Conocemos sus vidas, su trayectoria artística e incluso, sus obras más famosas, pero lo que no muchos saben es cómo se sentían y qué estaban pensando estos artistas en la última etapa de sus vidas. Algunos con vidas llenas de éxito y otros, en su peor momento. 

Frida llena de heridas físicas y emocionales, Basquiat desde las calles hasta la fama y las drogas, Keith luchando con la enfermedad más tabú de la época, van Gogh viviendo en la pobreza con trastornos mentales, Picasso siendo uno de los artistas vivos más famosos del mundo y Klimt, de manera repentina  Te invitamos a descubrir las últimas obras de estos 6 grandes artistas. . 

Retrato de Mademoiselle Lieser de Gustav Klimt
Murió en 1918, a sus 55 años. 

La obra fue un encargo de una acaudalada familia judía al pintor. Se dice que la mujer visitó nueve veces el estudio de Klimt para posar para él, entre abril y mayo de 1917. Cuando el pintor murió de un derrame cerebral en febrero de 1918 el cuadro fue entregado a la familia que lo había encargado. 

La última vez que se vio la obra en público fue en una exposición en Viena en 1925, pero poco después, desapareció y permaneció en un paradero desconocido durante más de 100 años. Resurgió milagrosamente en Austria y se subastó recientemente, 

Campo de trigo con cuervos de Vincent van Gogh
Murió en 1890, a los 37 años. 

Pocos días antes de su suicidio, van Gogh ya había pintado este cuadro en el que se perciben malos augurios: un cielo tormentoso, muy oscuro para lo habitual del pintor y los cuervos saliendo del campo de trigo. 

Van Gogh estuvo visitando campos de trigo durante esa temporada que pasó en Auvers, y según dejó documentado, los pintaba para “expresar su tristeza” y “su soledad extrema”. Pocos días después de acabar esta pintura, un 27 de julio de 1890, salió a un campo similar a éste y se disparó un tiro en el estómago. 

Sandías de Frida Kahlo
Murió en 1954 a los 47 años. 

Desde los 45, su salud empeoró y comenzó a pintar bodegones y naturaleza muerta, sobre todo frutas, que se podían poner en una mesa cercana a su cama de la que ya no se pudo volver a levantar. 

La sandía se relaciona con la muerte gracias a las representaciones populares mexicanas del Día de los Muertos, ya que esta fruta aparece frecuentemente asociada a las figuras de los esqueletos. Por este simbolismo se cree que el tema escogido por Frida no era casual, ya que sentía que su muerte se acercaba. 

Justo ocho días antes de morir, Frida escribió en una de las rodajas sus palabras de despedida: Viva la vida, una frase que es capaz de resumir su trágica y hermosa figura. 

Cabalgando con la muerte de Jean-Michel Basquiat
Murió en 1988, a sus 27 años, de una sobredosis

En vida fue un artista de éxito, pero tras su joven muerte, su obra no tardó en convertirse en objeto de culto.  

Pensaba mucho que la muerte estaba cerca, rodeado siempre de celebridades y artistas víctimas de las drogas. Y su última obra, tiene algo de premonitorio, sin los elementos típicos de sus pinturas como las coronas, las letras o el mínimo de colores, cuando por regla general sus obras rebosan contrastes tonales. 

Pintura incompleta de Keith Haring
Murió en 1990, a sus 31 años, de Sida. 

Aunque al parecer esta obra no la pudo terminar, Keith la dejó incompleta intencionalmente, como testimonio de las miles de vidas que terminaban incompletas por el VIH. 

En 1998 fue diagnosticado con Sida, enfermedad que finalmente le arrebató la vida en 1990. Durante sus últimos años, continuó trabajando incansablemente, utilizando su arte como una plataforma para educar y concientizar sobre el virus y sus efectos devastadores en la comunidad LGBTQI+- 

Mujer acostada y cabeza de Pablo Picasso
Murió en 1973, a sus 91 años. 

Inició este cuadro en febrero de 1973 y durante los meses posteriores, se dedicó al dibujo y las acuarelas. Retomó esta pintura, un retrato de su última mujer, Jacqueline Roque, un día antes de morir, para aclarar algunos tonos. 

En consonancia con el Museo Nacional de Bellas Arte, donde se presentan los videos performáticos de Carlos Leppe, Aninat Galería expondrá desde el 23 de mayo, “Pinturas y Fotografías inéditas de acciones” de Leppe, generando un diálogo que permite completar el complejo rompecabezas que constituye la obra del artista.

La exposición invita al espectador a sumergirse en la gestualidad y el uso de materiales que caracterizan el hacer de Leppe. Sus pinturas son testimonio del intenso trabajo corporal que definió su carrera. Los pelos, secreciones, lino, paños, entre otras cosas de la vida cotidiana, confieren una dimensión táctil a la obra, imponiendo lo tangible sobre lo meramente visual. Esta elección material no solo enriquece la experiencia estética, sino que también añade profundidad y complejidad al formato bidimensional.

El legado de Carlos Leppe dejó una huella indeleble en las artes latinoamericanas, y se manifiesta en cada detalle de esta muestra, que ofrece una mirada única y reveladora sobre la evolución del arte contemporáneo.

Carlos Leppe (1952 – 2015) fue un destacado artista visual chileno conocido por su obra multidisciplinaria que abarca la performance, la instalación, la pintura y el videoarte. Nacido en Santiago, Chile, en 1952, Leppe desarrolló una carrera artística distintiva.

Desde sus primeros trabajos en la década de 1970, desafió las convenciones estéticas y sociales a través de su arte, explorando temas como la identidad, el género, la sexualidad y la política. Su enfoque experimental y provocativo lo llevo a la creación de obras que incitan a la reflexión y cuestionan las normas establecidas.

Sus actuaciones a menudo incorporan elementos teatrales, musicales y coreográficos, creando un diálogo dinámico entre el cuerpo, el espacio y el público. Una de las facetas más intrigantes del trabajo de Leppe es su dedicación a la performance como una forma de expresión artística. A través de sus performances, Leppe creó experiencias sensoriales inmersivas que invitaban al espectador a cuestionar las normas sociales y explorar nuevos territorios emocionales.

Carlos Leppe, realizó estudios artísticos en la Universidad de Chile, recibiéndose como Licenciado en Arte con mención en Pintura. Fue alumno de Eugenio Dittborn, Carlos Altamirano, Francisco Smythe y la teórica Nelly Richard, quien lo incluyó en el grupo de artistas Escena de Avanzada. Se interesó en artistas vanguardistas del siglo XX como Joseph Beuys, Villalba, Arman, Christo, Fontana y Segal, quienes inspiraron su obra y se relacionó con el arte objetual, el arte corporal o body art y la intervención del espacio.

A lo largo de su trayectoria participó en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y en el extranjero, consolidando su posición como una figura influyente en el panorama artístico contemporáneo.

Con entrada gratuita, estará disponible desde el 23 de mayo hasta el 29 de junio en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs

Son las obras de arte más famosas de la historia, que hemos observado cientos de veces, pero en las que hay ciertos detalles erróneos en los que jamás habíamos reparado. Y hablamos de maestros de la pintura y la escultura de la talla de Miguel Ángel, Rembrandt o Rafael. Dedos extras, proporciones fallidas y otros “detalles” artísticos que te sorprenderá conocer. 

Se ha vuelto común que en los clásicos de la pintura, la escultura o el grabado, solo hasta épocas muy recientes hayamos comenzado a notar pequeños errores que antes eran imperceptibles. Suele suceder que con el paso de la historia, algunas piezas se vean de forma distinta, porque si bien el arte en buena medida aspira a ciertos estándares de belleza o estéticos, es creado por seres humanos y se puede plasmar la imperfección del hombre. Y a pesar de su mérito artístico, es posible encontrar errores tan simples, pero que en algunos casos han pasado años antes de que alguien se percatara. 

En esta nota te presentamos parte de los errores en las obras de arte más famosas que no todos habían notado: 

1) El Grito de Edvard Much (1893): Más que un error en la obra, se trata de un error de percepción que ha durado décadas en la mirada del espectador. Resulta que, según han afirmado críticos del arte del British Museum, este cuadro no contiene ningún grito de forma explícita ni visual. 

La pintura no es más que la reacción de un hombre que escucha un grito que se extiende por toda la pintura, pero un grito imperceptible a la vista. La razón para llegar a esta conclusión, se debe a una inscripción hecha por el pintor que dice: “Sentí un gran grito en toda la naturaleza”

2) El David de Miguel Ángel (1501 – 1504): Probablemente es la obra más famosa de Miguel Ángel y en la que se reconoce que el artista tuvo que trabajar con la base del mármol en sus manos, para definir la postura de su personaje. Sin embargo, si quisiéramos comparar las proporciones del David con las de un humano, descubriremos que no es lo más correcto como tal. 

Aunque podría ser considerado un error minúsculo, los expertos en arte y anatomía no perdonan, porque le hace falta un músculo de la espalda. Pero, una pieza, tallada en un solo bloque de piedra, no podía ser del todo perfecta. Algunos se atreven a decir que el artista se quedó sin material y por esta razón omitió este pequeño trozo de la espalda de David. 

Además, los ojos de la figura miran en direcciones distintas, un detalle que es solo visible desde cerca, puesto que a la distancia el David es una escultura que se acerca a la perfección. 

3) El Nacimiento de Venus de Botticelli (1482 – 1485): El tamaño del cuello de Venus es un error bastante popular, bastante grueso y largo, pero lo que muchos no se han dado cuenta, es del juanete que Venus parece tener en el pie izquierdo. Y que al parecer no fue ningún error, sino una decisión deliberada e intencional, a manera de broma del propio autor, pero otros consideran que se trata de un mero error de proporción. 

4) Madonna Sixtina de Rafael Sanzio (1513 – 1514): A primera vista, puede parecer que el Papa Sixto II tiene en su mano derecha 6 dedos, pero en realidad, más que un error del artista, es un desafortunado efecto óptico y lo que se aprecia es un trozo de la palma o parte interior de su mano.

Sin embargo, en los pies de la Madonna sí que observamos un sexto dedo que, al parecer, el pintor trató de borrar a posteriori, aunque aún se aprecia un pequeño bulto.

5) La Ronda de Noche de Rembrandt (1642): El guante que sostiene el personaje principal de la pintura ha causado controversia a lo largo de la historia. Dependiendo del observador, parece que se trata de un guante de la mano derecha, pero esa mano ya tiene uno. ¿Error del pintor o confusión del que mira?

Después de obtener gran éxito en España, Germán Tagle vuelve a exhibir nuevos trabajos en Chile, presentando la muestra “Ese lugar”, en Aninat Galería. 

El artista profundiza en el análisis del cambio climático y los efectos en la transformación del paisaje. 

“Ese lugar” es el nombre de la exposición que reúne 22 piezas recientes, luego de su exitosa incursión en el mercado español, y la muestra invita a reflexionar, desde la plástica contemporánea, sobre el paisaje, la pintura y la cultura. 

Germán Tagle retorna a Galería Aninat con una intensa reflexión plástica en torno al paisaje, la crisis medioambiental y la cultura contemporánea. Su obra reflexiona en sus trabajos en torno al paisaje, observando la transformación del entorno natural debido a la manipulación humana.

Desde sus inicios, el artista combina audazmente la mancha expresionista y la tela estampada, creando una representación sintética del mundo natural y arquitectónico. Esta fusión de elementos, evoca un mundo idílico marcado por la mano del artista.

Inspirado por la ciencia ficción de autores como J.G. Ballard, aborda en su obra reciente la crisis ambiental, utilizando la belleza inquietante de la imaginación apocalíptica. Sus pinturas, donde la presencia humana es notablemente ausente, revelan un mundo de paisajes imaginarios y resistentes.

Una característica destacada de su trabajo es la fusión de elementos botánicos con la precisión del stencil en su técnica, generando nuevos espacios pictóricos.

Germán explora técnicas que amplían su práctica anterior, adoptando un carácter referencial. Este gesto le permite explorar nuevos horizontes discursivos en “Ese Lugar”, ofreciendo una mirada donde la naturaleza prevalece y se refuerza, con el diseño de montaje de Paco Barragán.

Según César Gabler, curador de la muestra, “El gesto de Tagle tiene consecuencias cromáticas y técnicas, y creo también, culturales. Lo que el artista hace con su pintura es permitir el acceso a la imaginación e instala aquello como un horizonte de posibilidades pictóricas y discursivas. Estas pinturas son posibles a partir de una premisa muy sencilla y dramática: el mundo que conocemos ha desaparecido, la humanidad está extinta, las plantas no. Pero en vez de lamentarlo, el artista se fascina con lo que ve, e inventa los modos de plasmarlo según su nueva lógica. No hay pesimismo y sí esperanza. Para hacerlo nos ofrece un puñado de imágenes fascinantes. En estas pinturas, que remiten al género del paisaje, Tagle espera que el espectador “vea esta repetición de elementos, como signos que son direcciones, una forma de volver a casa. Volver a casa visto desde lo literal a lo metafísico. Volver a estar en contacto con los ciclos de la naturaleza, lograr que el ser humano vuelva a su centro.”

Germán Tagle (Santiago, 1976), estudió arquitectura en la Universidad Finis Terrae durante los años 1995 al 2000, para luego embarcarse en un proyecto de trabajo artístico de manera autodidacta.

En 2003 parte de viaje a Nueva York y luego a Argentina el 2004. Para instalarse, entre el 2005 y 2010, en Nueva York, donde comienza a exponer constantemente. Destacan sus muestras individuales New Empire y Eternal Return en Elga Wimmer PCC, en 2009 y 2010 respectivamente. El Museo del Barrio en Nueva York acogerá, en su bienal del 2007 y luego en exposiciones colectivas en 2013 y 2017, su pintura, como uno de los representantes más destacados de la nueva generación de artistas visuales latinoamericanos.

En 2010 vuelve a Chile. Desde entonces, su experimentación con soportes variados no deja de emplear diferentes telas, páginas de libro y otros. Su trabajo de la imagen se concibe como una continuación, de la imagen conocida sobre la que se aplican densas capas de acrílico y empastes enfáticos con vehemencia.

Su trabajo ha sido expuesto en muestras colectivas en países como, Chile, Argentina, Perú, Brasil, México, Colombia, EE. UU., Italia, Lituania y España, además de ferias de arte contemporáneo como Untitled Miami, ZonaMaco México D.F., ArtBO Colombia, Estampa Madrid, entre otras.

Es parte de importantes colecciones tanto privadas como publicas, entre ellas; El Museo Del Barrio, NY, Colección Engel, Chile y Juan Entrecanales, España.

Durante julio y agosto de este 2021, inaugura individualmente “Futuro Esplendor”, en Galería Aninat. Luego, en noviembre de este mismo año 2021 inaugura una segunda muestra individual, esta vez en la galería Daniel Cuevas en Madrid.

Este año 2024, sus proyectos incluyen su segunda muestra individual en Aninat Galería , Chile en abril, y luego en septiembre su segunda muestra individual también en Galería Daniel Cuevas en Madrid durante el mes de septiembre.

Con entrada grautita, estará disponible hasta el 18 de mayo en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

En el marco de la conmemoración del mes de la mujer, este jueves 21 de marzo inauguramos la exposición fotográfica “Lo femenino en 6 miradas”, en CV Galería. 

La muestra es una invitación a complejizar el concepto de “lo femenino”. 

Cada una de las artistas enfrenta el tema desde distintos lugares y desde los más variados estilos fotográficos, levantando preguntas sobre las maravillas y las dificultades que significa ser mujer en el mundo de hoy. 

Andrea Manuschevich, retrata a niñas gimnastas en sus dormitorios, abriendo una discusión sobre el equilibrio entre el rigor y la infancia. Emilia Edwards, observa a sus dos hijas crecer, haciendo público un mundo que acostumbra a ser solo de las mujeres. Fernanda Opazo, también enfrenta el complejo mundo de la maternidad representando, a través de esculturas caseras, el difícil balance entre crianza y control.

Por otro lado, Lucía Fernández -Muriano, utiliza su propio cuerpo e historia para representar a las miles de artistas que componen la identidad. 

Valentina Osnovikoff, crea su propio vocabulario para mostrarnos el abanico de emociones diarias con las que observa su propia vida. Mientras que Natalia Vial, nos lleva a lo más privado de los mundos, fotografiando extractos de sus diarios de vida acumulados por más de 20 años, invitándonos a entender y ser parte de sus experiencias como mujer. 

Lo interesante de esta selección es que ninguno de estos trabajos podría haber sido hecho “sin ser mujer” y sin embargo ninguna trabaja “lo femenino” desde los conceptos que acarreamos históricamente; no vemos rosas ni pelos moviéndose suavemente al viento, pero sí vemos mujeres complejas, intentando llevar los distintos roles que vamos asumiendo de una manera íntegra y lo más resultas posible. 

Conversamos con Javiera Infante, curadora de la exposición, quien nos cuenta más detalles de su trayectoria artística y la muestra que estará exhibiéndose en el Nivel Terraza (-1) de CV Galería. Te invitamos a leer su entrevista. 

¿Quién eres? 

“Soy fotógrafa de profesión. Salí del colegio y me fui a estudiar a Estados Unidos. Primero estudié un BFA en The Corcoran School of Art en Washington DC y luego me fui a Boston a estudiar un Máster en Arte en Massachusetts College of Art. 

Volví después de 12 años a vivir a Chile, con ganas de dedicarme a la academia para poder proponer maneras nuevas de entender la fotografía. Trabajé en varias universidades y tuve mi laboratorio oscuro donde hacía mi propia obra que expuse varias veces. 

Después de más de 10 años de experiencia docente, me independicé y armé el programa de tutorías para fotógrafos que dirijo hasta  hoy. Me dedico de lleno a guiar procesos creativos y a armar proyectos que difundan la fotografía contemporánea. Mi trabajo autoral lo tengo en pausa desde la pandemia. Algún día retomaré pero por ahora no me ha hecho falta”. 

Cuéntanos sobre la exposición y que les gustaría transmitir con las fotografías 

“En esta exposición cumplo el rol de curadora. Cada vez que me invitan a armar un proyecto, selecciono trabajo de fotógrafos que han pasado por mi taller; conozco bien su trabajo, sus intereses y que admiro muchísimo. 

La exhibición tiene como objetivo ampliar la idea de lo femenino. Invité a 6 mujeres artistas que tratan temas del mundo femenino desde lugares muy distintos. Van desde la complejidad de la crianza hasta la definición de la personalidad como mujer en el mundo de hoy”. 

¿Quiénes participan? 

“Participan 6 fotógrafas. Todas ellas han sido parte del programa de tutorías, uno o más años. 

1. Emilia Edwards es periodista y actualmente está haciendo un PHD en la Universidad de Texas. Siempre ha tomado fotos de manera paralela. Esta vez presenta un trabajo en el que fotografía la infancia de sus hijas vistas desde el punto de vista materno. 
2. Lucía Fernández- Muriano es fotógrafa profesional y trabaja de manera independiente. Esta vez presenta un trabajo que investiga visualmente la construcción de su propia identidad. 
3. Andrea Manuschevich es periodista y fotógrafa. Presentará una serie en desarrollo, en la que retrata a niñas gimnastas, apuntando al equilibrio entre infancia y exigencia. 
4. Natalia Vial es fotógrafa profesional y desarrolla su obra de manera independiente. En la serie que presenta, hace un análisis de sus diarios de vida de hace 20 años atrás. A través de palabras claves hace referencia a episodios o emociones recurrentes a lo largo de su propia historia. 
5. Fernanda Opazo es fotógrafa y diseñadora de interiores. Actualmente es directora de arte y dirige su propio estudio (estudio Karmakat). Presenta una serie en la que fotografía “esculturas” domésticas en las que trabaja el difícil equilibrio entre el control y la crianza. 
6. Valentina Osnovikoff es fotógrafa profesional y trabaja de manera independiente. Presenta una serie en la que fotografía su entorno y vida diaria con una visualidad que representa la forma en que ella entiende al mundo. 

¿Por qué elegir un lugar como CV Galería para hacer la exposición? 

“Me parece un lugar interesante por la diversidad de público que convoca”

¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad? 

“Me parece que el arte ayuda a cuestionar nuestras propias ideas. El verse expuesto a obras que hablan de cuestiones diversas o presentan distintas maneras de entender el mundo, ayuda a explorar nuestros límites”. 

Te invitamos a visitar la exposición que estará disponible desde el jueves 21 de marzo, desde las 20:00 hasta las 02:00 hrs. En el Nivel Terraza (-1). Entrada gratuita. 

CV Galería es un espacio de espíritu amplio y nuestra esencia es la inclusión a todo tipo de personas, asimismo, la edad no es una barrera, sino un cúmulo de experiencias enriquecedoras. En un nuevo Día Internacional de la Mujer, honramos a través de Drina Rendic, a todas las mujeres, sin distinción alguna, valorando su fuerza, su ímpetu y el valor que agregan a la sociedad.

Drina Rendic tiene 81 años y es una mujer digna de admirar y destacar.
Lleva más de 40 años abocada a la gestión cultural y el empoderamiento femenino, pero desde hace un par de años, sumó una nueva causa: activista de la tercera edad, donde día a día lucha contra la discriminación de las mujeres mayores. ¿Cómo llegó hasta acá? En parte de su historia está la razón. 

Con tan solo 17 años convenció a su familia para irse a estudiar Ingeniería Comercial a la Universidad de Portland en Estados Unidos, convirtiéndose en la primera mujer extranjera de todo el establecimiento educacional. 

A comienzos de la década de los 80, volvió a Chile y empezó a destacar como gestora cultural y social. Hoy, a sus 81 años, sigue tan vigente como sus 20 ‘s. Presidenta del Capítulo Chileno del National Museum of Women in the Arts y miembro de otras organizaciones sin fines de lucro, se denomina como una “activista gerofeminista en acción”. 

Por un lado, en el Capítulo Chileno del National Museum of Women in the Arts, lucha por destacar a las mujeres en todas las disciplinas artísticas, dándoles el reconocimiento que históricamente por una cuestión de género se les ha negado. Y por otro lado, si al hecho de ser mujer, se le agrega el factor de la edad, entra en escena el “gerofeminismo”, concepto que da cuenta de esta doble discriminación. 

“Mi cruzada es tratar de convencer con un granito de arena, que los adultos mayores, sobre todo las mujeres, aún tienen mucho que contribuir. Que no sean tratadas de un modo menos favorable debido a su edad, que el número no sea un límite” explica Drina. 

Prueba de esto fue el viaje que hizo a los 68 años, sola, para estudiar Relaciones Internacionales en la Universidad de Harvard. “Sentí que a esa edad se puede estudiar, aprender algo nuevo y ser mejor que tus compañeros que tienen 25 años menos que tú. Me sentí muy dueña de mis ideas y valoré mi experiencia” contó en una entrevista anterior. 

También ha reconocido públicamente que respeta a Eleanor Roosvelt, ex Primera Dama de Estados Unidos, después de haber leído mucho sobre su vida. “Ella decía que cuando uno deja de contribuir, uno empieza a morir. Y eso le pasa a la gente cuando se retira y comienza a dejar de estar vigente” dice Drina. 

Mientras la tasa de natalidad en Chile disminuye año a año, la longevidad de la población es más latente. Drina en su cuenta de Instagram, @drinarendic, constantemente publica datos e información relevante sobre la causa, como por ejemplo, que solo un 14% de los adultos mayores de 65 años están enfermos o impedidos, mientras que el otro 86% está sano. Enfatiza en que la tercera edad tiene mucho que contribuir en la sociedad, pero que no deben automarginarse ni aceptar presiones. 

Conversamos con Drina para que nos cuente sobre su cruzada, su vida y motivaciones. Te invitamos a leer la entrevista. 

¿Por qué decidiste empezar la cruzada por la tercera edad?

“Me di cuenta que las personas de mi edad (81 años), y hasta 20 años más jóvenes, perfectamente sanas y autovalentes, se consideran obsoletas y sin proyecto de vida por delante, lo que va en detrimento de su propia salud mental y del aporte que le pueden y deben hacer a la sociedad”. 

¿Qué te mueve al empoderar mujeres y visibilizar el talento artístico femenino? 

“Hace 10 años fui contactada por el National Museum of Women in the Arts de Washington DC, que se ocupa de visibilizar y exponer el arte femenino en más de 20 ciudades del mundo. Me motivó empezar esta cruzada en Chile, aplicándola, no solo a las artes visuales, sino que a otras disciplinas de las artes porque estoy consciente que las mujeres artistas chilenas sufren de discriminación al igual que sus pares en otros rubros”. 

¿Qué te impulsa al incentivar el concepto de “gerofeminismo”?

“El gerofeminismo aborda la doble discriminación que sufren las mujeres, por ser mujeres, pero además, mayores. Obviamente me interesa actuar ahí por las razones ya mencionadas”. 

¿Te consideras feminista? 

“Soy una feminista en el sentido que procuro contribuir a que las mujeres no sean discriminadas en el mundo cultural, laboral, económico y social”.  

¿Cómo es un día en la vida de Drina Rendic?

“Muy ocupado, entretenido y poco rutinario. Trato de equilibrar las labores propias de mi gestión cultural con el networking y el aprendizaje constante. Es una tarea 24/7”. 

 ¿Cuál es tu mayor logro? 

“Los logros son efímeros y se van diluyendo en el tiempo a medida que se van produciendo otros. En este momento considero que procurar la visibilización de mujeres mayores sanas y con ganas, es un logro en desarrollo”.  

¿De qué te sientes orgullosa? 

“De mi honestidad y transparencia”. 

¿Cuáles son tus hobbies? ¿Qué haces en tus tiempos libres? 

“No tengo mucho tiempo libre porque el aprendizaje constante y la práctica del networking está en mi ADN. Asistir a la ópera en Chile y el extranjero es una de mis actividades favoritas, pero eso no ocurre todos los días. Y durante la pandemia me aficioné a la jardinería y al paisajismo, aunque todo eso también conlleva aprendizaje”. 

A tus 80 años eres una mujer tan activa como a los 20. ¿Cuál crees que es el secreto para mantenerse activo, independiente de la edad que uno tenga? 

“Cuidar la salud con buena alimentación y ejercicio, y sobre todo, seguir contribuyendo”. 

¿Qué consejo le darías a una mujer que está en sus 20’s?

“Que se eduque para que nunca dependa de un hombre para su subsistencia”. 

Te invitamos a seguir a Drina en su cuenta de Instagram: @drinarendic, donde periódicamente hace publicaciones destacando a personajes de la tercera edad, en diferentes ámbitos de la sociedad, y además, documenta su activismo por esta destacada causa.