Desde el 4 de septiembre hasta el 9 de octubre 

La artista visual Paz Irarrázaval propone su exhibición individual “FRACTAL” inspirada en la regeneración de los ecosistemas producida por los hongos.

 Los hongos juegan un papel crucial en la descomposición de materia orgánica y en la formación de simbiosis con plantas y otros organismos, facilitando la absorción de nutrientes y contribuyendo a la salud del suelo. Esta simbología inconsciente es el punto de partida que realiza la artista Paz Irarrázaval para promover la regeneración de ecosistemas en la exhibición “Fractal”.

Las obras que invitan a la reflexión sobre la interdependencia de todas las formas de vida, y quizás incluso experiencias interactivas que permite al espectador explorar el tema de la regeneración ecológica de una manera más íntima y personal.

Sin duda, la exhibición es una experiencia a reflexionar sobre un entendimiento más profundo de nuestra relación con el medio ambiente y nuestro cuerpo.

Las redes virtuosas en el Reino Fungi, específicamente en los hongos, representan las complejas interacciones simbióticas y ecológicas que estos organismos establecen con su entorno y otros seres vivos. Los hongos son conocidos por formar redes de estructuras filamentosas, que conectan individuos tanto de la misma especie como de diferentes especies, contribuyendo significativamente a diversos procesos ecológicos. Este enigmático y fascinante papel en la salud de los bosques es el punto de partida de “Fractal”, la exposición individual de la artista Paz Irarrázaval, compuesta por 15 piezas únicas, que se inaugurará el 4 de septiembre en la sección “Gabinete” de Galería Aninat, ubicada en Alonso de Córdova 4355, Edificio CV, Vitacura.

“Los hongos llegaron a mi vida de manera inconsciente”, explica Irarrázaval. “Comencé a retratar la naturaleza, decodificando su geografía y composición desde una perspectiva más abstracta. Los representé con líneas de colores diversos, emulando sus patrones de crecimiento, tratándolos con sumo cuidado como si fueran tesoros hallados en la naturaleza. La combinación de estas líneas genera un efecto vibrante y casi hipnótico, que sugiere la belleza oculta en lo inadvertido”.

Inspirada por sus paseos por el bosque nativo, donde fotografía hongos para reinterpretarlos, la artista destaca el particular y atractivo crecimiento que los caracteriza. De ahí surge el título “Fractal”, haciendo referencia directa a la naturaleza de estas formas, cuya estructura básica, fragmentada o aparentemente irregular, se repite a diferentes escalas. Los trametes versicolor, representativos del reino Fungi, son los grandes protagonistas de esta exposición, cuyas formas son decodificadas y reinterpretadas en el propio universo botánico de la artista.

“Fractal” invita al espectador a recorrer y contemplar este conjunto de obras, conectándolo con el bosque nativo y sumergiéndolo en un entorno natural complejo y envolvente. Es una invitación a detenerse, observar y comprender, con el fin de fomentar el respeto hacia nuestro entorno natural.

Con entrada gratuita, estará disponible hasta el 9 de octubre en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Danilo Espinoza | Elisa Assler | Juan Pablo Fuentes | Magdalena Prado | Rolando Cisternas | Verónica González 

Desde el 4 de septiembre hasta el 9 de octubre 

La frase “Como si la manera de comenzar un viaje implicara siempre la manera de regresar” sugiere una reflexión sobre la forma en que nuestras percepciones iniciales moldean nuestro entendimiento y eventual retorno a una idea o experiencia. 

La concepción del paisaje como un estado reflexivo de la horizontalidad es una característica prominente en las culturas occidentales, donde se valora la extensión de la tierra y se aprecia una amplitud y apertura de los espacios. Este enfoque refleja una conexión con la naturaleza y un sentido de libertad y expansión. En contraste, en Asia, la percepción del paisaje tiende a ser vertical, influida por la geografía y arquitectura de la región, donde montañas y rascacielos dominan la vista. Este enfoque está más orientado hacia lo sobrenatural, lo divino o lo celestial, y a menudo se asocia con conceptos de jerarquía, ascensión espiritual y trascendencia.

Estas dos concepciones del mundo evidencian diferentes formas de percibir y relacionarse con el entorno, demostrando cómo la cultura y la geografía influyen en nuestra comprensión, traducción y experiencia del paisaje. La introducción y el uso generalizado de dispositivos móviles, como los teléfonos celulares, han transformado profundamente a la sociedad. Más allá de alterar la manera en que interactuamos, han modificado la composición del lenguaje visual. 

Hoy somos testigos de un cambio cultural significativo y de una “invasión” en la forma de comprender la realidad. El choque entre concepciones visuales de Oriente y Occidente respecto al paisaje pone de manifiesto las diferencias en la manera en que cada cultura percibe y representa la naturaleza circundante. En la tradición occidental, el paisaje tiende a representarse de manera realista y tridimensional, con énfasis en la perspectiva y la precisión anatómica. En contraste, en Oriente, particularmente en las tradiciones artísticas japonesa y china, se valora la simplicidad, la sugerencia y la armonía con la naturaleza en las representaciones paisajísticas. Esta divergencia refleja distintas filosofías culturales y formas de relación con el entorno natural, así como la comprensión y estructura visual del mundo. 

La muestra grupal, compuesta por seis artistas, invita a reflexionar sobre este contraste cultural en la concepción del paisaje, influenciado por fenómenos contemporáneos como las redes sociales y la nueva configuración de la realidad visual. A través de sus obras, estos artistas exploran las tensiones y diálogos entre las diferentes formas de entender y representar el paisaje en un mundo globalizado y digitalmente conectado. 

Danilo Espinoza, destacado artista visual y académico en la Escuela de Arte UC Chile, presenta a través de su obra una profunda reflexión sobre la fragilidad de la naturaleza y su relación con la vida y la muerte, utilizando como medio principal el humo sobre papel. Espinoza explora la vida oculta y efímera de insectos y plantas, organismos que, aunque frecuentemente ignorados, son fundamentales para el equilibrio ecológico. El humo, controlado, pero también sujeto al azar, se convierte en una metáfora de la transitoriedad y la delicadeza de la existencia, recordándonos la impermanencia de todo lo  natural y la necesidad de observar con atención aquello que usualmente pasa desapercibido en nuestro entorno. 

Elisa Assler explora en su obra un diálogo íntimo y táctil con la tela, transformando sus imperfecciones en protagonistas visuales. Sus pinturas no se limitan a la aplicación de color sobre una superficie lisa; en cambio, Assler acoge las cicatrices, pliegues e irregularidades inherentes al material como un componente esencial de su proceso creativo. Estos elementos accidentales se convierten en un puente hacia lo inesperado, donde la interacción entre la artista y la tela permite que surjan figuras y relieves imprevisibles. Assler no busca la perfección, sino una danza con la pintura que resalte la honestidad del proceso, desafiando la limpieza y el control, para relevar una experiencia visual profundamente conectada con la textura y la corporeidad del color. 

Juan Pablo Fuentes, diseñador y artista, centra su obra en cuestionar la obsesión contemporánea con la autoimagen y el narcisismo digital. A través de espejos intervenidos con pintura automotriz perlada, Fuentes elimina la capacidad de reflejarse, desafiando la necesidad de constante aprobación visual. Inspirado por los pioneros del minimalismo, como Judd y Morris, su trabajo fusiona arte y diseño, rompiendo las fronteras entre ambas disciplinas. Con un enfoque en la sociología y la antropología del consumo estético, Fuentes crea piezas funcionales y conceptuales que invitan al espectador a reconsiderar su relación con la belleza y el ego en la era digital. 

Magdalena Prado se distingue por su exploración profunda y meticulosa del papel como soporte y materia prima en su obra. A lo largo de más de nueve años, ha desarrollado una práctica artística que desafía los límites tradicionales del material, transformando el papel en un elemento vivo que revela su propia textura y luz a través de procesos como el desbastado y la superposición. Prado utiliza gestos precisos, como la remoción y degradación del papel, para crear instalaciones que invitan a una meditación sobre la materialidad y el acto de creación. Su trabajo se caracteriza por una interacción íntima entre cuerpo y materia, donde la artista se enfrenta a sí misma y a su medio en un proceso continuo de autodescubrimiento y experimentación.

Rolando Cisternas, artista visual y dibujante de Talca, ha desarrollado una obra que explora la relación entre el tiempo, la naturaleza y la materia a través de su dominio del dibujo y la experimentación con múltiples soportes. Su trabajo evoca paisajes desolados y atmósferas atemporales, como si la naturaleza hubiera recuperado territorios abandonados por la humanidad, dejándolos al capricho del caos temporal. A través de trazos vigorosos y técnicas diversas, Cisternas crea imágenes que parecen ser huellas arqueológicas de un mundo en transformación, explorando la inestabilidad de los materiales y la fugacidad del tiempo. Sus obras, a menudo multidisciplinarias, juegan con la posibilidad de la desaparición y la mutación, ofreciendo una visión poética y crítica de un mundo que se desvanece y se redefine constantemente.

Verónica González, artista chilena con formación en Bellas Artes y Estética, ha desarrollado una obra profundamente influenciada por la naturaleza, integrando elementos botánicos y orgánicos en su trabajo. A lo largo de su carrera, ha buscado constantemente renovar su lenguaje visual, evitando la repetición y desafiando la comodidad de lo familiar. Inspirada por los paisajes de Chile y Colombia, su obra celebra los patrones recurrentes de la naturaleza, como espirales y secuencias repetitivas, utilizando materiales como seda y papel para crear formas etéreas y aparentemente ingrávidas. Cada pieza es única, reflejando la singularidad de la naturaleza misma, y busca conectar emocionalmente con el espectador a través de paisajes botánicos y serenos.

Con entrada gratuita, estará disponible hasta el 9 de octubre en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

Nacido en Francia en 1840, Monet fue la figura clave del movimiento impresionista y un innovador que se adelantó a su tiempo en el estudio del color. Durante mucho tiempo fue considerado como un artista muy poco comercial por la sociedad de la época, sino que más bien catalogado como experimental. 

Pero fue en una exposición en 1874 cuando saltó a la fama, transformando el arte moderno con su énfasis en las pinceladas ligeras, los colores brillantes y la naturaleza despejada. Convirtiéndose en un artista que creó un estilo de pintura inimitable. 

Famoso por sus paisajes y series de cuadros que captaban la misma vista en diferentes condiciones atmosféricas momentáneas, Monet es considerado uno de los artistas más grandes e influyentes de todos los tiempos.  

Sus innovaciones en el estudio del color y la luz causaron tanta admiración como rechazo, pero se adelantó lo justo a su tiempo como para ser considerado un innovador y tener éxito al mismo tiempo. 

Desde sus primeras obras, Monet logró expresar su percepción de la naturaleza y los paisajes al aire libre a través de los cambios de la luz y el contraste de tonalidades, técnica que perfeccionó con el paso del tiempo. 

Murió a los 86 años, consagrado como una leyenda. Estaba prácticamente ciego, pero al morir tenía un pincel en la mano. En esta nota te contamos sobre 5 cosas que probablemente no sabías de Monet, algunas curiosas y otras llamativas, que vale la pena conocer: 

1. Tras sus primeras frustraciones artísticas, Monet intentó suicidarse en 1868, saltando al Sena. Y poco también se sabe sobre la lucha que llevó contra la depresión a lo largo de su vida. 

2. Fue una figura clave del movimiento impresionista, porque fue uno de sus cuadros: “Impresión, sol naciente”, el que bautizó esta corriente artística. Considerado uno de los fundadores del movimiento, sentó las bases de este estilo artístico. Su concepción del arte no pretendía contar una historia, sino plasmar, según su punto de vista, las impresiones y sensaciones que experimentaba a la hora de pintar.

Transformó el arte moderno con su énfasis en las pinceladas ligeras, los colores brillantes y la naturaleza despejada. 

3. Renoir pintó un cuadro de Monet que tituló “Monet pintando en su jardín en Argenteuil”. 

4. La obsesión de Monet con los Nenúfares lo llevó a crear más de 250 pinturas al óleo representando las delicadas flores, mayormente durante sus últimos 30 años de vida. La serie de los Nenúfares ha sido caracterizada como “La Capilla Sixtina del Impresionismo” y está exhibida en museos de todo el mundo. 

5. Fue diagnosticado con cataratas en 1912 y sus obras cambiaron drásticamente. Alrededor de sus 65 años, los cuadros que pintaba experimentaban tonos y luces que no se veían en los anteriores, dado que su dañada visión lo llevó a un limitado espectro de color, donde no podía ver violetas y azules. Sus cuadros se tornaron más oscuros, con tonos más rojizos y pinceladas más violentas. 

Milagros Schmoll, de nacionalidad argentina, reconocida modelo internacional y musa de grandes diseñadores como Jean Paul Gaultier, es también una destacada artista con estudios en la prestigiosa Escuela Central Saint Martins de Londres. 

Hoy presenta sus obras al público chileno por primera vez en Aninat Galería en CV Galería, donde transita el camino del arte en absoluta libertad. 

La muestra “La pintura como lugar” es un homenaje a Claude Monet, cuya referencia artística la ha guiado en el desarrollo de su identidad pictórica y estará abierta a partir del 13 de agosto. 

Milagros Schmoll pertenece a la generación post internet, artistas que participan del final del siglo XX y a la vez son testigos del comienzo del mundo actual. Nacen en 1989, cuando cae el Muro de Berlín, aparece la web y la realidad analógica convive con las pantallas del metaverso digital. Aunque conviven con los avances tecnológicos, es un momento en el cual se vuelve a pintar. En este contexto, Milagros transita el camino del arte con absoluta libertad. El nomadismo estilístico de sus paisajes abstractos se articula al ritmo de las diferentes culturas que fue incorporando en su vida. Como los pintores viajeros que llegaron a Sudamérica para documentar la cultura del Nuevo Continente, Milagros va dejando rastros de las ciudades en las que vivió. Sus pinturas evidencian sus vidas paralelas, en un recorrido que empieza con su formación en Buenos Aires y sigue con una carrera en el mundo de la moda que la llevó a Londres, París, Tokio y Los Ángeles, para finalmente regresar hoy a su ciudad natal. 

Su obra se fue impregnando de distintas situaciones emocionales, añadiendo elementos en cada cambio de escenario. Va incorporando sensaciones que traduce plásticamente en la tela, como un diario personal donde las texturas y los colores son el lenguaje para comunicar su interioridad. 

Para Milagros, el arte es un refugio, como la naturaleza. Pintar es su continente, el anclaje a una identidad que la define. En sus obras el paisaje ocupa un lugar central. Incorpora todos los elementos de la pintura abstracta de la historia del arte de manera actualizada. Desde los cuadros precursores de Turner, el impresionismo francés, pasando por la abstracción norteamericana, los chorreados de Helen Frankenthaler, el dripping de Pollock, hasta las raspaduras y las veladuras de Gerhard Richter, su referente más cercano. El simbolismo atraviesa toda su producción porque son paisajes imaginarios con una carga sensible de mucha intensidad. Hay una espontaneidad expresiva en los trazos mezclando materiales y recursos que se contrapone con sus largos procesos creativos que parten de imágenes mentales que se van construyendo en el tiempo. Las densas capas matéricas se acumulan y van formando una cartografía interior como capas de la memoria, donde surgen los temas de las obras. El vacío, el amor, la felicidad de un encuentro con una alma gemela y la oscuridad existencial en una obra donde acude también la música como “Digging in the dirt” de Peter Gabriel. En “Space Monet”, el pintor francés es el lugar que ella decide habitar mientras recrea de manera actualizada el último período del artista en Giverny. 

En un periodo de voracidad consumista y aceleración desmedida, Schmoll nos propone recuperar con el arte la serenidad y el silencio interior, preservando la belleza inefable de lo humano. 

Con entrada gratuita, estará disponible desde el 13 de agosto en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / sábado de 11:00 a 14:00 hrs

Conocemos sus vidas, su trayectoria artística e incluso, sus obras más famosas, pero lo que no muchos saben es cómo se sentían y qué estaban pensando estos artistas en la última etapa de sus vidas. Algunos con vidas llenas de éxito y otros, en su peor momento. 

Frida llena de heridas físicas y emocionales, Basquiat desde las calles hasta la fama y las drogas, Keith luchando con la enfermedad más tabú de la época, van Gogh viviendo en la pobreza con trastornos mentales, Picasso siendo uno de los artistas vivos más famosos del mundo y Klimt, de manera repentina  Te invitamos a descubrir las últimas obras de estos 6 grandes artistas. . 

Retrato de Mademoiselle Lieser de Gustav Klimt
Murió en 1918, a sus 55 años. 

La obra fue un encargo de una acaudalada familia judía al pintor. Se dice que la mujer visitó nueve veces el estudio de Klimt para posar para él, entre abril y mayo de 1917. Cuando el pintor murió de un derrame cerebral en febrero de 1918 el cuadro fue entregado a la familia que lo había encargado. 

La última vez que se vio la obra en público fue en una exposición en Viena en 1925, pero poco después, desapareció y permaneció en un paradero desconocido durante más de 100 años. Resurgió milagrosamente en Austria y se subastó recientemente, 

Campo de trigo con cuervos de Vincent van Gogh
Murió en 1890, a los 37 años. 

Pocos días antes de su suicidio, van Gogh ya había pintado este cuadro en el que se perciben malos augurios: un cielo tormentoso, muy oscuro para lo habitual del pintor y los cuervos saliendo del campo de trigo. 

Van Gogh estuvo visitando campos de trigo durante esa temporada que pasó en Auvers, y según dejó documentado, los pintaba para “expresar su tristeza” y “su soledad extrema”. Pocos días después de acabar esta pintura, un 27 de julio de 1890, salió a un campo similar a éste y se disparó un tiro en el estómago. 

Sandías de Frida Kahlo
Murió en 1954 a los 47 años. 

Desde los 45, su salud empeoró y comenzó a pintar bodegones y naturaleza muerta, sobre todo frutas, que se podían poner en una mesa cercana a su cama de la que ya no se pudo volver a levantar. 

La sandía se relaciona con la muerte gracias a las representaciones populares mexicanas del Día de los Muertos, ya que esta fruta aparece frecuentemente asociada a las figuras de los esqueletos. Por este simbolismo se cree que el tema escogido por Frida no era casual, ya que sentía que su muerte se acercaba. 

Justo ocho días antes de morir, Frida escribió en una de las rodajas sus palabras de despedida: Viva la vida, una frase que es capaz de resumir su trágica y hermosa figura. 

Cabalgando con la muerte de Jean-Michel Basquiat
Murió en 1988, a sus 27 años, de una sobredosis

En vida fue un artista de éxito, pero tras su joven muerte, su obra no tardó en convertirse en objeto de culto.  

Pensaba mucho que la muerte estaba cerca, rodeado siempre de celebridades y artistas víctimas de las drogas. Y su última obra, tiene algo de premonitorio, sin los elementos típicos de sus pinturas como las coronas, las letras o el mínimo de colores, cuando por regla general sus obras rebosan contrastes tonales. 

Pintura incompleta de Keith Haring
Murió en 1990, a sus 31 años, de Sida. 

Aunque al parecer esta obra no la pudo terminar, Keith la dejó incompleta intencionalmente, como testimonio de las miles de vidas que terminaban incompletas por el VIH. 

En 1998 fue diagnosticado con Sida, enfermedad que finalmente le arrebató la vida en 1990. Durante sus últimos años, continuó trabajando incansablemente, utilizando su arte como una plataforma para educar y concientizar sobre el virus y sus efectos devastadores en la comunidad LGBTQI+- 

Mujer acostada y cabeza de Pablo Picasso
Murió en 1973, a sus 91 años. 

Inició este cuadro en febrero de 1973 y durante los meses posteriores, se dedicó al dibujo y las acuarelas. Retomó esta pintura, un retrato de su última mujer, Jacqueline Roque, un día antes de morir, para aclarar algunos tonos.