cabe todo y caben todos, y conviven entre sí los impensables. Los estereotipos son destrozados por una mano que combina a su modo los elementos para armar estos pequeños cosmos; se juega con los ídolos y se los voltea. Y así, desde el humor y la ironía, se exorciza el dolor por un mundo que ha perdido las jerarquías, que confunde y que implica perdidas; un mundo en el que nada podemos controlar.
Lo bello de estos escenarios es que son inmóviles, fijos, hechos de miniaturas, pero a la vez, están llenos de vida, de movimiento, de lecturas, de sugerencias, de guiños, que cada uno deberá descifrar, mirándolos una y otra vez.
Te invitamos a visitar la exposición gratuita en Aninat Galería, que estará disponible hasta el 16 de enero de 2023. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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Entrevista Mery Valdivia
Exposición "Pulsaciones: la expresión del corazón" de Mery Valdivia
Hasta el 29 de octubre de 2022
Mery Valdivia está presentando la muestra “Pulsaciones: la expresión del corazón” en CV Galería, exhibición que representa la expresión más pura de una artista emergente, donde el color y la abstracción, dan pasos a obras de gran y mediano formato, siendo la emoción, la parte medular de cada pintura. Atraída desde su infancia por el arte, esta exposición refleja su trabajo y un camino espiritual que ha marcado su existencia.
Conversamos con Mery sobre su vida artística y espiritual, su trayectoria y la exposición en CV Galería. Te invitamos a sumergirte en su mundo y pasiones.
¿Cómo empezó tu camino artístico?
“Empezó con la fotografía, cuando cumplí 15 años me llegó de regalo una cámara reflex con la que participé en varios cursos y gané un concurso de fotografía de mi colegio. Entré a estudiar Párvulos, me casé y fui mamá joven, por lo que el arte fue quedando cada vez más guardado dentro de mi misma.
En 2014 viví una crisis personal muy grande, y en medio de este proceso, buscando cómo salir adelante, llegué a un curso de meditación. Me pareció muy interesante y empecé a practicarla durante 21 días para ver qué pasaba. Al día 22 o 23, mi vida era la misma, pero mágicamente la angustia y ansiedad habían desaparecido por completo. ¡No lo podía creer! Cómo una herramienta tan simple podía ser tan poderosa. Tal fue el impacto que me produjo, que decidí no soltarla nunca más y empezó a formar parte de mi rutina sagrada diaria. Fuera como fuera, lograba meditar una vez al día durante 15 a 20 minutos.
Poco a poco fui re conectando con cosas que había dejado guardadas muy en el fondo mío. Una de ellas fue el arte y empecé un diplomado en Arte en la PUC, donde giré hacia la pintura. También Ignacio Gana fue mi profesor, quien supo enseñarme y guiarme a encontrar lo que me motivaba, mi propia forma de pintar y de expresarme con ésta.
Siempre tuve una conexión muy especial con la espiritualidad y con la meditación como compañera de vida. Este vínculo fue creciendo cada vez más, lo que hizo que cada día estuviera más conectada conmigo, con mi corazón y mi alma, llevándome a vivir una vida espiritual más profunda. El 2021 conocí los registros Akashicos y con ellos, mi conexión espiritual con mis guías y maestros ha sido cada vez mayor, tanto que mucho de esta exposición nace desde los registros.
En paralelo, al ver cómo la meditación había transformado mi vida, decidí que me dedicaría a enseñarla y que de alguna manera la uniría con el arte -otra herramienta que ha sido profundamente sanadora en mi vida-. Estudié un año de meditación Budista y luego, en el Chopra Center de Estados Unidos, donde me certifiqué como instructora de esta metodología que Deepak Chopra trajo de la india y adaptó a este lado del planeta y a la vida loca que vivimos.
Durante la pandemia, seguí trabajando en mi arte y estudiando meditación. Y el año pasado, creé mi centro de Arte y Meditación: Espacio Amrra, donde se unen mis dos pasiones. Hago cursos donde enseño a meditar y también talleres de arte con meditación, donde viajamos hacia dentro de nosotros mismos, a descubrir nuestro silencio interior y luego sacamos hacia afuera, expresamos a través del arte todo lo que necesita salir, disfrutando el proceso, a través del color, la mancha, las texturas, etc”.
¿Y por qué Espacio Amrra?
“Varios años antes de aprender a meditar, en una canalización espontánea supe que mi nombre también era Amrra. Esto era algo muy loco y raro, así que lo guardé como un secreto, y cuando quise crear mi centro de Arte y Meditación, me nació ponerle mi nombre. Mi espacio al servicio de otros”.
¿Cómo te defines?
“Soy una mujer apasionada, intensa, profundamente espiritual, gozadora de la vida, alegre, feliz, plena y muy agradecida.
En lo artístico me defino como expresionista total, mi arte representa flujos de energía y tiene directa relación con mi mundo espiritual”.
¿Cuál es tu estilo y sello?
“La expresión a través de la mancha y el color, la energía y la fuerza. Mi pintura transmite energía, movimiento, el poder que todos tenemos dentro”.
¿Qué te inspira?
“Me inspira la naturaleza, con toda su fuerza, su belleza y su perfección, el amor, la libertad, la alegría y la pasión. La fuerza interna del ser humano”.
Cuéntanos sobre tu exposición “Pulsaciones”
“Su nombre tiene directa relación con Espacio Amrra, ya que una frase que lo representa es “el pulso de tu alma, la expresión de tu corazón”. Esta frase se refiere a conectar con nuestra alma, a sentirnos, conocernos, observarnos y desde ahí, nuestro corazón se expresa libre y tal como es.
Son obras con mucha fuerza, color y energía, y están inspiradas en mis registros Akashicos y en la esperanza que simboliza el arcoíris. Gran parte de las obras, después de verlas en mis registros, me fui directo a pintarlas. Y el mural es un portal de luz y amor”.
¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar?
“Me gustaría transmitir esa fuerza, ese poder de la energía que no vemos, pero está ahí, que inspira, que transforma, que da vida, energía, que crea miles de posibilidades. Energía poderosa del universo que todos tenemos dentro. Solo tenemos que conectarnos con ella.
Quiero compartir toda esa energía poderosa que expreso a través de mis obras, energía de luz y de amor, poderosa, que contagia, que alegra, que inspira, que transforma, que crea, que ilumina el lugar donde está.
Me gustaría provocar conexión con la magia, con la fuerza que todos tenemos dentro, con el poder de la belleza, del color, de la mancha, con la fuerza del universo y de las energías que no vemos.
¿Qué representan tus obras y qué quieres decir con ellas?
“Representan flujos poderosos de energía, energías de luz y de amor, que no vemos pero están ahí, que nos llenan de esperanza, de inspiración, de ganas, de poder interno, de seguir adelante, de fuerza”.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
“Creo que el arte es fundamental en una sociedad, es una forma mágica y maravillosa de expresión, que inspira, conecta, genera reacciones y miradas diversas. El arte nos da libertad para expresarnos como queremos y compartirlo con el mundo, es un lenguaje universal, aunque todos podamos darle un significado diferente. El arte da vida, inspira, alegra, renueva”.
Para adquirir cualquiera de las obras de Mery, puedes revisar el catálogo aquí y agradeceremos comunicarte a: mail mariapazvaldivia@hotmail.com / Teléfono: +569 9919 1408 / Instagram: @espacioamrra
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"Pulsaciones, la expresión del corazón" de Mery Valdivia
Exposición "Pulsaciones, la expresión del corazón" de Mery Valdivia
28 de septiembre hasta 29 de octubre de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV I, invita a recorrer la exposición “Pulsaciones, la expresión del corazón” de Mery Valdivia, artista de 41 años que presenta su primera muestra individual. Atraída desde su infancia por el arte, esta exposición refleja su trabajo y un camino espiritual que ha marcado su existencia.
Uno de los eternos debates es si un artista nace o se hace. Algunos de gran envergadura como Haring, Basquiat, Kahlo o Weiwei, han demostrado con nitidez que sin talento “de fábrica” es imposible desarrollar obras de valor artístico. Esa sensibilidad y comprensión del arte es un don, siendo una característica tan marcada y natural que florece cuando debe hacerlo, permitiendo plasmar visiones mágicas y creativas en un soporte sólido. Mery ha seguido ese camino, estudiando y fortaleciendo su talento, pero por sobre todo, siguiendo su intuición a través de sus experiencias de vida.
Su trabajo, ligado a la corriente expresionista, propone manifestaciones en donde sus emociones, vinculadas a su extenso camino espiritual, plantean descripciones y aspectos críticos de la sociedad, desde la vida urbana, la esencia del individuo, la representación de las apariencias o las relaciones familiares, entre otras, predominando el instinto por sobre la racionalidad.
De esta forma, Valdivia se opone a una composición deliberada, promoviendo el valor de la percepción y la improvisación en sus trabajos. A su vez despoja de objetos, idealizaciones o cualquier objetivación, con cierto dramatismo, exponiendo sensaciones que van desde la euforia y la alegría, hasta la angustia y la ausencia, pese a la aparente luminosidad de sus creaciones. De esta forma logra indagar sobre los sentimientos primarios, el mundo onírico y el universo, favoreciendo la distorsión y la tensión entre la realidad y lo percibido en el mundo que circunda su obra.
Coloridas composiciones, fundamentadas en los registros Akáshicos, término que proviene del sánscrito “akasha” y se refiere al quinto elemento, el éter, “la Fuente”, que contiene todas las experiencias del alma. Ya sea en grandes telas, papel, murales o intervenciones, dan cuenta de su mundo interior, uno que ha recorrido un vasto periplo, incorporando sus dos conexiones: el arte y la meditación.
La artista llega a CV Galería este miércoles 28 de septiembre con “Pulsaciones”, muestra que estará abierta al público de manera gratuita hasta el 29 de octubre de 2022.
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Exposición colectiva "Nuevas generaciones: Premiados Artespacio Joven 2015-2022"
Exposición colectiva "Nuevas generaciones: Premiados Artespacio Joven 2015 - 2022"
29 de septiembre hasta 29 de octubre de 2022
CV Galería invita a Galería Artespacio a presentar la exposición colectiva “Nuevas generaciones”, reuniendo a 30 artistas premiados en cada una de las siete versiones del concurso anual Artespacio Joven, instancia que busca concretar el apoyo a artistas emergentes de diversas formaciones.
El concurso, cuyos inicios datan de 2015, incentiva además la ejecución de nuevos trabajos y también genera oportunidades de difusión y comercialización de obras de noveles creadores con coleccionistas, medios de comunicación e instituciones vinculadas al mundo del arte.
Este tipo de iniciativas tienen el virtuosismo de permitir profesionalizar, comunicar y legitimar las obras de los artistas que participan, como también revitalizar el escenario cultural local. A la fecha, en todas sus versiones, han participado más de 1.000 creadores, número significativo en una escena cultural que podría ser más prolífica.
Estos concursos cumplen variadas funciones: conmemorativas, emocionales, formativas y regenerativas. Asimismo, han sido una valiosa forma de expresión de las emociones, ideas y sentimientos de quienes las generan, permitiendo al observador percibir con vigencia la realidad artística que nos rodea. Desarrollar nuevas instancias de formación de audiencias es una tarea laboriosa, pero con dedicación es posible agrandar los límites y aumentar el interés por el arte. El proyecto destaca a los tres primeros lugares y a tres menciones honrosas, elegidos por un selecto grupo de profesionales del mundo del arte, que se modifica anualmente.
Galería Artespacio, en su trayectoria de más de 25 años, ha buscado caminos de acercamiento entre la sociedad y los creadores de diversas generaciones, poniendo énfasis en jóvenes artistas, con la intención de ser un puente que favorezca su crecimiento y el de las artes visuales, generando un círculo virtuoso entre el mundo público y privado.
Los artistas que estarán exhibiendo sus obras son: Nelson Hernández, Carolina Muñoz, Oscar González, Francisca Garriga, Fernanda López, Andrés Parra, Paula Coñoepan, Paula Huenchumil, Loretta Cáceres, Josefina Bardi, Paula Carmona, Valentina Guerrero, Ofelia Andrades, Gonzalo Contreras, Fiorella Angelini, Valentina Jara-Bravo, Carlos Vidal, Colomba Fontaine, Pía Bahamondes, Carolina Vilches, Marina Piracés, Daniel Délano, Sofía Godoy, Sebastián Cobo, Camila Baeza, Matías Fuentes, Consuelo Walker, Carolina Agliati, Wilkellys Pirela y María Gracia Basso.
Te invitamos a conocer la exhibición de este nutrido grupo de artistas nacionales, que estará abierta al público en forma gratuita desde el jueves 29 de septiembre hasta el sábado 29 de octubre de 2022.
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"Más allá del vacío" en Aninat Galería
Exposición "Más allá del vacío" de Gianfranco Foschino
Hasta el 17 de octubre de 2022
“En 1979 el videoartista norteamericano Bill Viola (Nueva York, 1951) escribe en su diario acerca de su deseo de ir a un lugar que le dé la sensación de fin de mundo. Busca un punto de observación que le permita “pararse a mirar el vacío y luego el mundo que sigue más allá”. Viola pronto confiesa que ese vacío se encuentra en su interior, que “el espacio es un gran telón de proyección, adentro pasa a ser el afuera, puedes ver lo que eres.” La presente exhibición de Gianfranco Foschino (Santiago, 1983) es una conversación directa con Bill Viola. Es en parte un homenaje y a la vez un punto de partida. Más allá del vacío es un trabajo que se escinde de todo vértigo y busca un presente en que el tiempo es determinado por el agua como elemento y como símbolo, sea este un espejo, un flujo o la propia experiencia contemplativa. Éste es un arte que explora el límite de la experiencia de observación y lo hace con una intensidad notable. Es un límite discreto que se pone en evidencia tanto en las pausas como en las dimensiones de las piezas, pero a medida que aceptamos su temporalidad nos expone a un cambio sustancial. Foschino parte en el límite de ese vacío que antecede al cambio, porque tiene la certeza que la observación atenta y detenida es capaz de transformar a quien la lleva a cabo. El agua como habilitadora de la vida, como símbolo del tiempo, como vehículo de lo puro, el agua como inicio y final de todo ciclo, tiene una importancia que inunda varias preocupaciones humanas a la vez. Es la contingencia medioambiental, la disputa política, la reflexión mística y es además donde se despliega la poética visual. Incluso más allá, también en el agua, está la luz dosificada como en un cuentagotas, iluminando el borde difuso entre la quietud y el movimiento.”
Rodrigo Rojas Bollo
Poeta
Gianfranco Foschino
Gianfranco Foschino (1983) es una figura clave en la nueva generación de artistas de Chile, reconocido principalmente por sus video-instalaciones y video-esculturas; obras en tiempo real que a modo de ventanas o umbrales provocan detención. Foschino estudió cine en la Universidad UNIACC y Diseño en Imagen y Sonido en la FADU, Universidad de Buenos Aires (2015). Ha participado de diferentes exposiciones colectivas de las cuales destacan: COURAGE IN TRANSIENCE, ACAC, Aomori, Japón (2019); WARUM KUNST?, Ulm Museum, Ulm, Alemania (2017); IMPERMANENCIA, 13va Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador (2016); UNSETTLED LANDSCAPES, 9na Bienal de Santa Fé, Nuevo México, EE.UU (2014); ILUSIÓN ÓPTICA, Museo de Arte Moderno, México DF, México (2014); ENTRE SIEMPRE Y JAMÁS, Pabellón Latinoamericano de la 54º Bienal de Venecia, Italia (2011); VIDEOSPHERE, Albright-Knox Gallery, Buffalo, EE.UU. (2011). El 2014 participó como artista invitado del pabellón chileno MONOLITH CONTROVERSIES de 14º Exhibición Intencional de Arquitectura de Venecia, galardonado con el león de planta. Recientemente tuvo la exhibición personal SED curada por Dan Cameron en Centro Cultural Matucana 100 en Santiago, Chile. Vive y trabaja en Santiago, Chile.
Te invitamos a visitar la exposición gratuita en Aninat Galería, que estará disponible hasta el 17 de octubre. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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