Son las obras de arte más famosas de la historia, que hemos observado cientos de veces, pero en las que hay ciertos detalles erróneos en los que jamás habíamos reparado. Y hablamos de maestros de la pintura y la escultura de la talla de Miguel Ángel, Rembrandt o Rafael. Dedos extras, proporciones fallidas y otros “detalles” artísticos que te sorprenderá conocer. 

Se ha vuelto común que en los clásicos de la pintura, la escultura o el grabado, solo hasta épocas muy recientes hayamos comenzado a notar pequeños errores que antes eran imperceptibles. Suele suceder que con el paso de la historia, algunas piezas se vean de forma distinta, porque si bien el arte en buena medida aspira a ciertos estándares de belleza o estéticos, es creado por seres humanos y se puede plasmar la imperfección del hombre. Y a pesar de su mérito artístico, es posible encontrar errores tan simples, pero que en algunos casos han pasado años antes de que alguien se percatara. 

En esta nota te presentamos parte de los errores en las obras de arte más famosas que no todos habían notado: 

1) El Grito de Edvard Much (1893): Más que un error en la obra, se trata de un error de percepción que ha durado décadas en la mirada del espectador. Resulta que, según han afirmado críticos del arte del British Museum, este cuadro no contiene ningún grito de forma explícita ni visual. 

La pintura no es más que la reacción de un hombre que escucha un grito que se extiende por toda la pintura, pero un grito imperceptible a la vista. La razón para llegar a esta conclusión, se debe a una inscripción hecha por el pintor que dice: “Sentí un gran grito en toda la naturaleza”

2) El David de Miguel Ángel (1501 – 1504): Probablemente es la obra más famosa de Miguel Ángel y en la que se reconoce que el artista tuvo que trabajar con la base del mármol en sus manos, para definir la postura de su personaje. Sin embargo, si quisiéramos comparar las proporciones del David con las de un humano, descubriremos que no es lo más correcto como tal. 

Aunque podría ser considerado un error minúsculo, los expertos en arte y anatomía no perdonan, porque le hace falta un músculo de la espalda. Pero, una pieza, tallada en un solo bloque de piedra, no podía ser del todo perfecta. Algunos se atreven a decir que el artista se quedó sin material y por esta razón omitió este pequeño trozo de la espalda de David. 

Además, los ojos de la figura miran en direcciones distintas, un detalle que es solo visible desde cerca, puesto que a la distancia el David es una escultura que se acerca a la perfección. 

3) El Nacimiento de Venus de Botticelli (1482 – 1485): El tamaño del cuello de Venus es un error bastante popular, bastante grueso y largo, pero lo que muchos no se han dado cuenta, es del juanete que Venus parece tener en el pie izquierdo. Y que al parecer no fue ningún error, sino una decisión deliberada e intencional, a manera de broma del propio autor, pero otros consideran que se trata de un mero error de proporción. 

4) Madonna Sixtina de Rafael Sanzio (1513 – 1514): A primera vista, puede parecer que el Papa Sixto II tiene en su mano derecha 6 dedos, pero en realidad, más que un error del artista, es un desafortunado efecto óptico y lo que se aprecia es un trozo de la palma o parte interior de su mano.

Sin embargo, en los pies de la Madonna sí que observamos un sexto dedo que, al parecer, el pintor trató de borrar a posteriori, aunque aún se aprecia un pequeño bulto.

5) La Ronda de Noche de Rembrandt (1642): El guante que sostiene el personaje principal de la pintura ha causado controversia a lo largo de la historia. Dependiendo del observador, parece que se trata de un guante de la mano derecha, pero esa mano ya tiene uno. ¿Error del pintor o confusión del que mira?

Después de obtener gran éxito en España, Germán Tagle vuelve a exhibir nuevos trabajos en Chile, presentando la muestra “Ese lugar”, en Aninat Galería. 

El artista profundiza en el análisis del cambio climático y los efectos en la transformación del paisaje. 

“Ese lugar” es el nombre de la exposición que reúne 22 piezas recientes, luego de su exitosa incursión en el mercado español, y la muestra invita a reflexionar, desde la plástica contemporánea, sobre el paisaje, la pintura y la cultura. 

Germán Tagle retorna a Galería Aninat con una intensa reflexión plástica en torno al paisaje, la crisis medioambiental y la cultura contemporánea. Su obra reflexiona en sus trabajos en torno al paisaje, observando la transformación del entorno natural debido a la manipulación humana.

Desde sus inicios, el artista combina audazmente la mancha expresionista y la tela estampada, creando una representación sintética del mundo natural y arquitectónico. Esta fusión de elementos, evoca un mundo idílico marcado por la mano del artista.

Inspirado por la ciencia ficción de autores como J.G. Ballard, aborda en su obra reciente la crisis ambiental, utilizando la belleza inquietante de la imaginación apocalíptica. Sus pinturas, donde la presencia humana es notablemente ausente, revelan un mundo de paisajes imaginarios y resistentes.

Una característica destacada de su trabajo es la fusión de elementos botánicos con la precisión del stencil en su técnica, generando nuevos espacios pictóricos.

Germán explora técnicas que amplían su práctica anterior, adoptando un carácter referencial. Este gesto le permite explorar nuevos horizontes discursivos en “Ese Lugar”, ofreciendo una mirada donde la naturaleza prevalece y se refuerza, con el diseño de montaje de Paco Barragán.

Según César Gabler, curador de la muestra, “El gesto de Tagle tiene consecuencias cromáticas y técnicas, y creo también, culturales. Lo que el artista hace con su pintura es permitir el acceso a la imaginación e instala aquello como un horizonte de posibilidades pictóricas y discursivas. Estas pinturas son posibles a partir de una premisa muy sencilla y dramática: el mundo que conocemos ha desaparecido, la humanidad está extinta, las plantas no. Pero en vez de lamentarlo, el artista se fascina con lo que ve, e inventa los modos de plasmarlo según su nueva lógica. No hay pesimismo y sí esperanza. Para hacerlo nos ofrece un puñado de imágenes fascinantes. En estas pinturas, que remiten al género del paisaje, Tagle espera que el espectador “vea esta repetición de elementos, como signos que son direcciones, una forma de volver a casa. Volver a casa visto desde lo literal a lo metafísico. Volver a estar en contacto con los ciclos de la naturaleza, lograr que el ser humano vuelva a su centro.”

Germán Tagle (Santiago, 1976), estudió arquitectura en la Universidad Finis Terrae durante los años 1995 al 2000, para luego embarcarse en un proyecto de trabajo artístico de manera autodidacta.

En 2003 parte de viaje a Nueva York y luego a Argentina el 2004. Para instalarse, entre el 2005 y 2010, en Nueva York, donde comienza a exponer constantemente. Destacan sus muestras individuales New Empire y Eternal Return en Elga Wimmer PCC, en 2009 y 2010 respectivamente. El Museo del Barrio en Nueva York acogerá, en su bienal del 2007 y luego en exposiciones colectivas en 2013 y 2017, su pintura, como uno de los representantes más destacados de la nueva generación de artistas visuales latinoamericanos.

En 2010 vuelve a Chile. Desde entonces, su experimentación con soportes variados no deja de emplear diferentes telas, páginas de libro y otros. Su trabajo de la imagen se concibe como una continuación, de la imagen conocida sobre la que se aplican densas capas de acrílico y empastes enfáticos con vehemencia.

Su trabajo ha sido expuesto en muestras colectivas en países como, Chile, Argentina, Perú, Brasil, México, Colombia, EE. UU., Italia, Lituania y España, además de ferias de arte contemporáneo como Untitled Miami, ZonaMaco México D.F., ArtBO Colombia, Estampa Madrid, entre otras.

Es parte de importantes colecciones tanto privadas como publicas, entre ellas; El Museo Del Barrio, NY, Colección Engel, Chile y Juan Entrecanales, España.

Durante julio y agosto de este 2021, inaugura individualmente “Futuro Esplendor”, en Galería Aninat. Luego, en noviembre de este mismo año 2021 inaugura una segunda muestra individual, esta vez en la galería Daniel Cuevas en Madrid.

Este año 2024, sus proyectos incluyen su segunda muestra individual en Aninat Galería , Chile en abril, y luego en septiembre su segunda muestra individual también en Galería Daniel Cuevas en Madrid durante el mes de septiembre.

Con entrada grautita, estará disponible hasta el 18 de mayo en Aninat Galería, Nivel Terraza (-1). Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 hrs / Sábado de 11:00 a 14:00 hrs.

En el marco de la conmemoración del mes de la mujer, este jueves 21 de marzo inauguramos la exposición fotográfica “Lo femenino en 6 miradas”, en CV Galería. 

La muestra es una invitación a complejizar el concepto de “lo femenino”. 

Cada una de las artistas enfrenta el tema desde distintos lugares y desde los más variados estilos fotográficos, levantando preguntas sobre las maravillas y las dificultades que significa ser mujer en el mundo de hoy. 

Andrea Manuschevich, retrata a niñas gimnastas en sus dormitorios, abriendo una discusión sobre el equilibrio entre el rigor y la infancia. Emilia Edwards, observa a sus dos hijas crecer, haciendo público un mundo que acostumbra a ser solo de las mujeres. Fernanda Opazo, también enfrenta el complejo mundo de la maternidad representando, a través de esculturas caseras, el difícil balance entre crianza y control.

Por otro lado, Lucía Fernández -Muriano, utiliza su propio cuerpo e historia para representar a las miles de artistas que componen la identidad. 

Valentina Osnovikoff, crea su propio vocabulario para mostrarnos el abanico de emociones diarias con las que observa su propia vida. Mientras que Natalia Vial, nos lleva a lo más privado de los mundos, fotografiando extractos de sus diarios de vida acumulados por más de 20 años, invitándonos a entender y ser parte de sus experiencias como mujer. 

Lo interesante de esta selección es que ninguno de estos trabajos podría haber sido hecho “sin ser mujer” y sin embargo ninguna trabaja “lo femenino” desde los conceptos que acarreamos históricamente; no vemos rosas ni pelos moviéndose suavemente al viento, pero sí vemos mujeres complejas, intentando llevar los distintos roles que vamos asumiendo de una manera íntegra y lo más resultas posible. 

Conversamos con Javiera Infante, curadora de la exposición, quien nos cuenta más detalles de su trayectoria artística y la muestra que estará exhibiéndose en el Nivel Terraza (-1) de CV Galería. Te invitamos a leer su entrevista. 

¿Quién eres? 

“Soy fotógrafa de profesión. Salí del colegio y me fui a estudiar a Estados Unidos. Primero estudié un BFA en The Corcoran School of Art en Washington DC y luego me fui a Boston a estudiar un Máster en Arte en Massachusetts College of Art. 

Volví después de 12 años a vivir a Chile, con ganas de dedicarme a la academia para poder proponer maneras nuevas de entender la fotografía. Trabajé en varias universidades y tuve mi laboratorio oscuro donde hacía mi propia obra que expuse varias veces. 

Después de más de 10 años de experiencia docente, me independicé y armé el programa de tutorías para fotógrafos que dirijo hasta  hoy. Me dedico de lleno a guiar procesos creativos y a armar proyectos que difundan la fotografía contemporánea. Mi trabajo autoral lo tengo en pausa desde la pandemia. Algún día retomaré pero por ahora no me ha hecho falta”. 

Cuéntanos sobre la exposición y que les gustaría transmitir con las fotografías 

“En esta exposición cumplo el rol de curadora. Cada vez que me invitan a armar un proyecto, selecciono trabajo de fotógrafos que han pasado por mi taller; conozco bien su trabajo, sus intereses y que admiro muchísimo. 

La exhibición tiene como objetivo ampliar la idea de lo femenino. Invité a 6 mujeres artistas que tratan temas del mundo femenino desde lugares muy distintos. Van desde la complejidad de la crianza hasta la definición de la personalidad como mujer en el mundo de hoy”. 

¿Quiénes participan? 

“Participan 6 fotógrafas. Todas ellas han sido parte del programa de tutorías, uno o más años. 

1. Emilia Edwards es periodista y actualmente está haciendo un PHD en la Universidad de Texas. Siempre ha tomado fotos de manera paralela. Esta vez presenta un trabajo en el que fotografía la infancia de sus hijas vistas desde el punto de vista materno. 
2. Lucía Fernández- Muriano es fotógrafa profesional y trabaja de manera independiente. Esta vez presenta un trabajo que investiga visualmente la construcción de su propia identidad. 
3. Andrea Manuschevich es periodista y fotógrafa. Presentará una serie en desarrollo, en la que retrata a niñas gimnastas, apuntando al equilibrio entre infancia y exigencia. 
4. Natalia Vial es fotógrafa profesional y desarrolla su obra de manera independiente. En la serie que presenta, hace un análisis de sus diarios de vida de hace 20 años atrás. A través de palabras claves hace referencia a episodios o emociones recurrentes a lo largo de su propia historia. 
5. Fernanda Opazo es fotógrafa y diseñadora de interiores. Actualmente es directora de arte y dirige su propio estudio (estudio Karmakat). Presenta una serie en la que fotografía “esculturas” domésticas en las que trabaja el difícil equilibrio entre el control y la crianza. 
6. Valentina Osnovikoff es fotógrafa profesional y trabaja de manera independiente. Presenta una serie en la que fotografía su entorno y vida diaria con una visualidad que representa la forma en que ella entiende al mundo. 

¿Por qué elegir un lugar como CV Galería para hacer la exposición? 

“Me parece un lugar interesante por la diversidad de público que convoca”

¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad? 

“Me parece que el arte ayuda a cuestionar nuestras propias ideas. El verse expuesto a obras que hablan de cuestiones diversas o presentan distintas maneras de entender el mundo, ayuda a explorar nuestros límites”. 

Te invitamos a visitar la exposición que estará disponible desde el jueves 21 de marzo, desde las 20:00 hasta las 02:00 hrs. En el Nivel Terraza (-1). Entrada gratuita. 

CV Galería es un espacio de espíritu amplio y nuestra esencia es la inclusión a todo tipo de personas, asimismo, la edad no es una barrera, sino un cúmulo de experiencias enriquecedoras. En un nuevo Día Internacional de la Mujer, honramos a través de Drina Rendic, a todas las mujeres, sin distinción alguna, valorando su fuerza, su ímpetu y el valor que agregan a la sociedad.

Drina Rendic tiene 81 años y es una mujer digna de admirar y destacar.
Lleva más de 40 años abocada a la gestión cultural y el empoderamiento femenino, pero desde hace un par de años, sumó una nueva causa: activista de la tercera edad, donde día a día lucha contra la discriminación de las mujeres mayores. ¿Cómo llegó hasta acá? En parte de su historia está la razón. 

Con tan solo 17 años convenció a su familia para irse a estudiar Ingeniería Comercial a la Universidad de Portland en Estados Unidos, convirtiéndose en la primera mujer extranjera de todo el establecimiento educacional. 

A comienzos de la década de los 80, volvió a Chile y empezó a destacar como gestora cultural y social. Hoy, a sus 81 años, sigue tan vigente como sus 20 ‘s. Presidenta del Capítulo Chileno del National Museum of Women in the Arts y miembro de otras organizaciones sin fines de lucro, se denomina como una “activista gerofeminista en acción”. 

Por un lado, en el Capítulo Chileno del National Museum of Women in the Arts, lucha por destacar a las mujeres en todas las disciplinas artísticas, dándoles el reconocimiento que históricamente por una cuestión de género se les ha negado. Y por otro lado, si al hecho de ser mujer, se le agrega el factor de la edad, entra en escena el “gerofeminismo”, concepto que da cuenta de esta doble discriminación. 

“Mi cruzada es tratar de convencer con un granito de arena, que los adultos mayores, sobre todo las mujeres, aún tienen mucho que contribuir. Que no sean tratadas de un modo menos favorable debido a su edad, que el número no sea un límite” explica Drina. 

Prueba de esto fue el viaje que hizo a los 68 años, sola, para estudiar Relaciones Internacionales en la Universidad de Harvard. “Sentí que a esa edad se puede estudiar, aprender algo nuevo y ser mejor que tus compañeros que tienen 25 años menos que tú. Me sentí muy dueña de mis ideas y valoré mi experiencia” contó en una entrevista anterior. 

También ha reconocido públicamente que respeta a Eleanor Roosvelt, ex Primera Dama de Estados Unidos, después de haber leído mucho sobre su vida. “Ella decía que cuando uno deja de contribuir, uno empieza a morir. Y eso le pasa a la gente cuando se retira y comienza a dejar de estar vigente” dice Drina. 

Mientras la tasa de natalidad en Chile disminuye año a año, la longevidad de la población es más latente. Drina en su cuenta de Instagram, @drinarendic, constantemente publica datos e información relevante sobre la causa, como por ejemplo, que solo un 14% de los adultos mayores de 65 años están enfermos o impedidos, mientras que el otro 86% está sano. Enfatiza en que la tercera edad tiene mucho que contribuir en la sociedad, pero que no deben automarginarse ni aceptar presiones. 

Conversamos con Drina para que nos cuente sobre su cruzada, su vida y motivaciones. Te invitamos a leer la entrevista. 

¿Por qué decidiste empezar la cruzada por la tercera edad?

“Me di cuenta que las personas de mi edad (81 años), y hasta 20 años más jóvenes, perfectamente sanas y autovalentes, se consideran obsoletas y sin proyecto de vida por delante, lo que va en detrimento de su propia salud mental y del aporte que le pueden y deben hacer a la sociedad”. 

¿Qué te mueve al empoderar mujeres y visibilizar el talento artístico femenino? 

“Hace 10 años fui contactada por el National Museum of Women in the Arts de Washington DC, que se ocupa de visibilizar y exponer el arte femenino en más de 20 ciudades del mundo. Me motivó empezar esta cruzada en Chile, aplicándola, no solo a las artes visuales, sino que a otras disciplinas de las artes porque estoy consciente que las mujeres artistas chilenas sufren de discriminación al igual que sus pares en otros rubros”. 

¿Qué te impulsa al incentivar el concepto de “gerofeminismo”?

“El gerofeminismo aborda la doble discriminación que sufren las mujeres, por ser mujeres, pero además, mayores. Obviamente me interesa actuar ahí por las razones ya mencionadas”. 

¿Te consideras feminista? 

“Soy una feminista en el sentido que procuro contribuir a que las mujeres no sean discriminadas en el mundo cultural, laboral, económico y social”.  

¿Cómo es un día en la vida de Drina Rendic?

“Muy ocupado, entretenido y poco rutinario. Trato de equilibrar las labores propias de mi gestión cultural con el networking y el aprendizaje constante. Es una tarea 24/7”. 

 ¿Cuál es tu mayor logro? 

“Los logros son efímeros y se van diluyendo en el tiempo a medida que se van produciendo otros. En este momento considero que procurar la visibilización de mujeres mayores sanas y con ganas, es un logro en desarrollo”.  

¿De qué te sientes orgullosa? 

“De mi honestidad y transparencia”. 

¿Cuáles son tus hobbies? ¿Qué haces en tus tiempos libres? 

“No tengo mucho tiempo libre porque el aprendizaje constante y la práctica del networking está en mi ADN. Asistir a la ópera en Chile y el extranjero es una de mis actividades favoritas, pero eso no ocurre todos los días. Y durante la pandemia me aficioné a la jardinería y al paisajismo, aunque todo eso también conlleva aprendizaje”. 

A tus 80 años eres una mujer tan activa como a los 20. ¿Cuál crees que es el secreto para mantenerse activo, independiente de la edad que uno tenga? 

“Cuidar la salud con buena alimentación y ejercicio, y sobre todo, seguir contribuyendo”. 

¿Qué consejo le darías a una mujer que está en sus 20’s?

“Que se eduque para que nunca dependa de un hombre para su subsistencia”. 

Te invitamos a seguir a Drina en su cuenta de Instagram: @drinarendic, donde periódicamente hace publicaciones destacando a personajes de la tercera edad, en diferentes ámbitos de la sociedad, y además, documenta su activismo por esta destacada causa.

Marzo, el mes de la mujer, se viene lleno de novedades y panoramas en CV Galería. Empezamos este viernes 8, con la visita de la talentosa artista nacional, Paola Podestá, para una nueva versión de la Residencia Muralista. 

Te invitamos a ser parte de esta experiencia de arte efímero en vivo, donde Paola pintará “Tris”, una obra que reflexiona sobre el placer femenino, para visibilizar lo invisible. 

Conversamos con Paola, sobre su trayectoria artística, inspiraciones y reflexiones sobre el rubro artístico femenino y los desafíos que aún faltan para el género. 

¿Cómo empezó tu carrera artística? 

“Empezó tímidamente en muestras colectivas con escultores, pero la “instalación” definitiva de mi trabajo en la escena ocurrió con mi primera exposición individual “On/Off” en el Centro de Extensión de la Universidad Católica, donde hice unas pupas de mariposa gigantes de napa blanca, con aplicaciones de luz led y bandas sonoras que cambiaban con la presencia de espectadores, gracias a sensores de movimiento. 

En esos años (1998), para poder ver la luz emitida por leds, se necesitaba que la sala estuviera oscura, por lo que la muestra se realizó en penumbra. Me acuerdo que duró bastante y entremedio me fui de vacaciones. Al llegar, fui a visitarla y me dio mucho miedo entrar… jajaja, en mi propia muestra. Hoy, lo considero como un gran acto de osadía. En su minuto fue inconsciente, solo tenía muchas ganas de experimentar y salir de mi capullo artístico. Ese fue mi “debut” oficial, y el momento cuando comencé a sentirme una artista. Antes de eso solo hubo muchas dudas”. 

¿De qué se trata tu técnica e inspiración? 

“Mi técnica va cambiando según cada proyecto. He trabajado con cerámica, iluminación, robótica, textiles, papel, gastronomía, editorial, sonido, video y pintura. Siempre mi inspiración ha sido; representar lo invisible, la ornamentación, el patrimonio arquitectónico, el graffiti, los patrones en el diseño, la vida y más que ella, la muerte. 

Creo que una tiene que buscar los medios y técnicas más atingentes a cada mensaje que se quiere comunicar, aprendiendo a veces técnicas o métodos desde cero, por lo que ha sido clave trabajar en equipo. Hay momentos del proceso que trabajo sola (creación), pero habitualmente para la ejecución tengo colaboradores en diseño gráfico, audiovisual y técnico en distintos materiales. Pienso que en ese intercambio hay mucha riqueza y los proyectos jamás verían la luz como lo han hecho sin tener con quien “pensar” y “ejecutar” las obras del mejor modo posible. Ser artista es un trabajo exigente, aunque las personas suelen tener el estereotipo de que una es poco funcional. Genero trabajo, pago impuestos y soy mi propia agente, empleada y gerente”. 

¿Cuál es tu sello? 

“Diría que más que un estilo, pienso que una característica de mi trabajo podría ser la mezcla entre los procesos manuales y otros asistidos por la tecnología, esta dialéctica que hay en lo análogo que en esta obra va de la mano con la tecnología de punta. Lo manual tiene algo escaso, dedicado, meditativo, versus la inmediatez de las soluciones tecnológicas. Tal vez esto ha hecho que mis trabajos tengan un sello personal. 

Reconozco en mí una influencia del diseño -disciplina en la que fui docente por 13 años-, que con su metodología ordena la producción y me permitió anticipar y solucionar problemas antes que las obras estén terminadas, como su montaje, almacenamiento y traslado; todo muy protegido, liviano y eficiente. 

Normalmente mis proyectos son de largo aliento (mínimo 3 años) y soy bastante obsesiva, pero igualmente gozadora”. 

¿Qué significa para ti el arte? 

“Para mi el arte, la música, la danza, el teatro, la literatura, el vestuario, el diseño, el cine y las aplicaciones de estas manifestaciones, son una ventana, un “atisbo” de verdad y belleza, de espíritu superior que nos conecta con lo invisible y a veces también nos permite ver la realidad cuando no podemos (o queremos) verla. El arte nos toca, nos recuerda que estamos vivos, nos permite conexión entre cuerpo y mente. Parafraseando a Kant, el arte -y la ciencia- son un escenario posible que se anticipa a los cambios que necesita hacer la sociedad. Es un espejo crítico que nos obliga a reflexionar y sin el arte no hay anticipación y menos, reflexión”. 

¿Qué buscas transmitir con tus obras? 

“Me interesa hacer gozar y reflexionar a los espectadores en el mismo acto. Normalmente mis obras suelen ser bellas y llamativas, elemento bastante ausente en el arte contemporáneo, pero no por ello dejan de ser críticas y corrosivas. Me gusta emocionar y dejar a las personas pegadas en el contacto con una obra, dejarles “tarea” para la casa”. 

En relación al Mes de la Mujer, ¿cuál crees que es el rol femenino en el arte? ¿Crees que es un rubro amigable para la mujer? 

“El rol de las mujeres en el arte es el mismo que el de los hombres, pero sin duda alguna, se nos dificulta hacer y aún más, vivir de este rubro. Partiendo por la historia de éste, que durante milenios enteros, invisibilizó el arte femenino y que hoy están siendo “revisitados” casi arqueológicamente, por mujeres historiadoras, para dar su lugar a grandes artistas femeninas que generalmente fueron la “pareja de” artistas famosos, que sin el apoyo y reflexión de ellas, no hubieran tenido la notoriedad que tuvieron. 

O artistas que fueron “activadoras” de movimientos completos de creadores de varios ámbitos y que pocos conocen. Está normalizado que en las parejas de artistas, que el hombre salga al medio a hacer carrera y la mujer cuide aspectos domésticos, siendo que otra opción podría ser al revés, o turnarse. 

El cambio viene desde la educación en colegios y universidades, donde habría que incluir a estas mujeres invisibilizadas cuyo trabajo suele ser mucho mejor que el de los famosos que las “absorbieron”. Los espectadores tienen escasa instrucción sobre arte contemporáneo, suelen preferir arte figurativo o clásico, códigos estéticos donde se sienten cómodos. A las personas les cuesta entender que invertir en arte es como invertir en acciones, a diferencia que solo te puede ir bien, porque los artistas se hacen cada vez más reconocidos (no hay riesgo). Eso pasa por considerar el arte como un trabajo y no como un hobbie de autoexpresión”. 

Cuéntanos sobre la obra que realizarás en la Residencia Muralista

“La obra Tris reflexiona sobre un tema que se habla poco, el placer femenino. En general ese momento, que es como una perla preciada, se da cuando desconectamos la mente del cuerpo y ocurre magia. Es como si desconectáramos el computador y la impresora tuviera la libertad de dibujar imágenes propias, de su voluntad. ¿Qué ocurre cuando nuestro cuerpo puede hablar?, ¿cómo darle forma a ese efímero momento sensorial femenino? Mi investigación en esta Residencia insistirá en aquello. 

El mensaje a comunicar tiene que ver con visibilizar lo invisible, lo que se siente real en el universo de cada cual, aunque solo podamos compartirlo a través del lenguaje… Es una invitación a gozar y a celebrar la vida femenina aunque sea un día doloroso, con mucha carga histórica y que ya casi con cien años de lucha en sus 4 olas de feminismo, aún no ocurren los cambios necesarios para que nosotras podamos ser quienes somos, en toda nuestra dimensión y diversidad, abarcándonos a todas. 

Es una invitación a empoderarse desde la fuerza que viene de nuestra intuición, de nuestro interior, aquel que nos legaron nuestras madres, abuelas y que compartimos con nuestras congéneres. ¡Fuerza mujeres! Estamos juntas”. 

Te invitamos a participar en la Residencia Muralista este viernes 8 de marzo en Nivel Terraza (-1), desde las 18:30 hasta las 22:30 hrs.

El sábado 06 de enero nos visita el talentoso artista nacional Diego Barrionuevo, más conocido como Diego Barriokowicz, para una nueva versión de la Residencia Muralista en CV Galería. 

Te invitamos a ser parte de esta experiencia de arte efímero en vivo, donde Diego a través de la improvisación, creará una obra especialmente para nuestro espacio. 

En esta entrevista conocerás más sobre Diego, un diseñador de profesión pero ilustrador y muralista de corazón, quien nos cuenta sobre su trayectoria artística e inspiraciones. 

¿Cómo empezó tu carrera artística?

“Creo que la genética aporta mucho. Mi mamá es escultora de Bellas Artes y mi papá era poeta y durante mi infancia le dediqué varias horas al dibujo. Si bien entré a estudiar Diseño y siempre le dedicaba varias horas al arte, mi carrera artística empezó a una edad madura. Luego de trabajar años en publicidad, decidí participar el 2014 en un curso de pintura de Extensión de la PUC y desde ese momento, no he parado de trabajar en mi camino para profesionalizar mi oficio. Participé en dos tutorías de crítica de obra que  me ayudaron a ver con más claridad los alcances y características que estaba tomando mi trabajo”. 

¿De qué se trata tu técnica e inspiración? 

“Mi técnica tiene que ver con diseñar o modificar herramientas propias para pintar. En este caso rodillos y reglas / formas que ocupo como plantillas. Experimento y veo qué ocurre con el uso, rastro, huella, dirección, repetición, presión y carga de pintura que dejan estas herramientas sobre diversos soportes. 

Mi inspiración es lo orgánico y biomórfico, los sistemas de micro o macro escala, la figura (ser) el fondo (entorno)”.

¿Cuál es tu sello?

“Más que “mi” sello, creo que el trabajo en sí va dando señales de lo que quiere convertirse. Siento que hay que estar atento a las distintas etapas del proceso que uno va generando esa sinergia en la que el trabajo empieza a adquirir vida propia y un aspecto particular. El empleo del tipo de herramientas más atípicas para pintar pudiese considerarse como sello”. 

¿Qué significa para ti el arte? 

“El arte es una capacidad sensorial de reproducir y percibir libremente para que los sentidos y la mente interactúen. Para mí, el arte es una búsqueda personal que se quiere compartir, una obsesión por producir y observar, que conecta y tiene características terapéuticas”.

¿Qué buscas transmitir en tus obras? ¿Qué mensaje te gusta dejar en cada una de ellas? ¿La sensación que buscas provocar en el espectador?

“Si bien en mis trabajos el aspecto visual es de características orgánicas, la pintura biomórfica emplea el automatismo para acceder a la conexión inconsciente con realidades internas. El espectador inevitablemente complementa configurando sus propias imágenes y relaciones que establece con sus propios proceso mentales e internos”. 

Te invitamos a participar en la Residencia Muralista este sábado 06 de enero en Nivel Botánica (-2), desde las 19:30 hasta las 22:00 hrs. Entrada gratuita. 

Galería Aninat presenta la exhibición “Pantallas Blandas” de Mariana Najmanovich, quien en los últimos años ha realizado proyectos y exhibiciones individuales en el Museo de la Solidaridad, el Museo Nacional de Bellas Artes y Metales Pesados Visual.

Artista multidisciplinaria, Mariana investiga el uso de diferentes materialidades para desarrollar sus trabajos. Su cuerpo de obra reúne pintura, instalaciones y videos. En “Pantallas Blandas” nos invita a reflexionar sobre la irrupción de la tecnología, la robótica y la inteligencia artificial en la vida contemporánea.

Mariana utiliza imágenes de archivo y la sobre posición de imágenes en la composición de sus trabajos. En ellos utiliza pinturas al óleo y diferentes elementos como silicona, texturas y reproducciones de objetos en escalas diversas, y actualmente está trabajando con generadores de imágenes que utilizan la IA para hacer partes de sus escenas que luego traslada a la pintura. Las piezas concluyen, en algunas ocasiones, en objetos tridimensionales compuestos por pinturas insertadas en pieles de silicona, invitando al espectador a descubrir narraciones complejas impregnadas de particularidades psicológicas.

La barbarie es frecuente en su obra, ha explorado los horrores de Colonia Dignidad y la Guerra, y en esta nueva línea de investigación se centra en los alcances de la tecnología aplicada a la corporalidad humana: desde las prótesis usadas en las víctimas de las guerras, pasando por las muñecas sexuales, hasta la inteligencia artificial y la robótica.

“Entre los años 2019 y 2021 recolecté una serie de objetos elaborados con silicona y otros materiales similares que simulan ser partes del cuerpo humano (senos, dedos, narices, lenguas, orejas, calcetines y guantes de silicona rosada entre otros)”, comenta Mariana.

“Pantallas Blandas”, exposición individual de Mariana Najmanovich que comienza el 17 de enero hasta el 27 de marzo, nos presenta una serie que no nos deja indiferentes, en donde la deshumanización, producto de las tecnologías, es un contenido transversal a los relatos tras cada obra, intrigando, y a ratos perturbando al espectador, interpelándonos sobre nuestra propia relación con la acelerada digitalización de nuestras vidas.

En palabras de la artista: “la serie está compuesta por obras que toman como punto de partida la referencia de muñecas sexuales con I.A., en donde aparece la idea de la piel y su representación mediante silicona, como elemento que imita, pero a su vez perfecciona los rasgos de su modelo, para así omitir la vulnerabilidad propia de la condición humana.”

Mariana Najmanovich Sirota (1983, Buenos Aires, Argentina), vive y trabaja en Santiago de Chile. Luego de estudiar Artes Plásticas con mención en Pintura en la Universidad Finis Terrae de Chile, Mariana realizó un Máster en Creación Artística en la Universidad de Barcelona. Ha expuesto su trabajo en distintas galerías y museos, como Museo de Artes Visuales MAVI-UC, M100, Museo de la Solidaridad, MAC y Museo Nacional de Bellas Artes en Santiago de Chile; Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Museo de América en Madrid, Sobering Gallery en París y la Tyler Art Gallery de la Universidad Estatal de Nueva York (SUNY). En su obra utiliza la fotografía como antecedente documental, elaborando imágenes que deforman y manipulan las escenas a través de distintas estrategias pictóricas. Los trabajos que construye reflexionan sobre la distorsión psicológica del ser humano en distintos contextos ligados a la violencia.

Cristián Aninat es fotógrafo artístico, gestor cultural y publicista, y actualmente está presentando la exposición “Memoria Postal” en CV Galería, exhibición en la que la obra se aventura más allá de lo inmediato. 

A través de su lente, Aninat nos lleva por un viaje donde cada imagen se convierte en un lienzo en blanco, esperando ser llenado con las emociones y recuerdos de quien le observa, y así, cada fotografía se convierte en un vínculo tangible entre la memoria individual y el entrelazado de historias que conforman nuestra experiencia común. 

Esta serie no es solo una colección de momentos capturados, sino una convocatoria a los espectadores a convertirse en coautores de un diálogo mudo, enriqueciendo con su presencia el mosaico vivo del “no lugar”, que se va construyendo en el silencioso encuentro entre la mirada del artista y la del público. 

Conversamos con Cristián, quien nos cuenta sobre su camino artístico, su estilo fotográfico y la importancia del arte en la sociedad. 

¿Cómo te defines? 

“Me defino como una persona multifacética y creativa, donde la gestión y la creación artística cumplen un rol fundamental. Dentro de mi trabajo autoral y fotográfico, me defino como un narrador visual y un observador incansable que usa la cámara para explorar y documentar la intersección entre la memoria y el paisaje natural, urbano, etc”. 

¿Cómo empezó tu camino artístico y cómo te vinculaste al mundo de la fotografía? 

“Empezó desde muy pequeño, bajo el alero de mi abuela Ana, quien me introdujo en la pintura, técnica que desarrollé durante muchos años, para más tarde, transitar a la fotografía. Esta llegó a mi como una herramienta y tremenda compañía para seguir creando y retratando, quizás de forma más inmediata, historias y momentos personales que funcionaron durante mucho tiempo como un diario de vida, un lugar muy personal y emotivo. A lo largo del tiempo me fui educando y aprendiendo que hay capas y posibilidades que entrega el relato y una reflexión a través de la fotografía”. 

¿Cuál es tu estilo y sello? ¿Qué te inspira? 

“Mi estilo es una sinergia entre lo documental y lo pictórico. Mi sello, independiente del contenido, es una especie de toc creativo que me impulsa a organizar cada elemento dentro del encuadre hasta alcanzar una armonía visual bastante obsesiva. Mi ojo se educa en la disciplina de las líneas, las formas y la interacción de los espacios, lo que me permite crear imágenes que son tanto reflexiones calculadas como exploraciones apasionadas de la estética que nos rodea. Me inspiran muchas cosas, sobre todo las experiencias, el arte y la arquitectura”. 

Cuéntanos un poco más sobre las fotografías que estás exponiendo en “Memoria Postal”. ¿Qué representan y qué quieres decir con ellas? 

“Las fotografías que expongo son un estudio del “no lugar” como un estado mental y personal. Representan la transitoriedad de la vida y nuestra búsqueda de significado en espacios que a menudo pasan desapercibidos. Con ellas, busco invitar a la reflexión sobre cómo los lugares se convierten en depósito de nuestra memoria colectiva”. 

¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar?

“Aspiro a dejar una huella en la percepción del público sobre el espacio y el tiempo. Me gustaría provocar una introspección, que cada persona encuentre un eco de sus propias experiencias en mi trabajo y que, tal vez, vean el mundo que les rodea con una nueva perspectiva”. 

¿Por qué elegiste un lugar como CV Galería para hacer tu exposición?

“Elegí CV Galería por su formato innovador y el espacio que, en sí mismo, establece un diálogo con mi obra. CVG no es solo un contenedor de restaurantes, tiendas y oficinas, sino una extensión de la narrativa que intento construir con mis imágenes. La disposición y el diseño de CV Galería complementan y resaltan la meticulosidad de mi estilo, mientras que su ambiente fomenta una interacción dinámica entre la pieza y el espectador”. 

¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad? 

“El arte es un reflejo, una pregunta y a veces una respuesta. Es fundamental para la sociedad porque nos permite expresar lo inexpresable, conectar con los demás en niveles más profundos y confrontar nuestra realidad. El arte nos desafía a pensar, sentir y sobre todo, a cambiar”. 

Te invitamos a visitar la exposición Memoria Postal de Cristián Aninat en Nivel Terraza (-1), de lunes a sábado de 20:30 a 01:00 hrs. Entrada gratuita.