Entrevista Fernando Casas
"Las Semillas de la Vida" Fernando Casas
Hasta el 2 de julio
La vida de Fernando Casas siempre estuvo ligada al mundo artístico: se tituló de Maestro Ceramista en Ecola Forma de Barcelona en 1986 y desde ahí, continuó con esta expresión, complementándola con el diseño de interiores y el paisajismo. En paralelo, creó Casa Miró, hoy Miró Reforma, donde realiza asesorías en decoración y diseño. Durante todo este tiempo, ha desarrollado colecciones de cerámica Raku, de la que también imparte clases, para que todas las personas -con o sin conocimientos- puedan aprender sobre esta milenaria técnica.
La cerámica Raku es una técnica oriental que surgió en el siglo XVI y que es escasamente practicada. Requiere de mucho tiempo y cuidado, donde se esmalta una pieza, se retira candente a 1.000 grados y se reduce en virutas de madera. El contacto con este medio incendia el objeto y se genera una gran cantidad de humo que penetra la pieza y entra a ser parte de ella. Los esmaltes reaccionan con el humo y el calor, convirtiendo los óxidos en metales. Luego de varios minutos, el proceso químico se fija bajando bruscamente la temperatura con agua. Se obtienen al final tonalidades, texturas, matices y colores fascinantes.
“Realizo mis piezas exclusivamente con el método original. Desde la asepsia o la ausencia de color. A través del fuego, la madera y el humo. En la búsqueda del sublime craquelado y la huella del poderoso negro-ahumado. Cada pieza mantiene su particularidad y valor artístico por su carácter orgánico” explica Fernando.
Actualmente está presentando la muestra “Las Semillas de la Vida” en CV Galería, abierta al público de forma gratuita hasta el 25 de junio, en la que a través de un montaje-exposición, viene a exclamar con un grito ensordecedor que la naturaleza, el agua, la tierra, el fuego y todo el planeta, son únicos e irrepetibles. La muestra viene a mostrarnos su esplendor, a darnos esperanza, a mostrarnos magnitud y poder, cantándonos secretamente la canción de lo primario, desde la madera, el craquel más fino, mostrándonos su fragilidad ante el exterminio del hombre con la naturaleza.
Conversamos con Fernando sobre su vida y la exposición en CV Galería. Te invitamos a sumergirte en su mundo artístico y sus pasiones.
¿Cómo te defines?
“Me defino como creativo, sensible, intuitivo, sencillo, austero y ermitaño”.
¿Cómo comenzó tu camino artístico y cómo te vinculaste al mundo del arte?
“Mi camino artístico empezó con la certeza de tener que estudiar fuera de Chile. Lo hice desde 1984, realizando mi primera exposición en Barcelona. Luego, cuando volví a Chile, expuse en la recién inaugurada tienda “Pórtico” de los hermanos Maffei.
En los años ‘90, hice un paréntesis de mi creación en cerámica porque me dediqué al canto y en 1992, gané el primer lugar representando a Chile en la Competencia Internacional del Festival de la Canción de Viña del Mar, con gaviota de plata”.
¿Cuál es tu estilo y sello?
“Mi estilo es orgánico y abstracto, con asepsia -ausencia- de color, ateniéndome así a la técnica originaria de la cerámica Raku”.
¿Qué te inspira?
“En estos tiempos, me inspira el planeta que es arrasado y la sociedad que es abusada por el hombre”.
Cuéntanos un poco más sobre tus obras. ¿Cómo es el proceso y la producción de éstas?
“Me surge la idea de expresar en torno a una temática, que evoluciona en mi mente y en mi corazón, para irse forjando en la medida que voy haciendo un producto tras otro. Una de estas temáticas ha sido la de ‘La Semillas de la Vida‘, que podemos ver en la exposición abierta hoy en CV Galería. Antes de ella, me circunscribí en torno al tema de la ‘Contención‘, radicalmente concentrada en cuánto nuestras madres nos contienen como sus criaturas, desde que estamos en sus vientres, hasta el último día de sus vidas”.
¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar?
“Anhelo provocar conciencia en relación a nuestro planeta, su naturaleza y los animales que lo habitan. Sensibilizarse ante su depredación; deben ser rescatados con urgencia. Generar contingencia de que nuestro planeta es único e irrepetible. Mis obras representan la naturaleza. Con éstas, quiero decir que tanto ellas como el planeta, son únicos e irrepetibles”.
¿Por qué elegiste un lugar como CV Galería para hacer tu exposición?
“Es un espacio inserto en un lugar muy accesible de Santiago, inmerso en un medio de mucha agitación social, con restaurantes y tiendas, que se ha hecho un paradigma para acoger artistas de calidad y no siempre con un marco de alta presencia en el medio, osea, de alguna manera, ha sido una galería alternativa”.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
“El arte es un instrumento que nos permite declamar nuestra conformidad o nuestros desacuerdos con la sociedad. Nos permite ser un aporte a través de una crítica o denuncia social y cultural”.
Para adquirir cualquiera de las obras de Fernando, te agradeceremos comunicarte a: ceramicarakufce@gmail.com / Instagram: @ceramicarakufce / Teléfono: +569 7712 6627
CV Galería te invita a visitar la exposición en Lab Cultural CV, Alonso de Córdova 4355, Vitacura, de lunes a sábado de 11:00 a 22:00 hrs.
Fotografías: Gloria Franke
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"Las Semillas de la Vida" de Fernando Casas
Exposición "Las Semillas de la Vida" de Fernando Casas
Desde el 26 de mayo hasta el 25 de junio de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV II, invita a recorrer la exposición de cerámica raku “Las Semillas de la Vida”, del artista nacional Fernando Casas.
La exhibición es un montaje-exposición que viene a exclamar con un grito ensordecedor que la naturaleza, el agua, la tierra, el fuego y todo el planeta, son únicos e irrepetibles. La tierra que arrasamos, la que nos sostiene, la que nos alimenta, la que nos oxigena, es devastada por el hombre.
“Las Semillas de la Vida” viene a mostrarnos su esplendor, a darnos esperanza, a mostrarnos magnitud y poder, cantándonos secretamente la canción de lo primario, desde la madera, el humo, el craquel más fino, mostrándonos su fragilidad ante el exterminio del hombre con la naturaleza.
El artista, titulado de Maestro Ceramista en Barcelona, trabaja la cerámica Raku, una técnica milenaria, que consiste en esmaltar una pieza, retirarla candente a 1.000 grados y reducirla en virutas de madera. El contacto con este medio incendia el objeto y se genera una gran cantidad de humo que penetra en la pieza y entra a ser parte de ella. Los esmaltes reaccionan con el humo y el calor, convirtiendo los óxidos en metales. Luego de varios minutos, el proceso químico se fija bajando bruscamente la temperatura con agua. Se obtienen al final tonalidades, texturas, matices y colores fascinantes.
“Realizo mis piezas exclusivamente con el método original. Desde la asepsia o la ausencia de color. A través del fuego, la madera y el humo. En búsqueda del sublime craquelado y la huella del poderoso negro-ahumado. Cada pieza mantiene su particularidad y valor artístico por su carácter orgánico” explica Casas.
Con esta muestra, nos vincula con la experiencia y la esperanza que al igual que sus semillas, surgen del árbol de la existencia. Nosotros podemos invocar otra petición, un nuevo deseo de vivir. El sueño de la semilla, sueño único para cada ser vivo, se despierta en la obra del artista como un deseo de expresar su gratitud hacia esta Tierra que nos sostiene.
Además, expondrá piezas de su colección anterior “Contención”, desarrollada a través de su certeza en el SER femenino: lo uterino, la idea de la contención original. Ésta idea está representada en una enorme diversidad de cuencos contenedores y por otras creativas y variadas formas de emociones y sentimientos del ser humano representados en ellas, y así leídos a lo largo de los siglos en las huellas que va dejando la cerámica en la historia universal.
El ceramista llega a CV Galería este jueves 26 de mayo con “Las Semillas de la Vida”, muestra que estará abierta al público en forma gratuita hasta el 25 de junio.
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"Irisación móvil" en Aninat Galería
Exposición "Irisación móvil" de Iván Contreras Brunet
Hasta el 22 de mayo de 2022
El arte cinético es un movimiento que irrumpe en la escena del arte contemporáneo donde los artistas latinoamericanos participan de manera activa y protagónica innovando con técnicas y lenguajes inéditos. Los venezolanos, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, los argentinos Julio Le Parc, Luis Tomasello y los geométricos brasileños Abraham Palatnik, Hélio Oiticica, Lygia Clark son artistas pioneros que hoy se encuentran en museos relevantes. En Chile, los artistas Matilde Pérez y el recientemente fallecido Iván Contreras-Brunet son exponentes y protagonistas de este movimiento que tiene un gran reconocimiento internacional.
En 1952, Iván Contreras-Brunet migró a Paris, donde vivió casi toda su vida. Ente 1958 a
1962, el artista vivió algunos años en Nueva York, pero volvió a Paris para continuar
desarrollando el lenguaje artístico que le interesaba, el arte cinético, y consolidar su amistad con Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez.
Es mezquino encasillar el trabajo de Iván Contreras-Brunet sólo en el arte cinético, su
investigación geométrica comenzó con el minucioso estudio y análisis de las estructuras
horizontales y verticales del paisaje en el desarrollo del trabajo de P. Mondrian. Fui afortunada al conocer a Iván Contreras-Brunet, donde pude constatar de primera fuente revelaciones de su investigación y búsqueda respecto a las formas, el color y la composición; el artista contó que estudiaba el paisaje durante el amanecer y anochecer, le interesaba el momento lumínico cuando los objetos se encuentran difusos y cuando la estructuras horizontales y verticales están en máxima tensión.
En un comienzo, Contreras-Brunet se interesó por el paisaje impresionista; son los contenidos estructurales del impresionismo lo que le interesan: reflejos, reflexión de elementos flotantes, paso de la luz a través de elementos sólidos, vibraciones cromáticas, contaba en entrevista a ArtNexus. El artista pudo estudiar minuciosamente los vitrales de las catedrales europeas para conseguir lo que anhelaba; la desmaterialización de las formas dentro de un orden geométrico.
En la década de los cincuenta, París era un centro de innovación y el desarrollo de nuevas
ideas. Contreras-Brunet se relaciona con los venezolanos Carlos Cruz-Diez y Jesús Rafael-Soto, estableciendo una amistad que durará toda la vida. Junto a sus colegas, comparten muchas inquietudes en torno a temas artísticos, textos fundamentales relacionados a los orígenes del arte abstracto; Kandinsky, Michel Seuphor, la visión en movimiento de Moholy-Nagy.
Luego de una breve temporada en Nueva York, a finales de la década del 50, vuelve a Chile por 6 meses donde dicta una conferencia sobre las nuevas tendencias artísticas en la Escuela de Bellas Artes (1959) a pedido del grupo rectángulo.
En 1961, vuelve a París de manera definitiva, donde comienza a realizar piezas abstractas de carácter cinético utilizando plexiglás, debido al costo de este material, empieza a buscar otros soportes, encontrando en las rejillas metálicas grandes posibilidades, desarrollando un lenguaje propio para elaborar una propuesta de piezas que desarrolla la problemática del movimiento óptico.
En Europa Contreras- Brunet inicia una carrera que, con el tiempo, suma más de cincuenta exhibiciones individuales en Francia, Alemania, Inglaterra, Suiza, Holanda, Líbano, Israel, Filipinas, Chile, Argentina, y Japón. Participó en innumerables exposiciones colectivas en los países ya mencionados y en Corea, Perú, Colombia, U.S.A., solo por nombrar algunos.
En 1972 fue invitado por el Instituto Italo-Latinoamericano de Roma a representar a Chile en la Bienal de Venecia junto al peruano Eielson, el argentino Roca-Rey y el cubano Wilfredo Lam. El texto del catálogo realizado por Michel Seuphor, artista y teórico fundamental del arte abstracto.
La obra de Iván Contreras-Brunet tiene dos vertientes; la escultórica, cinética- parietal o
exente-, y la acuarela sobre papel. En ambos soportes el color es el gran hilo conductor. En los trabajos de acuarelas el color es leve, sugerente, inestable, iridiscente, mágico. “Creo que soy colorista. Mis búsquedas se han orientado hacia el color, sus posibilidades, su organización, sus relaciones con el espacio, sus técnicas y sin olvidar la importancia en las estructuras que constituyen el esqueleto de un objeto y mi trabajo”. A partir de los años setenta el artista incorporó el aerógrafo en sus acuarelas elemento que otorga mas volumen en sus trabajos.
La composición de las piezas volumétricas, están realizadas bajo una estructura determinada, donde el color y la figuración matemática son perfectamente estudiadas con el objeto de producir un efecto óptico. El artista trabajaba de la siguiente manera: sobre una estructura plana, como un cartón o madera delgada, el artista comienza realizando un fondo de color, luego superpone, por lo general, una reja metálica fina con una cuadrícula uniforme. Sobre este fondo suspendido realiza estructuras de figuras geométricas, cada una pintada minuciosamente a mano, con una compleja estructura matemática para generar un efecto óptico que genera movimiento y diferentes posibilidades a la composición. Para generar mayor dinamismo, Contreras-Brunet invita al espectador a recorrer sus piezas y descubrir en el movimiento del viento las distintas posibilidades visuales que entrega cada pieza al ser recorrida.
“En mis relieves móviles trato de suscitar, a través del movimiento, relaciones estructurales del color en el espacio. Se trata de un espacio tridimensional en el cual se mueven masas suspendidas, inestables y transparentes. Estos conjuntos donde se superponen estructuras verticales-horizontales no son indiferentes, ni a la luz ambiente, ni al desplazamiento del espectador, o al movimiento del aire”.
Iván Contreras-Brunet fue un artista que sólo realizo piezas únicas, porque le interesaba
enfrentar problemas complejos a través del uso de estructuras simples. La manifestación de la bruma y la naturaleza fueron fuente de inspiración y estudio. Un hombre incansable por avanzar hacia el conocimiento y el arte.
Por Javiera G-Huidobro
Disponible hasta el 22 de mayo en Aninat Galería. Entrada gratuita. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 horas y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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"El sonido de las formas" en Aninat Galería
Exposición "El sonido de las formas" de Antonia Johnson y Paula Ceroni
Desde el 26 de marzo hasta el 10 de mayo de 2022
Aninat Galería presenta el proyecto colectivo de gabinete “El sonido de las formas” de dos artistas emergentes: Antonia Johnson y Paula Ceroni.
Ambas artistas presentan composiciones sensibles y orgánicas que crean una ilusión a través del uso de la luz, las vibraciones de color y los espacios de silencio en la construcción de sus trabajos.
“Para mí, el espacio es un material. Articular el espacio se ha convertido en mi principal preocupación, por encima de otros conceptos. Intento usar las formas esculturales para crear distinciones en el espacio”. Richard Serra.
Antonia Johnson, Portia
La simultaneidad de opciones en el campo de la producción del arte no es un fenómeno nuevo. Se produce gracias al pensamiento pluralista actual, a la diversidad de tendencias y la exploración formal que ejerce cada artista al construir su trabajo y crear un lenguaje propio. Galería Aninat inicia su programación 2022 presentando; “El sonido de las formas”, trabajo de diálogo y montaje conjunto, entre las artistas emergentes; Antonia Johnson y Paula Ceroni. Aunque ambas artistas presentan (revelan) un lenguaje abstracto junto a un intenso trabajo de color, cada artista explora materiales, formas y una maniobra de composición propia, logrando una propuesta personal.
A través del uso de la abstracción, las artistas llevan al espectador a ampliar el poder de percepción sensorial, proponiendo nuevas aproximaciones a la apreciación de la obra, para experimentar una relación nueva con el espacio, el vacío, la composición de formas y el impacto que produce la vibración del color en los trabajos que presentan las artistas.
La exhibición es una exploración entre la poética y dialéctica de las formas geométricas, orgánicas y el impacto de la luz y la función del color sobre la materia. “Los colores se rigen por una lógica interna y engañosa”, afirmaba el artista alemán Josef Albers, quien demostró que el color es un fenómeno completamente relativo; los colores se cambian constantemente según su yuxtaposición y relación con otros colores. “Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales cuando se asocian a distintos fondos. Es así que un mismo color permite innumerables lecturas”, dice Albers. Esta es la riqueza de los trabajos de Antonia y Paula, la exploración del color y sus múltiples posibilidades utilizando una economía de medios en sus trabajos de gran manualidad.
Paula Ceroni, Curva Infinita
Las piezas son integraciones visuales de gran carga estética, que van despertando emociones en el espectador. La exhibición “El sonido de las formas” es un diálogo de trabajos entre ambas artistas, donde a través del uso de diferentes técnicas y materiales; como textil, deshilado, papel, cartón, la técnica de extracción o vacío y el uso del color, van generando espacios geométricos y formas orgánicas, donde el espectador se sumerge hacia nuevas dimensiones somáticas abstractas.
La acción del cuerpo sobre los objetos, las diferentes decisiones que las artistas imprimen sobre los materiales van creando una ilusión volumétrica imprimiendo su impronta, realizando piezas de fronteras difusas entre la pieza bidimensional y la escultura, utilizando medios mínimos que producen un gran efecto e impacto sobre la materia.
“El sonido de las formas” es una muestra que permite una interacción activa del espectador, que viaja a una experiencia sensorial de introspección, donde las artistas Antonia Johnson y Paula Ceroni presentan composiciones sensibles y orgánicas que crean una ilusión a través del uso de la luz, las vibraciones del color y los espacios de silencio en la construcción de los trabajos.
Desde el 26 de marzo hasta el 10 de mayo en Aninat Galería. Entrada gratuita. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 horas y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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David Escalante para Moblash
Exposición "MetaMarioneta" en Moblash
Hasta el 30 de abril de 2022
Bajo el lema de democratizar el diseño, la comodidad y el arte, Moblash usa sus espacios de Guide Shop como vitrina para que artistas expongan sus trabajos, proyectos e ideas con el propósito de crear oportunidades para que puedan apalancarse.
El próximo viernes 18 de abril, inauguran la exposición “MetaMarioneta” del artista y maestro titiritero David Escalante, que estará disponible hasta el 30 de abril en su tienda ubicada en Nivel Calle, de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs. y sábado de 10:00 a 15:00 hrs.
Transformar y dar una nueva oportunidad a lo orgánico que el mar nos devuelve es el propósito de David Escalante en esta exhibición. Con materiales recogidos en playas de Valparaíso, dejados en la arena por las mareas, crea marionetas.
“La casualidad al encontrar cosas y crear personajes llenos de vida con materiales ya muertos es fascinante. Dar una oportunidad de renovación a la materia orgánica que fue de alguna forma transformada por el agua, sol, bacterias y a todo lo que estuvo expuesta, hace una mezcla de vida y muerte a la cual le vuelvo a dar un propósito, empezando un nuevo ciclo. ¡Es una creación conjunta del universo conmigo! Las marionetas están impregnadas de historias, a través de los materiales, por todo lo que han “vivido” y traen esa fuerza reflejada”.
Sobre el artista
David Escalante, artista, maestro titiritero y productor, ha enfocado su carrera en la expresión a través de los títeres. Idealizador y creador de centenas de marionetas y espectáculos, ha viajado por Chile, Europa y América Latina dando vida a sus personajes.
Es parte de la dirección de ATTICH Asamblea Titiritera, creador de proyectos en el Teatromuseo del Títere y el Payaso, Museo FONCK, Teatro Ámbar y desarrollador de proyectos Fondart, entre otros.
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Exposición "Memorias de Cuarentena: Retornos a un encierro"
Exposición "Memorias de Cuarentena: Retornos a un encierro" de Maureen Corvalán
Hasta el 14 de mayo de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV II, invita a recorrer la exposición “Memorias de cuarentena”, de la artista nacional Maureen Corvalán.
Producidas en el transcurso de dos años de restricciones y confinamientos sanitarios, el cuerpo de obra de la muestra, cuenta conjurar la experiencia sufrida en pandemia. La pandemia del encierro en la imagen en nuestros tiempos, así como la insoportable monotonía de nuestra soledad confinada en los límites de nuestro narcisismo. Por cierto, ello puede resultar obvio. De hecho, el título mismo de la exposición parece sugerirlo. Con todo, no se trata de una simple evocación unívoca, toda vez que las memorias de cuarentena se encuentran articuladas al retorno de otros encierros, conforme a un entramado múltiple y diverso. Si la distancia física durante las cuarentenas resultó tan insoportable, en buena parte ello sucedió por la clausura del encuentro con otros, la obstrucción de la circulación del deseo, que nos dejó solo frente a nosotros mismos.
Bajo estas luces, lejos de apuntar a la representación de las obras de la muestra conciernen, el límite de la representación. No se trata, en consecuencia, tanto de registros ni memoria, sino más bien de restos y de historia. La densa trama de “Lo infantil: historia, verdad y ficción”, lo insinúa de forma, definitivamente, reveladora. Compuesta por el celuloide de 36 mm de un film que, encontrado en el Persa Bío-Bío, tiempo después se descubrió llevar por título “Los juegos del destino”, la obra evoca la historia transcurrida durante los 36 años de la artista. Pero de esa historia, bordada a lo largo de los 36 metros de película, solo puede ser leída en breves fragmentos sugerentes, enigmáticos, incluso, dolorosos (Radiszcz, 2022).
Las obras son una invitación a un retorno, quizás feliz o más doloroso y/o acongojado en que el espectador pueda encontrarse con un material conceptual/visual que (se) interpele, y (se) interrogue algo de lo que en algún momento se transformó en una cotidianeidad para gran parte de la población mundial. Esta cotidianeidad abrió y posibilitó múltiples lecturas y reflexiones, frustraciones, aciertos, etc., con respecto a lo político, a la familia, el amor, y otras diversas manifestaciones producidas por las privaciones de libertades de las cuales el sujeto ha tenido que lidiar, y por lo tanto, hacer frente en el último tiempo, así como a lo largo de su historia. Es un tránsito, un recorrido, un encuentro que invita a la mirada a ser partícipe de pasajes y paisajes escritos e inscritos en el encierro propio de la artista, a través de retornos de memorias pero también sobre ausencias, como parte de una historia que siempre está en construcción y esta vez, Maureen Corvalán quiere compartir visualmente y en el registro de la pluma a través de la publicación de un libro.
El cuerpo de obra está principalmente relacionado a dos tipos de técnicas, primeramente a las técnicas mixtas y después a la pintura. En las técnicas mixtas trabaja con aquellos “materiales comunes”, que siempre estuvieron en su entorno como hilos, agujas, alfileres, lanas, clavos, tachuelas, tratando de realizar diálogos entre ellos, muchas veces tensionándolos, llevándolos a sus límites y mezclándolos los unos con los otros, generando texturas, volúmenes, etc, pero no intentando intervenirlos. Que la acumulación de ellos, pueda generar una ilusión, un paisaje que a primera vista y a pesar de que el material está expuesto crudamente, puedan develar un paisaje diferente en el cual los materiales tienen la posibilidad de perderse en sí mismo, y parecer algo diferente.
La extensa serie que traman las 50 obras en formato Polaroid: “Memorias de Cuarentena” buscan, en ocasión del imprevisto desperfecto de la cámara de la artista, aprehender momentos cotidianos de la vida en cuarentena. Es decir, frente a la fortuita imposibilidad de registrar imágenes en los haluros de plata, la artista procuró capturar objetos reales en el vacío fotográfico. Dicho de otro modo, ante lo imposible de la instantánea, atrapar entonces lo real de un instante. Aunque, de alguna manera, de ello trataría precisamente la operación que, al menos en parte, caracterizaría, según Jacques Lacan, la práctica artística, a saber, elevar el objeto a la envergadura de la Cosa. En tal sentido, las Polaroids parecen resistirse a mantenerse en el mero plano del registro y, al modo del Ready Made, involucrar la objetualidad del objeto o, a la manera de la fotografía, implicar instantaneidad del instante.
Te invitamos a visitar la exposición de manera gratuita en Lab Cultural CV II, hasta el 14 de mayo. De lunes a sábado de 10:30 a 01:00 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas.
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Exposición colectiva "Campo Difuso"
Exposición colectiva "Campo Difuso"
Hasta el 9 de abril de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab CV Galería, invita a recorrer la exposición colectiva “Campo Difuso”, de los artistas Javier Otero, Consuelo Walker, Sebastián Cobo, Fran Torres, Carla Effa, Matías Prado y Trinidad Barros, pertenecientes al Taller Las Nieves.
A partir del desarrollo permanente de las tecnologías de visualización y las nuevas formas de articular la representación y lo visible, la mirada se ha vuelto decisivamente móvil y mecánica, cada vez más intrusiva y omnisciente. La vista capta, fija, cosifica y totaliza. La tendencia al dominio a través de lo visual, ha establecido los cimientos de una cultura ocularcentrista. Es así como la visión, el ojo y a su vez la supresión del resto de los sentidos, se ha posicionado paulatinamente en la cima de la jerarquía sensorial en nuestra relación con el mundo.
Las prácticas creativas expuestas reflexionan sobre ese lugar donde se tensiona y cuestiona el régimen de la visualidad contemporánea. A través de diversos ejercicios de aproximación buscan desplazar, extremar, desvirtuar la relación ojo-objeto-mundo, y al mismo tiempo, posicionar al cuerpo en su conjunto, como apertura sensorial. El cuerpo, al abrirse a sí mismo a través de los sentidos, se presenta estando en el mundo desde adentro (y no adelante). Un cuerpo que percibe desde la esencia material, corpórea y espiritual articula un contacto, integrando el espacio en experiencia vivida con el mundo, en un encuentro de correspondencia.
Te invitamos a conocer la exhibición de este nutrido grupo de artistas nacionales en Lab Cultural CV I, que estará abierta al público en forma gratuita hasta el 9 de abril de 2022. De lunes a sábado de 10:30 a 23:30 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas.
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Exposición "Vincularte"
Exposición "Vincularte"
21 artistas - 21 jóvenes con Síndrome de Down - 21 obras que revelan el valor de la inclusión
CV Galería y Aninat Galería junto a Fundación DownUp!, invitan a recorrer la exposición colectiva “Vincularte”, de 21 artistas nacionales vinculados a 21 jóvenes con Síndrome de Down, en Lab CV Galería.
La inauguración de la muestra será el sábado 12 de marzo a las 12:30 hrs., donde además, te invitamos a asistir junto a tus niños a colorear calcetines y unirte a la diversidad, para disfrutar el arte y crearlo.
“Vincularte” nace con la intención de la Fundación DownUp! de impulsar instancias de encuentro y de vinculación creativa donde el arte sea el lenguaje unificador y permita que niñas, niños y jóvenes con Síndrome de Down (SD) trabajen junto a artistas visuales una obra de arte, para visibilizar el valor de la diversidad y revelar el valor creativo de las personas con SD.
Los artistas expositores que se unieron a la iniciativa son: Voluspa Jarpa, Germán Tagle, Totoy Zamudio, Samy Benmayor, Diego Santa María, Jorge Tacla, Andrés Vio, Lorena Villablanca, Marcos Sánchez, Lourdes Naveillán, Daniel Délano, Macarena Alvarado, Titi Gana, Tere Ivanovic, Patricio Court, Nicolás Franco, Roberta Rebori, Liza Marzolo, Virginia Guilisasti, Pía Aldana y Sebastián Cobo.
A los artistas se les vinculó con 21 jóvenes con Síndrome de Down de todo Chile con interés artístico, donde se propició un espacio creativo y distendido de encuentro, para el conocimiento mutuo de las parejas, quienes definieron en conjunto los conceptos con los que se desarrollaron las obras y las especificaciones técnicas.
Además de la exposición, el lunes 21 de marzo se realizará una subasta benéfica, a cargo de Denise Ratinoff, martillero de Christie’s, donde todos los fondos recaudados irán destinados a continuar con la labor de apoyo de la Fundación DownUp!.
Sobre la Fundación DownUp!:
La Fundación DownUp! es una organización sin fines de lucro, que apoya a nuevas familias en el camino del Síndrome de Down, para empoderarlas y que sean facilitadores de no solo el desarrollo de sus hijos o hijas, sino también aportando a una sociedad más humana e inclusiva.
Durante estos años, han desarrollado una serie de programas de distinta índole enfocados en guiar y formar una red de apoyo a nuevas familias, agrupando a más de 750 familias a lo largo de todo Chile.
Te invitamos a conocer la exhibición de este nutrido grupo de artistas contemporáneos nacionales junto a 21 jóvenes con Síndrome de Down, que visibiliza el valor de la diversidad, que estará abierta al público en forma gratuita desde el sábado 12 de marzo hasta el 21 de abril de 2022.
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Entrevista Fernanda Levine
"Permiso de Vacaciones" Fernanda Levine
Hasta el 28 de febrero de 2022
La artista Fernanda Levine llega a CV Galería con su exposición “Permiso de Vacaciones”, una muestra que enuncia las restricciones que nos ha traído esta pandemia, con obras que expresan la voluntad de representar nuestro deseo de libertad, pero que también registran nuestro temor y pesar, al estar anclados en un permanente avance y retroceso, que no nos permite dejar atrás esta experiencia traumática.
La creadora irrumpe con estas pequeñas obras, que por su formato más bien se relacionan a lo textual (tamaño carta), funcionan como un diario de vida visual, desde donde la autora explora el deseo de reunirnos como antes de esta interminable cuarentena.
Fernanda revisita la práctica de la pintura, desde la experiencia personal, para “retratar” nuestros deseos y temores más profundos.
La artista que ha exhibido obras en Ferias y Galerías nacionales e internacionales, destacándose por su creatividad y talento pictórico, estará con la muestra “Permiso de Vacaciones” hasta el 31 de enero de 2022 en Lab Cultural CV II.
Te invitamos a leer la entrevista a Fernanda Levine y conocer un poco más sobre la artista y su exposición en CV Galería.
¿Cómo te defines?
Soy curiosa, me gusta experimentar distintas técnicas y temas. El arte contemporáneo me ofrece el campo y las herramientas para realizar mi deseo.
¿Cómo comenzó tu camino artístico y cómo te vinculaste al mundo del arte?
Vengo de una familia vinculada al arte, crecí entre pintores, coleccionistas, galeristas, músicos y literatos. Para ser sincera, nunca quise vincularme al arte, pero fue inevitable.
Conocí a Mario Toral en una fiesta y me contó que se había creado una nueva escuela de arte en la Universidad Finis Terrae, que él dirigía, así que abandoné la carrera de diseño y me cambié a Bellas Artes. Terminé con éxito mi licenciatura y un tiempo después, cursé el Máster en Artes Visuales de la Universidad de Chile.
Luego, al terminar mis estudios y a consecuencia de un viaje a Canadá, conocí a Mónica Reyes, galerista chilena radicada en ese país, con quien trabajé por más de 20 años, hasta el comienzo de la pandemia.
¿Cuál es tu estilo y sello?
Diría que mi trabajo es experimental, trabajo “desplazamientos” de técnica y motivos del arte “tradicional”, tensándolos a motivos “modernos”.
Utilizo y complemento diversas técnicas tradicionales para conseguir representar la realidad que nos rodea, reflexionando estéticamente sobre el arte y la vida.
¿Qué representan tus obras y qué quieres decir con ellas?
En general mis obras son contingentes, me interesa reproducir el momento, la actualidad, la instantaneidad de las redes sociales en relación con lo reflexivo e introspectivo, por medio de un aparato estético, como la pintura.
¿Por qué estar en CV Galería?
Estar en CV Galería me proporciona varios grados de experiencia estética, no solo son mis pinturas en los muros, sino que también es el espacio Lab Cultural CV y la plataforma arquitectónica generada por el mismo edificio, lo que compone esta experiencia integral.
“Permiso de Vacaciones” es una invitación a…
Es una invitación al humor y a una especie de “puesta en escena” en medio de una pandemia, para recordarnos cómo extrañamos encontrarnos sin restricciones.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
Creo que la importancia del arte en este trance que atraviesa nuestra sociedad es evidente para todos. Esto no habría sido lo mismo sin música, libros, cine ni arte. Hemos descubierto la insaciable necesidad de compartir nuestro esfuerzo como cultura.
CV Galería te invita a visitar la exposición en Lab Cultural CV II, Alonso de Córdova 4355, Vitacura, de lunes a sábado de 10:00 a 01:00 hrs. y domingo de 12:00 a 17:00 hrs.
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"Tres generaciones de artistas mujeres" de Aninat Galería
"Tres generaciones de artistas mujeres" Aninat Galería
Hasta el 19 de marzo de 2022
El arte de mujeres ha sido reivindicado en las últimas décadas gracias a diversas investigaciones y retrospectivas en los grandes museos del mundo.
Aninat Galería ha tenido un trabajo constante por poner en valor el quehacer artístico de nuestras artistas, desarrollando proyectos que han ayudado a visibilizarlas, como su más reciente participación de Art Basel Miami consagrada a tres artistas textiles latinoamericanas (Catalina Swinburn, Mónica Bengoa y Patricia Belli).
En “Tres generaciones de artistas mujeres” podemos apreciar un diálogo armónico y consistente entre nuestras artistas, en donde existe un cuerpo de obra, que a pesar de la distancia de tiempo y circunstancias, tiene un evidente sentido en común.
En este diálogo reconocemos ciertas temáticas y maneras de abordar el arte contemporáneo que nos hacen reflexionar sobre las particularidades de género en la creación. El cuerpo es una constante, sea como objeto de experimentación visual en la obra de Cecilia Paredes, o materia performática en Catalina Swinburn, o como ausencia producto de traumas políticos y sociales en Voluspa Jarpa; así también el retrato de la colectividad anónima de Gracia Barrios interpretando las luchas sociales, lo encontramos con nuevos aires en las obras recientes de Manuela Viera-Gallo.
El uso de técnicas y materiales propios de la cotidianidad como el tejido, el bordado, son recursos exhibidos por las artistas Fernanda López y Mónica Bengoa. Y la narrativa visual de corte iconográfica e histórica aúna los trabajos de Roser Bru y Patricia Israel.
Las interpretaciones pueden ser variadas y las conexiones múltiples, la invitación es a recorrer desde la visualidad el sentir de estas tres generaciones y su conversación trascendente.
Una exhibición imperdible con obras de Catalina Swinburn, Cecilia Paredes, Fernanda López, Gracia Barrios, Lotty Rosenfeld, Manuela Viera-Gallo, Mariana Najmanovich, Mónica Bengoa, Patricia Israel, Roser Bru y Voluspa Jarpa.
Te invitamos a visitar la exposición en Aninat Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura, de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs. y sábado de 11:00 a 14:00 hrs.
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