Marzo, el mes de la mujer, se viene lleno de novedades y panoramas en CV Galería. Empezamos este viernes 8, con la visita de la talentosa artista nacional, Paola Podestá, para una nueva versión de la Residencia Muralista. 

Te invitamos a ser parte de esta experiencia de arte efímero en vivo, donde Paola pintará “Tris”, una obra que reflexiona sobre el placer femenino, para visibilizar lo invisible. 

Conversamos con Paola, sobre su trayectoria artística, inspiraciones y reflexiones sobre el rubro artístico femenino y los desafíos que aún faltan para el género. 

¿Cómo empezó tu carrera artística? 

“Empezó tímidamente en muestras colectivas con escultores, pero la “instalación” definitiva de mi trabajo en la escena ocurrió con mi primera exposición individual “On/Off” en el Centro de Extensión de la Universidad Católica, donde hice unas pupas de mariposa gigantes de napa blanca, con aplicaciones de luz led y bandas sonoras que cambiaban con la presencia de espectadores, gracias a sensores de movimiento. 

En esos años (1998), para poder ver la luz emitida por leds, se necesitaba que la sala estuviera oscura, por lo que la muestra se realizó en penumbra. Me acuerdo que duró bastante y entremedio me fui de vacaciones. Al llegar, fui a visitarla y me dio mucho miedo entrar… jajaja, en mi propia muestra. Hoy, lo considero como un gran acto de osadía. En su minuto fue inconsciente, solo tenía muchas ganas de experimentar y salir de mi capullo artístico. Ese fue mi “debut” oficial, y el momento cuando comencé a sentirme una artista. Antes de eso solo hubo muchas dudas”. 

¿De qué se trata tu técnica e inspiración? 

“Mi técnica va cambiando según cada proyecto. He trabajado con cerámica, iluminación, robótica, textiles, papel, gastronomía, editorial, sonido, video y pintura. Siempre mi inspiración ha sido; representar lo invisible, la ornamentación, el patrimonio arquitectónico, el graffiti, los patrones en el diseño, la vida y más que ella, la muerte. 

Creo que una tiene que buscar los medios y técnicas más atingentes a cada mensaje que se quiere comunicar, aprendiendo a veces técnicas o métodos desde cero, por lo que ha sido clave trabajar en equipo. Hay momentos del proceso que trabajo sola (creación), pero habitualmente para la ejecución tengo colaboradores en diseño gráfico, audiovisual y técnico en distintos materiales. Pienso que en ese intercambio hay mucha riqueza y los proyectos jamás verían la luz como lo han hecho sin tener con quien “pensar” y “ejecutar” las obras del mejor modo posible. Ser artista es un trabajo exigente, aunque las personas suelen tener el estereotipo de que una es poco funcional. Genero trabajo, pago impuestos y soy mi propia agente, empleada y gerente”. 

¿Cuál es tu sello? 

“Diría que más que un estilo, pienso que una característica de mi trabajo podría ser la mezcla entre los procesos manuales y otros asistidos por la tecnología, esta dialéctica que hay en lo análogo que en esta obra va de la mano con la tecnología de punta. Lo manual tiene algo escaso, dedicado, meditativo, versus la inmediatez de las soluciones tecnológicas. Tal vez esto ha hecho que mis trabajos tengan un sello personal. 

Reconozco en mí una influencia del diseño -disciplina en la que fui docente por 13 años-, que con su metodología ordena la producción y me permitió anticipar y solucionar problemas antes que las obras estén terminadas, como su montaje, almacenamiento y traslado; todo muy protegido, liviano y eficiente. 

Normalmente mis proyectos son de largo aliento (mínimo 3 años) y soy bastante obsesiva, pero igualmente gozadora”. 

¿Qué significa para ti el arte? 

“Para mi el arte, la música, la danza, el teatro, la literatura, el vestuario, el diseño, el cine y las aplicaciones de estas manifestaciones, son una ventana, un “atisbo” de verdad y belleza, de espíritu superior que nos conecta con lo invisible y a veces también nos permite ver la realidad cuando no podemos (o queremos) verla. El arte nos toca, nos recuerda que estamos vivos, nos permite conexión entre cuerpo y mente. Parafraseando a Kant, el arte -y la ciencia- son un escenario posible que se anticipa a los cambios que necesita hacer la sociedad. Es un espejo crítico que nos obliga a reflexionar y sin el arte no hay anticipación y menos, reflexión”. 

¿Qué buscas transmitir con tus obras? 

“Me interesa hacer gozar y reflexionar a los espectadores en el mismo acto. Normalmente mis obras suelen ser bellas y llamativas, elemento bastante ausente en el arte contemporáneo, pero no por ello dejan de ser críticas y corrosivas. Me gusta emocionar y dejar a las personas pegadas en el contacto con una obra, dejarles “tarea” para la casa”. 

En relación al Mes de la Mujer, ¿cuál crees que es el rol femenino en el arte? ¿Crees que es un rubro amigable para la mujer? 

“El rol de las mujeres en el arte es el mismo que el de los hombres, pero sin duda alguna, se nos dificulta hacer y aún más, vivir de este rubro. Partiendo por la historia de éste, que durante milenios enteros, invisibilizó el arte femenino y que hoy están siendo “revisitados” casi arqueológicamente, por mujeres historiadoras, para dar su lugar a grandes artistas femeninas que generalmente fueron la “pareja de” artistas famosos, que sin el apoyo y reflexión de ellas, no hubieran tenido la notoriedad que tuvieron. 

O artistas que fueron “activadoras” de movimientos completos de creadores de varios ámbitos y que pocos conocen. Está normalizado que en las parejas de artistas, que el hombre salga al medio a hacer carrera y la mujer cuide aspectos domésticos, siendo que otra opción podría ser al revés, o turnarse. 

El cambio viene desde la educación en colegios y universidades, donde habría que incluir a estas mujeres invisibilizadas cuyo trabajo suele ser mucho mejor que el de los famosos que las “absorbieron”. Los espectadores tienen escasa instrucción sobre arte contemporáneo, suelen preferir arte figurativo o clásico, códigos estéticos donde se sienten cómodos. A las personas les cuesta entender que invertir en arte es como invertir en acciones, a diferencia que solo te puede ir bien, porque los artistas se hacen cada vez más reconocidos (no hay riesgo). Eso pasa por considerar el arte como un trabajo y no como un hobbie de autoexpresión”. 

Cuéntanos sobre la obra que realizarás en la Residencia Muralista

“La obra Tris reflexiona sobre un tema que se habla poco, el placer femenino. En general ese momento, que es como una perla preciada, se da cuando desconectamos la mente del cuerpo y ocurre magia. Es como si desconectáramos el computador y la impresora tuviera la libertad de dibujar imágenes propias, de su voluntad. ¿Qué ocurre cuando nuestro cuerpo puede hablar?, ¿cómo darle forma a ese efímero momento sensorial femenino? Mi investigación en esta Residencia insistirá en aquello. 

El mensaje a comunicar tiene que ver con visibilizar lo invisible, lo que se siente real en el universo de cada cual, aunque solo podamos compartirlo a través del lenguaje… Es una invitación a gozar y a celebrar la vida femenina aunque sea un día doloroso, con mucha carga histórica y que ya casi con cien años de lucha en sus 4 olas de feminismo, aún no ocurren los cambios necesarios para que nosotras podamos ser quienes somos, en toda nuestra dimensión y diversidad, abarcándonos a todas. 

Es una invitación a empoderarse desde la fuerza que viene de nuestra intuición, de nuestro interior, aquel que nos legaron nuestras madres, abuelas y que compartimos con nuestras congéneres. ¡Fuerza mujeres! Estamos juntas”. 

Te invitamos a participar en la Residencia Muralista este viernes 8 de marzo en Nivel Terraza (-1), desde las 18:30 hasta las 22:30 hrs.

El sábado 06 de enero nos visita el talentoso artista nacional Diego Barrionuevo, más conocido como Diego Barriokowicz, para una nueva versión de la Residencia Muralista en CV Galería. 

Te invitamos a ser parte de esta experiencia de arte efímero en vivo, donde Diego a través de la improvisación, creará una obra especialmente para nuestro espacio. 

En esta entrevista conocerás más sobre Diego, un diseñador de profesión pero ilustrador y muralista de corazón, quien nos cuenta sobre su trayectoria artística e inspiraciones. 

¿Cómo empezó tu carrera artística?

“Creo que la genética aporta mucho. Mi mamá es escultora de Bellas Artes y mi papá era poeta y durante mi infancia le dediqué varias horas al dibujo. Si bien entré a estudiar Diseño y siempre le dedicaba varias horas al arte, mi carrera artística empezó a una edad madura. Luego de trabajar años en publicidad, decidí participar el 2014 en un curso de pintura de Extensión de la PUC y desde ese momento, no he parado de trabajar en mi camino para profesionalizar mi oficio. Participé en dos tutorías de crítica de obra que  me ayudaron a ver con más claridad los alcances y características que estaba tomando mi trabajo”. 

¿De qué se trata tu técnica e inspiración? 

“Mi técnica tiene que ver con diseñar o modificar herramientas propias para pintar. En este caso rodillos y reglas / formas que ocupo como plantillas. Experimento y veo qué ocurre con el uso, rastro, huella, dirección, repetición, presión y carga de pintura que dejan estas herramientas sobre diversos soportes. 

Mi inspiración es lo orgánico y biomórfico, los sistemas de micro o macro escala, la figura (ser) el fondo (entorno)”.

¿Cuál es tu sello?

“Más que “mi” sello, creo que el trabajo en sí va dando señales de lo que quiere convertirse. Siento que hay que estar atento a las distintas etapas del proceso que uno va generando esa sinergia en la que el trabajo empieza a adquirir vida propia y un aspecto particular. El empleo del tipo de herramientas más atípicas para pintar pudiese considerarse como sello”. 

¿Qué significa para ti el arte? 

“El arte es una capacidad sensorial de reproducir y percibir libremente para que los sentidos y la mente interactúen. Para mí, el arte es una búsqueda personal que se quiere compartir, una obsesión por producir y observar, que conecta y tiene características terapéuticas”.

¿Qué buscas transmitir en tus obras? ¿Qué mensaje te gusta dejar en cada una de ellas? ¿La sensación que buscas provocar en el espectador?

“Si bien en mis trabajos el aspecto visual es de características orgánicas, la pintura biomórfica emplea el automatismo para acceder a la conexión inconsciente con realidades internas. El espectador inevitablemente complementa configurando sus propias imágenes y relaciones que establece con sus propios proceso mentales e internos”. 

Te invitamos a participar en la Residencia Muralista este sábado 06 de enero en Nivel Botánica (-2), desde las 19:30 hasta las 22:00 hrs. Entrada gratuita. 

Galería Aninat presenta la exhibición “Pantallas Blandas” de Mariana Najmanovich, quien en los últimos años ha realizado proyectos y exhibiciones individuales en el Museo de la Solidaridad, el Museo Nacional de Bellas Artes y Metales Pesados Visual.

Artista multidisciplinaria, Mariana investiga el uso de diferentes materialidades para desarrollar sus trabajos. Su cuerpo de obra reúne pintura, instalaciones y videos. En “Pantallas Blandas” nos invita a reflexionar sobre la irrupción de la tecnología, la robótica y la inteligencia artificial en la vida contemporánea.

Mariana utiliza imágenes de archivo y la sobre posición de imágenes en la composición de sus trabajos. En ellos utiliza pinturas al óleo y diferentes elementos como silicona, texturas y reproducciones de objetos en escalas diversas, y actualmente está trabajando con generadores de imágenes que utilizan la IA para hacer partes de sus escenas que luego traslada a la pintura. Las piezas concluyen, en algunas ocasiones, en objetos tridimensionales compuestos por pinturas insertadas en pieles de silicona, invitando al espectador a descubrir narraciones complejas impregnadas de particularidades psicológicas.

La barbarie es frecuente en su obra, ha explorado los horrores de Colonia Dignidad y la Guerra, y en esta nueva línea de investigación se centra en los alcances de la tecnología aplicada a la corporalidad humana: desde las prótesis usadas en las víctimas de las guerras, pasando por las muñecas sexuales, hasta la inteligencia artificial y la robótica.

“Entre los años 2019 y 2021 recolecté una serie de objetos elaborados con silicona y otros materiales similares que simulan ser partes del cuerpo humano (senos, dedos, narices, lenguas, orejas, calcetines y guantes de silicona rosada entre otros)”, comenta Mariana.

“Pantallas Blandas”, exposición individual de Mariana Najmanovich que comienza el 17 de enero hasta el 27 de marzo, nos presenta una serie que no nos deja indiferentes, en donde la deshumanización, producto de las tecnologías, es un contenido transversal a los relatos tras cada obra, intrigando, y a ratos perturbando al espectador, interpelándonos sobre nuestra propia relación con la acelerada digitalización de nuestras vidas.

En palabras de la artista: “la serie está compuesta por obras que toman como punto de partida la referencia de muñecas sexuales con I.A., en donde aparece la idea de la piel y su representación mediante silicona, como elemento que imita, pero a su vez perfecciona los rasgos de su modelo, para así omitir la vulnerabilidad propia de la condición humana.”

Mariana Najmanovich Sirota (1983, Buenos Aires, Argentina), vive y trabaja en Santiago de Chile. Luego de estudiar Artes Plásticas con mención en Pintura en la Universidad Finis Terrae de Chile, Mariana realizó un Máster en Creación Artística en la Universidad de Barcelona. Ha expuesto su trabajo en distintas galerías y museos, como Museo de Artes Visuales MAVI-UC, M100, Museo de la Solidaridad, MAC y Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago de Chile; Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Museo de América en Madrid, Sobering Gallery en París y la Tyler Art Gallery de la Universidad Estatal de Nueva York (SUNY). En su obra utiliza la fotografía como antecedente documental, elaborando imágenes que deforman y manipulan las escenas a través de distintas estrategias pictóricas. Los trabajos que construye reflexionan sobre la distorsión psicológica del ser humano en distintos contextos ligados a la violencia.

Cristián Aninat es fotógrafo artístico, gestor cultural y publicista, y actualmente está presentando la exposición “Memoria Postal” en CV Galería, exhibición en la que la obra se aventura más allá de lo inmediato. 

A través de su lente, Aninat nos lleva por un viaje donde cada imagen se convierte en un lienzo en blanco, esperando ser llenado con las emociones y recuerdos de quien le observa, y así, cada fotografía se convierte en un vínculo tangible entre la memoria individual y el entrelazado de historias que conforman nuestra experiencia común. 

Esta serie no es solo una colección de momentos capturados, sino una convocatoria a los espectadores a convertirse en coautores de un diálogo mudo, enriqueciendo con su presencia el mosaico vivo del “no lugar”, que se va construyendo en el silencioso encuentro entre la mirada del artista y la del público. 

Conversamos con Cristián, quien nos cuenta sobre su camino artístico, su estilo fotográfico y la importancia del arte en la sociedad. 

¿Cómo te defines? 

“Me defino como una persona multifacética y creativa, donde la gestión y la creación artística cumplen un rol fundamental. Dentro de mi trabajo autoral y fotográfico, me defino como un narrador visual y un observador incansable que usa la cámara para explorar y documentar la intersección entre la memoria y el paisaje natural, urbano, etc”. 

¿Cómo empezó tu camino artístico y cómo te vinculaste al mundo de la fotografía? 

“Empezó desde muy pequeño, bajo el alero de mi abuela Ana, quien me introdujo en la pintura, técnica que desarrollé durante muchos años, para más tarde, transitar a la fotografía. Esta llegó a mi como una herramienta y tremenda compañía para seguir creando y retratando, quizás de forma más inmediata, historias y momentos personales que funcionaron durante mucho tiempo como un diario de vida, un lugar muy personal y emotivo. A lo largo del tiempo me fui educando y aprendiendo que hay capas y posibilidades que entrega el relato y una reflexión a través de la fotografía”. 

¿Cuál es tu estilo y sello? ¿Qué te inspira? 

“Mi estilo es una sinergia entre lo documental y lo pictórico. Mi sello, independiente del contenido, es una especie de toc creativo que me impulsa a organizar cada elemento dentro del encuadre hasta alcanzar una armonía visual bastante obsesiva. Mi ojo se educa en la disciplina de las líneas, las formas y la interacción de los espacios, lo que me permite crear imágenes que son tanto reflexiones calculadas como exploraciones apasionadas de la estética que nos rodea. Me inspiran muchas cosas, sobre todo las experiencias, el arte y la arquitectura”. 

Cuéntanos un poco más sobre las fotografías que estás exponiendo en “Memoria Postal”. ¿Qué representan y qué quieres decir con ellas? 

“Las fotografías que expongo son un estudio del “no lugar” como un estado mental y personal. Representan la transitoriedad de la vida y nuestra búsqueda de significado en espacios que a menudo pasan desapercibidos. Con ellas, busco invitar a la reflexión sobre cómo los lugares se convierten en depósito de nuestra memoria colectiva”. 

¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar?

“Aspiro a dejar una huella en la percepción del público sobre el espacio y el tiempo. Me gustaría provocar una introspección, que cada persona encuentre un eco de sus propias experiencias en mi trabajo y que, tal vez, vean el mundo que les rodea con una nueva perspectiva”. 

¿Por qué elegiste un lugar como CV Galería para hacer tu exposición?

“Elegí CV Galería por su formato innovador y el espacio que, en sí mismo, establece un diálogo con mi obra. CVG no es solo un contenedor de restaurantes, tiendas y oficinas, sino una extensión de la narrativa que intento construir con mis imágenes. La disposición y el diseño de CV Galería complementan y resaltan la meticulosidad de mi estilo, mientras que su ambiente fomenta una interacción dinámica entre la pieza y el espectador”. 

¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad? 

“El arte es un reflejo, una pregunta y a veces una respuesta. Es fundamental para la sociedad porque nos permite expresar lo inexpresable, conectar con los demás en niveles más profundos y confrontar nuestra realidad. El arte nos desafía a pensar, sentir y sobre todo, a cambiar”. 

Te invitamos a visitar la exposición Memoria Postal de Cristián Aninat en Nivel Terraza (-1), de lunes a sábado de 20:30 a 01:00 hrs. Entrada gratuita.  

En el marco del mes del diseño, Galería Aninat junto al proyecto Aqueveque Design Gallery, liderado por Juan Pablo Fuentes, se complace en anunciar la exhibición: Revelar lo invisible. Desde el sábado 25 de noviembre hasta el 17 de diciembre, la muestra estará abierta a público en la sala principal de Galería Aninat.

Revelar Lo invisible es la primera muestra grupal que reúne 11 artistas y diseñadores, que presentan obras donde exploran los espacios y fronteras de la creación de piezas que son arte y diseño. Estas piezas artísticas de carácter funcional son el punto de partida para promover en Chile la realización de creadores excepcionales.

Este proyecto conjunto,tiene por objetivo incubar y promover excepcionales voces de diseño, explorar la delgada frontera de las artes, dar una plataforma de exhibición formal y de calidad a los realizadores. La muestra además tiene un contundente programa de actividades para promover y difundir el trabajo denominado mundialmente como art desing.

La exhibición Revelar lo Invisible, es una frase del destacado artista, arquitecto y diseñador Isamu Noguchi, quien a lo largo de su trayectoria destacó la importancia entre arte y la vida, la belleza en la simplicidad y la conexión entre el ser humano y la naturaleza.

La muestra reúne 10 artistas cuyas obras exploran formas orgánicas que son inspirados en estructuras naturales. Los diseños incorporan estructuras anatómicas, conectando elementos físicos, materiales y conceptuales. Muchas piezas de esta exhibición son hechas a mano con diversos materiales, poniendo en relieve las practica de un diseño renovado y consciente, que hace referencia directa a los materiales. Las piezas evocan los gestos que conforman nuestro entorno y técnicas históricas, impulsadas por la idea de que esta muestra, es una plataforma de laboratorio, de investigación para el desarrollo de objetos limitados de diseño.

Te invitamos a visitar la exposición fotográfica “Memoria postal” de Cristián Aninat, en la que la obra del artista se aventura más allá de lo inmediato, donde el artista en su serie, reimagina el concepto de “no lugar” de Marc Augé, transformándolo de un espacio de transición a un estado mental que invita a la introspección personal y colectiva. 

A través de su lente, Aninat nos lleva por un viaje donde cada imagen se convierte en un lienzo en blanco, esperando ser llenado con las emociones y recuerdos de quien le observa, y así, cada fotografía se convierte en un vínculo tangible entre la memoria individual y el entrelazado de historias que conforman nuestra experiencia común. 

Esta serie no es solo una colección de momentos capturados, sino una convocatoria a los espectadores a convertirse en coautores de un diálogo mudo, enriqueciendo con su presencia el mosaico vivo del “no lugar”, que se va construyendo en el silencioso encuentro entre la mirada del artista y la del público. 

En su formato de exhibición vanguardista, CV Galería invita a recorrer esta muestra, en su continuo interés por promover y difundir a nuestros artistas nacionales. 

Entrada gratuita. Nivel Terraza (-1), 12:30 a 01:00 hrs.