"Tu piel es arte"

Fundación Padece, Pfizer y CV Galería presentan:

"Tu piel es arte"

 

Porque el arte y la responsabilidad social son parte del ADN de CV Galería, te invitamos a visitar la exposición fotográfica “Tu piel es arte” de Fundación Padece, en Nivel Terraza (-1). Una instancia donde la piel y el arte se unen. 

A través de una serie de fotografías que invitan a mirar más allá de lo estético, la exhibición busca concientizar sobre la vida con dermatitis atópica. El destacado fotógrafo nacional Gabriel Schkolnik, fue el encargado de capturar la esencia de pacientes con esta enfermedad y transformarlas en réplicas de clásicas pinturas. 

“Para CV Galería, ser parte de este tipo de proyectos es de suma importancia. La inclusión es parte de nuestro ADN, y la responsabilidad social un deber de toda empresa que se vincula con la sociedad. Asimismo, el arte es un canal comunicacional con el que nos relacionamos con la “comunidad CV Galería”, por lo que esta unión refuerza nuestro compromiso con el arte y con proyectos que aporten a mejorar la calidad de vida de las personas”, indica Felipe Forteza, gerente Organizacional y de Cultura de CV Galería.

El presidente de Fundación Padece (Pacientes Dermatológicos Crónicos y Empoderados), Francisco Tapia Besnier, explicó que “el arte es el camino para trascender en el tiempo e instalar temas que, muchas veces, se ocultan o se desconocen. Creemos que invitar a mirar más allá de lo estético, como sinónimo de belleza, es una excelente manera de generar conciencia de las consecuencias psicológicas y emocionales que significan este tipo de enfermedades”. 

Desde esa premisa nace “Tu piel es arte”, exposición fotográfica de Fundación Padece, patrocinada por Pfizer, que incluirá; por un lado, las imágenes de pinturas clásicas famosas; y en su contracara, la fotografía de la recreación con los pacientes de Dermatitis Atópica, donde se visualizará de manera real y auténtica la enfermedad en la piel de sus protagonistas, por medio del empoderamiento de sus padecimientos. 

Mistral López, una de las pacientes que modeló para la campaña, destacó que ésta “es una oportunidad única en lo personal, luego de haberme escondido durante tantos años. Es un sueño ayudar a generar conciencia sobre padecimientos que en nuestra sociedad son invisibles. Espero que a partir de la muestra, muchos puedan comprender qué les está pasando, aún más cuando no saben cómo sobrellevarlo”. 

Además, cada fotografía contará con un código QR enlazado a un video testimonial, donde el paciente narrará en primera persona las dificultades sociales y psicoemocionales que acarrean estas dolencias. 

El fotógrafo Gabriel Schkolnick se encargó de reproducir ocho pinturas clásicas, sin ocultar sus zonas afectadas, bajo la premisa de que la “piel es arte”, siendo la diferencia, parte de la belleza. Así podrá apreciarse a: “San Jerónimo escribiendo” de Caravaggio; “Baco”, del mismo pintor; “Jorge Manuel Theotocópuli”, de El Greco; “El beso”, de Gustav Klimt; “Carlos I en tres posiciones” de Anthony Van Dyck; “El sombrero de paja” de Pedro Pablo Rubens; y “La Dama del armiño” y “La Gioconda” (la famosa Mona Lisa), de Leonardo Da Vinci. 

Gabriel Schkolnick es publicista, fotógrafo y realizador visual, entre 1993 y 1998 en Estados Unidos se perfeccionó en iluminación y laboratorio color en el School of Visual Arts de Nueva York. Es socio fundador de la revista Mala y en el año 2000 instala “Estudio Schkolnick”, donde realiza campañas publicitarias, imágenes de moda y catálogos para revistas nacionales e internacionales, trabajando para destacadas marcas. Como realizador es capaz de llevar en cada imagen, un cuadro de gran belleza y contenido. 

Con entrada gratuita, estará disponible desde el viernes 3 hasta el miércoles 8 de febrero, de 12:00 a 00:00 hrs. en Nivel Terraza (-1), CV Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura. 

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Proyecto Conecta: muebles, diseño y arte de Lanz Espacios

Proyecto Conecta: muebles, diseño y arte de Lanz Espacios

 

El sábado 28 de enero se exhibirá en CV Galería el proyecto de muebles “Conecta” de Lanz Espacios.

Son siete mesas intervenidas artísticamente por destacados pintores nacionales, bajo una instancia que busca conectar una nueva experiencia en el diseño de muebles, tomando en cuenta la simplicidad, sustentabilidad y baja emisión en la huella de carbono para su fabricación. 

Lanz Espacios, empresa de diseño y desarrollo mobiliario para empresas, arquitectos, diseñadores y decoradores, creó esta instancia con el objetivo de diseñar y desarrollar mobiliario con tecnología CNC, es decir, un concepto que sea fácil y rápido de armar, que no utilice tornillos ni quincallería, sea sustentable y su fabricación deje una baja emisión en la huella de carbono, utilizando maderas renovables (terciados y tableros en finger joint), fabricadas en el mismo país donde se comercializan. 

A raíz de esta iniciativa, nace el proyecto Conecta, para acercar el diseño al arte, disciplinas que en combinación pueden hacer de tu espacio, un lugar más acogedor. “El arte no solo debe estar colgado en una pared o en un pedestal, sino que también podemos crear una experiencia distinta en apreciar una obra de arte expresada en una mesa con diseño, que puedes usar en la vida cotidiana para tomar café” explica Martín Lanz. 

Bajo una selectiva curatoría, Lanz Espacios invitó a 7 destacados pintores nacionales para que intervinieran artísticamente las mesas, bajo ciertos conceptos de simplicidad, sustentabilidad y con un diseño que conecta con el arte. Los artistas que se adhirieron al proyecto son: Francisca Cerda, Benito Rojo, Soledad Correa, Andrés Vio, Alejandro Quiroga, Margarita Garcés y Totoy Zamudio. 

Las mesas intervenidas serán exhibidas el sábado 28 y domingo 29 de enero en el Nivel Calle (1) de CV Galería, donde los asistentes podrán apreciar “que el mueble en general con diseño simple y sustentable también puede ser una alternativa viable para cambiar nuestra manera de consumir o decorar un espacio, ya sea privado o comercial” resume Lanz. 

Además, podrás aprovechar de visitar otros espacios orientados a la decoración y el arte en CV Galería, como Moblash, tienda de mobiliario de diseño brasileño; la vanguardista galería de arte Aninat Galería, o disfrutar un exquisito brunch en Nora Elemental o almorzar en nuestros restaurantes; La Dicha, Lolita Jones, La Picantería, Malva Loca, Barra La Java y FE. 

Te esperamos este sábado 28 de enero a partir de las 12:00 hrs. en Nivel Calle (1), Alonso de Córdova 4355, Vitacura, para vivir una experiencia que abarca el diseño, arte y muebles. 

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Exposición "A propósito del viaje" en Aninat Galería

Exposición "A propósito del viaje" de Martín Eluchans en Aninat Galería

Hasta el 16 de enero de 2023

 

Cada viaje que emprendemos supone dos puntos; acá el artista Martín Eluchans habla sobre los puntos intermedios. Supongamos que la vida, como muchas veces se ha dicho, es un viaje. Supongamos también que es un viaje con escalas. Y las escalas están marcadas por hitos.

La palabra “hito” supone una carga pesada e ineludible si hablamos desde el inconsciente colectivo. Una carga objetiva, un peso en la historia universal. O al menos en lo que el utilitario postula cuando habla “la mayoría de las personas”. Historias comunes como la abolición de la esclavitud, la declaración de una guerra, el fin de ellas, el derecho a voto femenino o la despenalización de la homosexualidad. O alguno de los hitos con fechas inexactas, como el descubrimiento del fuego, o la conciencia a la muerte.

Pero hay otro orden de hitos, que no son hitos universales, pero que sin embargo no les damos la importancia merecida. Y eso nos hace a todos parte del mundo. Porque estar en el mundo es reconocer que cada vida tiene sus propios hitos.

Y en esta visión de mundo es que Martín Eluchans instala verdades propias, sus propios hitos. Y por subjetivas e íntimas que sean, estas obras invitan a la reflexión y conexión con las

erdades ajenas, fugaces encuentros con las desventuras y triunfos de otros. Este viaje no es una descripción de nuestras vidas, sino el reconocimiento de que las emociones son las mismas.

Cada obra es un escenario donde hablo de pequeños aconteceres, puntos que en mi vida representan liberaciones o traumas. Hablo de las luces y las sombras, cosas muy personales como la salida del closet, el primer amor, el primer desamor y conexiones con valores universales como la justicia social y el mismo concepto de empatía”. En la exposición podrán encontrarse instalaciones encapsuladas en cajas acrílicas transparentes, las que dan al espectador la sensación de presenciar un momento íntimo. Son escenarios protegidos, encapsulados en el tiempo.”

La exposición consta de 15 escenas en miniatura, una instalación de una colección de aviones a escala y un bordado grande.

Martín continúa jugando con las miniaturas que ha coleccionado por años y que van llegando a sus manos por azar y no tanto. Las reúne y las despierta, cual marionetas dormidas, disponiéndolas para armar estos escenarios, cada uno de los cuales es una suerte de cuento contado por su autor. Darán cuenta de farsas, máscaras, sinsentidos y falsedades, personales y sociales.

Acá no hay una simple recolección de objetos, sino que estos se disponen al modo de un escenario, como si la representación estuviera a punto de comenzar o hubiera quedado

inmovilizada en un momento determinado de la puesta en escena. Por eso quizá, nos remiten a una cierta teatralidad. Y es que muchas obras de teatro plantean, visiones, hipótesis acerca de los individuos y las sociedades. El teatro refleja un modo de pensar la sociedad y aquí, en cada uno de estos pequeños escenarios, se muestra también algo acerca del mundo contemporáneo y de la psiquis individual.

El ejercicio que hace Martín es muy interesante en tiempos en que la memoria importa poco. Las vitrinas encierran, detienen la escena para que el espectador pueda mirarla desde distintos ángulos, fijarse en un detalle u otro, elegir rincones para analizar y volver sobre ella una y otra vez. El mundo, ese trozo de mundo, la escena que ahí se vive, se ha detenido y queda fija, eterna, inmóvil. La sociedad, en perpetuo cambio y movimiento ha sido congelada y entonces la angustia por la fugitividad de todo, se conjura en este juego.

Todo aquello que los hombres deseamos, amamos, detestamos y tememos, pero de lo que no es políticamente correcto hablar, aparece acá sin disfraz. Las ideas que giran por la mente del artista se vierten en estos escenarios como en un juego, a veces sarcástico e irreverente, un poco al azar, un poco a conciencia, develando verdades algo incómodas para el espectador a través de una sucesión de puestas en escena de lo que podría llamarse “el gran teatro del mundo y sus falsedades”.

Y esa provocación, tan propia del artista que tiene algo que decir, es una apelación al espectador, porque estos escenarios son, a la vez, modelos para armar. Aquí caben las contradicciones y las preguntas.

Los escenarios son inclusivos, aquí cabe todo y caben todos, y conviven entre sí los impensables. Los estereotipos son destrozados por una mano que combina a su modo los elementos para armar estos pequeños cosmos; se juega con los ídolos y se los voltea. Y así, desde el humor y la ironía, se exorciza el dolor por un mundo que ha perdido las jerarquías, que confunde y que implica perdidas; un mundo en el que nada podemos controlar.

Lo bello de estos escenarios es que son inmóviles, fijos, hechos de miniaturas, pero a la vez, están llenos de vida, de movimiento, de lecturas, de sugerencias, de guiños, que cada uno deberá descifrar, mirándolos una y otra vez.

Te invitamos a visitar la exposición gratuita en Aninat Galería, que estará disponible hasta el 16 de enero de 2023. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 y sábado de 11:00 a 14:00 horas.

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Desfile Passion Clash

Desfile Passion Clash

Jueves 22 de diciembre a las 19:30 hrs

 

Por segundo año consecutivo, CV Galería será el escenario de moda con mayor visibilidad. Nuestras terrazas se llenarán con lo más cool de la moda, con 35 proyectos académicos que serán exhibidos en un despliegue único en diseño y creatividad. 

Te invitamos a ser parte de este nuevo concepto de plataforma de moda multidisciplinaria, de la mano de los alumnos de Diseño de la Universidad del Desarrollo, quienes exhibirán sus vanguardistas diseños, recorriendo orgánicamente nuestros espacios y mostrando las nuevas tendencias. 

Conversamos con Gabriela Olivares, diseñadora y académica de la facultad de diseño de la Universidad del Desarrollo, mención Moda y Gestión, sobre este increíble proyecto que se realizará en nuestras terrazas. Te invitamos a conocer esta interesante propuesta. 

Cuéntanos sobre ti y tu trayectoria 

“Soy una argentina loca radicada en Chile hace más de 25 años, apasionada por el diseño en todas sus dimensiones y actualmente dedicada en un 50% de mis actividades a la docencia universitaria. He trabajado en gestión, producción y marketing en torno al diseño de indumentaria por más de 20 años en Chile y sigue apasionándome como el primer día. Creo en la creatividad como una herramienta maravillosa de cambios en la sociedad y creo que este país tiene en sus jóvenes creativos un enorme potencial, falta eso sí desarrollar más el compromiso, el rigor y sobre todo, la confianza individual”. 

¿Cómo nace el proyecto Passion Clash? 

“Hace 15 años atrás organicé un evento internacional con conferencistas y ponencias de excelente trayectoria en Chile que se llamó Passiontour, fue un evento magno y no porque yo lo diga, sino porque así se vivió. Me significó grandes aprendizajes y una maravillosa red de contactos que mantengo hasta el día de hoy. Lo continué desarrollando algunos años más en diversos formatos, hasta que otras actividades coparon mi agenda. Cuando Felipe Forteza me pidió que trabajáramos juntos la idea de un desfile innovador en las terrazas de CV Galería, no dudé en que el concepto “passion” debía estar, porque es lo que más me caracteriza y encontré que este “choque” con la moda podría ser la bajada perfecta, y así nació Passion Clash. Es además un concepto que se trabaja en otros continentes y está muy ligado a proyectar aquellos escenarios de moda más alternativos que los que estamos acostumbrados a ver”. 

¿Cómo será el desfile?

“El desfile o performance, como también me gusta llamarle, es el resultado de un semestre completo en la escuela de moda y gestión de la Universidad del Desarrollo donde imparto clases desde el inicio de la especialidad. Los trabajos que se exponen son los proyectos académicos de estudiantes de 2 año de la carrera y créeme que si no los considerara tan bien logrados, no los presentaría. Hay una consistencia académica muy bien planteada y un espíritu creativo demostrado por todos los estudiantes que es digno de difundirlo. El estilo de los proyectos están enfocados en una línea de vanguardia absolutamente, morfologías de siluetas muy voluptuosas en general, una gama extensa de prints (estampados) desarrollados por los mismo estudiantes en empresas locales que también están apostando cada vez más y gracias a Dios por el desarrollo productivo local”. 

¿Por qué elegir un lugar como CV Galería para hacer este desfile? 

“Primero, por mi cercanía con Felipe Forteza, si de algo tienen que servir las redes es para colaborarnos mutuamente en buenos proyectos e intercambiar saberes y profesiones diversas. Es muy interesante lo que pasa con los trabajos colaborativos cuando tienen intereses comunes y con Felipe pasa eso, nos interesa difundir y potenciar el acervo cultural por sobre todo. En ese sentido, CV Galería se presenta como el espacio perfecto para llevarlo a cabo y lograrlo. El espacio arquitectónicamente hablando es perfecto y el público que visita CV se demuestra interesado por estos acontecimientos que están ligados al desarrollo cultural y recreativo de las personas”. 

Te invitamos a participar de este increíble evento el jueves 22 de diciembre a partir de las 19:30 hrs. en nuestras terrazas.

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Exposición Escola de Cerámica Raku FCE

Exposición Escola de Cerámica Raku FCE

Viernes 16, sábado 17 y domingo 18 de diciembre

El fin de semana del viernes 16, sábado 17 y domingo 18 de diciembre presentaremos una feria de esculturas y piezas de cerámica, realizadas por un selecto grupo de alumnos de la Escola de Cerámica Raku de Fernando Casas en CV Galería. 

La cerámica Raku es una técnica milenaria que consiste en esmaltar una pieza, retirarla candente a 1.000 grados y reducirla en virutas de madera. El contacto con este medio incendia el objeto y se genera una gran cantidad de humo que penetra la pieza y entra a ser parte de ella. Los esmaltes reaccionan con el humo y el calor, convirtiendo los óxidos en metales. Luego de varios minutos, el proceso químico se fija bajando bruscamente la temperatura con agua. Se obtienen al final tonalidades, texturas, matices y colores fascinantes. 

Los integrantes del taller exhibirán y venderán sus piezas de cerámica, principalmente escultóricas o decorativas, con diversas tendencias en la exhibición: figurativas, abstractas y ornamentales. 

Fernando Casas, titulado de Maestro Ceramista en Barcelona, creó la Escola de Cerámica Raku con la necesidad de formar y educar de una manera integradora, donde el alumno “puede” y “debe” involucrarse hasta en la última acción de la exigencia del hacer del Raku. 

“Son clases individuales para adultos de cualquier procedencia que quieran aprender esta técnica milenaria, con interés de hacer al menos un ciclo (exigencia mínima), pero idealmente realizar los dos ciclos (de 9 meses cada uno), que conforman la estructura de enseñanza de la Escola. No hay límites para crear, en base a una decena de técnicas milenarias que enseño para la construcción y levantamiento de piezas” explica Fernando. 

Te invitamos a visitar esta exposición gratuita, para vivir un momento único y sublime, donde podrán disfrutar de esta técnica milenaria del Raku, ejecutada en piezas originales y majestuosas. 

Entrada gratuita, Nivel Calle (1), CV Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura. Desde el viernes 16 hasta el domingo 18 de diciembre, de 11:00 a 20:00 horas.

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TerraHoy: exposición de cerámica en CV Galería

TerraHoy: exposición de cerámica en CV Galería

Viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de diciembre

Este fin de semana, desde el viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de diciembre, tendremos una increíble feria de esculturas y piezas de cerámica, realizadas por 17 integrantes del Taller Huara Huara. 

Los integrantes del taller mostrarán y venderán su cerámica utilitaria, concebida desde la perspectiva de cerámica de autor. Son piezas únicas realizadas una a una, con el objetivo de celebrar al objeto que plasma identidad. 

El Taller Huara Huara nació a fines de 1984, como el taller personal de Ruth Krauskopf y con el tiempo, empezaron a promover las exposiciones de sus miembros como una forma de abrir espacios para la cerámica de autor. “En esos años, la cerámica no estaba muy considerada en el ambiente artístico chileno. Me atrevo a pensar que nuestra labor ininterrumpida, difundiendo obras de calidad, tanto en la vertiente utilitaria como en la escultura, ha abierto espacios diversos e interesantes para esta disciplina. Hoy en día es más frecuente encontrar exposiciones de cerámica” explica Ruth. 

En la exposición TerraHoy mostrarán esculturas, mayoritariamente en pequeño formato. Obra reciente, en la que cada uno muestra su búsqueda y experimentación. Hay obra figurativa, abstracta, intuitiva y otra abordada desde una perspectiva conceptual. 

Conversamos con Jacqueline Schapiro y Fanny Auger, integrantes del Taller Huara Huara, quienes nos cuentan sobre la exposición de este fin de semana en CV Galería. 

Jacqueline Schapiro 

¿Cuánto tiempo llevas haciendo cerámica? ¿Cómo nació esta pasión? 

“Hace 11 años que comparto la complacencia en el oficio mismo de la cerámica y de experiencias descubiertas en mi vida. Represento mi realidad cotidiana, con un carácter abstracto; con formas que defino como ‘fuentes positivas de energía’. Mi mirada evoca formas circulares, organismos micro o macro cósmicos, formaciones rocosas, erosiones naturales, estratos geológicos y texturas marinas en movimiento”. 

¿Qué tipo de obras realizas y qué quieres expresar con ellas? 

“La arena volcánica está presente en mis trabajos. En el horno se cohesiona con el material dando ese aspecto de piedra fundida que tiene la lava, mezclándose con la diversidad de colores y texturas de las pastas empleadas, blanco, grises, tostados y negros, colores dados por la mezcla de minerales, óxidos y sedimentos naturales”. 

¿En qué te inspiras? ¿Cuál es tu proceso creativo? 

“Incorporo arcilla y arena volcánica, en placas de distintos espesores o formas sólidas que dan volumen a la obra, otorgando un acabado intencionalmente irregular. Recojo elementos de desecho existentes en el espacio de la obra, polvo, tierra, pedacillos de arcilla secos, pigmentos, etc., elementos que destacan y embellecen, creando intrincadas superficies. Es un reciclaje de la materia, una transformación donde nada se desecha y todo se transforma”. 

Conoce más de sus obras en www.jschapiro.com y en Instagram: @jschapiro 

Fanny Auger 

¿Cuánto tiempo llevas haciendo cerámica? ¿Cómo nació esta pasión? 

“Soy diseñadora de profesión y por muchos años mi carrera me llevó a participar en variados proyectos y manejo de diferentes materialidades. Justamente por esto llegué a la cerámica hace más de 12 años, con la inquietud de descubrir un nuevo material que me alejara de la estructura de los encargos proyectados y me permitiera volver a crear libremente. La cerámica me ha dado la oportunidad de retroceder al origen de mi vocación, me ha permitido crear desde la imaginación y la creatividad. Además este material me conecta con la tierra, con todos sus estados matéricos y los procesos básicos de la vida y la naturaleza, lo que me hace inmensamente feliz”. 

¿Qué tipo de obras realizas y qué quieres expresar con ellas? 

“Mi estilo lo puedo definir como orgánico y minimalista. Con mis obras propongo una reflexión sobre la vida. ¿Qué sensaciones nos transmite una forma que acoge y protege una vida en desarrollo? ¿Cómo se construyen los primeros procesos de multiplicación de la vida y sus ciclos? La materialidad, los colores, las formas, ¿qué nos evocan? Si volvemos a lo más ancestral de nuestra existencia, todos tenemos el mismo origen, el de la forma más básica y simple de la vida”. 

¿En qué te inspiras? ¿Cuál es tu proceso creativo? 

“Intento rescatar la belleza de diferentes formas de vida en etapas tempranas de desarrollo, como crece, se multiplica, se expande, como es contenida en todas sus formas, texturas, estructuras, colores. Un nido, un huevo, una célula, la estructura de un panal, etc, todas formas básicas y sencillas que permiten al espectador emocionarse y descubrir en la contemplación de lo más simple, donde está la belleza de la vida. 

Mi proceso creativo va evolucionando y avanzando con la experimentación creativa según un transcurrir cíclico, donde cada obra está relacionada con la anterior. Así, mis obras van describiendo una parábola de desarrollo, transformación, expansión y multiplicación”. 

Conoce más de sus obras en www.fauger.cl y en Instagram: @faugerc

Te invitamos a visitar la exposición TerraHoy en Nivel Calle (1), CV Galería, Alonso de Córdova 4355, Vitacura, este viernes 2, sábado 3 y domingo 4 de diciembre de 11:00 a 20:00 horas, con entrada gratuita. 

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El cáncer de mama a través del arte

El cáncer de mama a través del arte

Cada 19 de octubre se celebra en el mundo el Día Internacional del Cáncer de Mama, una fecha que busca sensibilizar y concienciar a las personas de todo el mundo sobre esta enfermedad. 

Durante este mes, los invitamos a tomar conciencia sobre el cáncer de mama y la importancia que tiene la prevención para detener esta enfermedad a tiempo. 

Si bien este flagelo existe desde tiempos remotos, no fue hasta el Renacimiento que se evidenció públicamente en la pintura y en la escultura. En los tiempos de Rafael y Miguel Ángel, cuando el humanismo empezó a detectar una nueva concepción del mundo, se empezaría a mostrar esta enfermedad en las bellas artes. 

Se dice que la primera obra que lo plasmó fue La Fornarina de Rafael Sanzio, en el pleno del Renacimiento en el siglo XVI, una pintura de un semidesnudo en la que la protagonista dirige su mano al seno enfermo. La obra fue creada entre 1518 y 1520. 

La Fornarina de Rafael Sanzio

Posteriormente, la segunda obra fue La Noche de Michele di Rodolfo del Ghirlandaio (1530-1577), pintura que representa la escultura que lleva el mismo nombre que esculpió Miguel Ángel. En el óleo aparece una mujer y según los expertos, el diagnóstico se confirma por los signos de dolencia que la protagonista muestra, donde además, revela la presencia de un bulto a la altura del pezón, una zona irritada alrededor de la areola y prácticamente la retracción del pezón casi completa. En el caso de la escultura de Miguel Ángel, apenas muestra una mínima retracción del pezón, por lo que no se considera como una obra de arte que represente el cáncer de mama. 

La Noche de Michele di Rodolfo del Ghirlandaio

La tercera obra es La alegoría de la fortaleza del Tommaso d’Antonio Manzuoli, más conocido como Maso di San Friano, pintada entre 1560 y 1562. En esta pintura se observa a una mujer con gran bulto en el pecho izquierdo, una erosión evidente en la punta del pezón, venas dilatadas y un mal aspecto en general en la areola y la piel que la rodea. 

La Noche de Michele di Rodolfo del Ghirlandaio

Otra representación se puede ver en el conocido cuadro Las tres Gracias de Rubens (1630-1635), una de las figuras femeninas muestra uno de sus pechos con alteraciones relacionadas con un posible cáncer de mama. 

Las tres Gracias de Rubens

Finalmente, en otro cuadro de un par de años más tarde del pintor barroco Rembrandt Harmenszoon van Rijn, más conocido como Rembrandt, pinta a la mujer de uno de los soldados de David, rey de los judíos. La mujer está desnuda y el cuadro se titula “Betsabé con la carta de David” (1654). En él se puede apreciar cómo en uno de los pechos de la protagonista aparece una tumoración que se extiende a la axila y que se asocia al cáncer de mama. La modelo que utilizó el artista para esta obra fue Hendrickje Stoffels, su segunda señora, quien falleció años después. Los expertos creen que la muerte fue a causa del avance del tumor.

Betsabé con la carta de David de Rembrandt

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Entrevista Mery Valdivia

Exposición "Pulsaciones: la expresión del corazón" de Mery Valdivia

Hasta el 29 de octubre de 2022

 

Mery Valdivia está presentando la muestra “Pulsaciones: la expresión del corazón” en CV Galería, exhibición que representa la expresión más pura de una artista emergente, donde el color y la abstracción, dan pasos a obras de gran y mediano formato, siendo la emoción, la parte medular de cada pintura. Atraída desde su infancia por el arte, esta exposición refleja su trabajo y un camino espiritual que ha marcado su existencia. 

Conversamos con Mery sobre su vida artística y espiritual, su trayectoria y la exposición en CV Galería. Te invitamos a sumergirte en su mundo y pasiones. 

¿Cómo empezó tu camino artístico? 

“Empezó con la fotografía, cuando cumplí 15 años me llegó de regalo una cámara reflex con la que participé en varios cursos y gané un concurso de fotografía de mi colegio. Entré a estudiar Párvulos, me casé y fui mamá joven, por lo que el arte fue quedando cada vez más guardado dentro de mi misma. 

En 2014 viví una crisis personal muy grande, y en medio de este proceso, buscando cómo salir adelante, llegué a un curso de meditación. Me pareció muy interesante y empecé a practicarla durante 21 días para ver qué pasaba. Al día 22 o 23, mi vida era la misma, pero mágicamente la angustia y ansiedad habían desaparecido por completo. ¡No lo podía creer! Cómo una herramienta tan simple podía ser tan poderosa. Tal fue el impacto que me produjo, que decidí no soltarla nunca más y empezó a formar parte de mi rutina sagrada diaria. Fuera como fuera, lograba meditar una vez al día durante 15 a 20 minutos. 

Poco a poco fui re conectando con cosas que había dejado guardadas muy en el fondo mío. Una de ellas fue el arte y empecé un diplomado en Arte en la PUC, donde giré hacia la pintura. También Ignacio Gana fue mi profesor, quien supo enseñarme y guiarme a encontrar lo que me motivaba, mi propia forma de pintar y de expresarme con ésta. 

Siempre tuve una conexión muy especial con la espiritualidad y con la meditación como compañera de vida. Este vínculo fue creciendo cada vez más, lo que hizo que cada día estuviera más conectada conmigo, con mi corazón y mi alma, llevándome a vivir una vida espiritual más profunda. El 2021 conocí los registros Akashicos y con ellos, mi conexión espiritual con mis guías y maestros ha sido cada vez mayor, tanto que mucho de esta exposición nace desde los registros. 

En paralelo, al ver cómo la meditación había transformado mi vida, decidí que me dedicaría a enseñarla y que de alguna manera la uniría con el arte -otra herramienta que ha sido profundamente sanadora en mi vida-. Estudié un año de meditación Budista y luego, en el Chopra Center de Estados Unidos, donde me certifiqué como instructora de esta metodología que Deepak Chopra trajo de la india y adaptó a este lado del planeta y a la vida loca que vivimos. 

Durante la pandemia, seguí trabajando en mi arte y estudiando meditación. Y el año pasado, creé mi centro de Arte y Meditación: Espacio Amrra, donde se unen mis dos pasiones. Hago cursos donde enseño a meditar y también talleres de arte con meditación, donde viajamos hacia dentro de nosotros mismos, a descubrir nuestro silencio interior y luego sacamos hacia afuera, expresamos a través del arte todo lo que necesita salir, disfrutando el proceso, a través del color, la mancha, las texturas, etc”. 

¿Y por qué Espacio Amrra? 

“Varios años antes de aprender a meditar, en una canalización espontánea supe que mi nombre también era Amrra. Esto era algo muy loco y raro, así que lo guardé como un secreto, y cuando quise crear mi centro de Arte y Meditación, me nació ponerle mi nombre. Mi espacio al servicio de otros”. 

¿Cómo te defines? 

“Soy una mujer apasionada, intensa, profundamente espiritual, gozadora de la vida, alegre, feliz, plena y muy agradecida. 

En lo artístico me defino como expresionista total, mi arte representa flujos de energía y tiene directa relación con mi mundo espiritual”. 

¿Cuál es tu estilo y sello? 

“La expresión a través de la mancha y el color, la energía y la fuerza. Mi pintura transmite energía, movimiento, el poder que todos tenemos dentro”. 

¿Qué te inspira? 

“Me inspira la naturaleza, con toda su fuerza, su belleza y su perfección, el amor, la libertad, la alegría y la pasión. La fuerza interna del ser humano”. 

Cuéntanos sobre tu exposición “Pulsaciones”

“Su nombre tiene directa relación con Espacio Amrra, ya que una frase que lo representa es “el pulso de tu alma, la expresión de tu corazón”. Esta frase se refiere a conectar con nuestra alma, a sentirnos, conocernos, observarnos y desde ahí, nuestro corazón se expresa libre y tal como es.  

Son obras con mucha fuerza, color y energía, y están inspiradas en mis registros Akashicos y en la esperanza que simboliza el arcoíris. Gran parte de las obras, después de verlas en mis registros, me fui directo a pintarlas. Y el mural es un portal de luz y amor”. 

¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar? 

“Me gustaría transmitir esa fuerza, ese poder de la energía que no vemos, pero está ahí, que inspira, que transforma, que da vida, energía, que crea miles de posibilidades. Energía poderosa del universo que todos tenemos dentro. Solo tenemos que conectarnos con ella. 

Quiero compartir toda esa energía poderosa que expreso a través de mis obras, energía de luz y de amor, poderosa, que contagia, que alegra, que inspira, que transforma, que crea, que ilumina el lugar donde está. 

Me gustaría provocar conexión con la magia, con la fuerza que todos tenemos dentro, con el poder de la belleza, del color, de la mancha, con la fuerza del universo y de las energías que no vemos. 

¿Qué representan tus obras y qué quieres decir con ellas? 

“Representan flujos poderosos de energía, energías de luz y de amor, que no vemos pero están ahí, que nos llenan de esperanza, de inspiración, de ganas, de poder interno, de seguir adelante, de fuerza”. 

¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad? 

“Creo que el arte es fundamental en una sociedad, es una forma mágica y maravillosa de expresión, que inspira, conecta, genera reacciones y miradas diversas. El arte nos da libertad para expresarnos como queremos y compartirlo con el mundo, es un lenguaje universal, aunque todos podamos darle un significado diferente. El arte da vida, inspira, alegra, renueva”. 

Para adquirir cualquiera de las obras de Mery, puedes revisar el catálogo aquí y agradeceremos comunicarte a: mail mariapazvaldivia@hotmail.com / Teléfono: +569 9919 1408 / Instagram: @espacioamrra 

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"Pulsaciones, la expresión del corazón" de Mery Valdivia

Exposición "Pulsaciones, la expresión del corazón" de Mery Valdivia

28 de septiembre hasta 29 de octubre de 2022

 

CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV I, invita a recorrer la exposición “Pulsaciones, la expresión del corazón” de Mery Valdivia, artista de 41 años que presenta su primera muestra individual. Atraída desde su infancia por el arte, esta exposición refleja su trabajo y un camino espiritual que ha marcado su existencia. 

Uno de los eternos debates es si un artista nace o se hace. Algunos de gran envergadura como Haring, Basquiat, Kahlo o Weiwei, han demostrado con nitidez que sin talento “de fábrica” es imposible desarrollar obras de valor artístico. Esa sensibilidad y comprensión del arte es un don, siendo una característica tan marcada y natural que florece cuando debe hacerlo, permitiendo plasmar visiones mágicas y creativas en un soporte sólido. Mery ha seguido ese camino, estudiando y fortaleciendo su talento, pero por sobre todo, siguiendo su intuición a través de sus experiencias de vida. 

Su trabajo, ligado a la corriente expresionista, propone manifestaciones en donde sus emociones, vinculadas a su extenso camino espiritual, plantean descripciones y aspectos críticos de la sociedad, desde la vida urbana, la esencia del individuo, la representación de las apariencias o las relaciones familiares, entre otras, predominando el instinto por sobre la racionalidad. 

De esta forma, Valdivia se opone a una composición deliberada, promoviendo el valor de la percepción y la improvisación en sus trabajos. A su vez despoja de objetos, idealizaciones o cualquier objetivación, con cierto dramatismo, exponiendo sensaciones que van desde la euforia y la alegría, hasta la angustia y la ausencia, pese a la aparente luminosidad de sus creaciones. De esta forma logra indagar sobre los sentimientos primarios, el mundo onírico y el universo, favoreciendo la distorsión y la tensión entre la realidad y lo percibido en el mundo que circunda su obra. 

Coloridas composiciones, fundamentadas en los registros  Akáshicos, término que proviene del sánscrito “akasha” y se refiere al quinto elemento, el éter, “la Fuente”, que contiene todas las experiencias del alma. Ya sea en grandes telas, papel, murales o intervenciones, dan cuenta de su mundo interior, uno que ha recorrido un vasto periplo, incorporando sus dos conexiones: el arte y la meditación. 

La artista llega a CV Galería este miércoles 28 de septiembre con “Pulsaciones”, muestra que estará abierta al público de manera gratuita hasta el 29 de octubre de 2022. 

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Exposición colectiva "Nuevas generaciones: Premiados Artespacio Joven 2015-2022"

Exposición colectiva "Nuevas generaciones: Premiados Artespacio Joven 2015 - 2022"

29 de septiembre hasta 29 de octubre de 2022

 

CV Galería invita a Galería Artespacio a presentar la exposición colectiva “Nuevas generaciones”, reuniendo a 30 artistas premiados en cada una de las siete versiones del concurso anual Artespacio Joven, instancia que busca concretar el apoyo a artistas emergentes de diversas formaciones. 

El concurso, cuyos inicios datan de 2015, incentiva además la ejecución de nuevos trabajos y también genera oportunidades de difusión y comercialización de obras de noveles creadores con coleccionistas, medios de comunicación e instituciones vinculadas al mundo del arte. 

Este tipo de iniciativas tienen el virtuosismo de permitir profesionalizar, comunicar y legitimar las obras de los artistas que participan, como también revitalizar el escenario cultural local. A la fecha, en todas sus versiones, han participado más de 1.000 creadores, número significativo en una escena cultural que podría ser más prolífica. 

Estos concursos cumplen variadas funciones: conmemorativas, emocionales, formativas y regenerativas. Asimismo, han sido una valiosa forma de expresión de las emociones, ideas y sentimientos de quienes las generan, permitiendo al observador percibir con vigencia la realidad artística que nos rodea. Desarrollar nuevas instancias de formación de audiencias es una tarea laboriosa, pero con dedicación es posible agrandar los límites y aumentar el interés por el arte. El proyecto destaca a los tres primeros lugares y a tres menciones honrosas, elegidos por un selecto grupo de profesionales del mundo del arte, que se modifica anualmente. 

Galería Artespacio, en su trayectoria de más de 25 años, ha buscado caminos de acercamiento entre la sociedad y los creadores de diversas generaciones, poniendo énfasis en jóvenes artistas, con la intención de ser un puente que favorezca su crecimiento y el de las artes visuales, generando un círculo virtuoso entre el mundo público y privado. 

Los artistas que estarán exhibiendo sus obras son: Nelson Hernández, Carolina Muñoz, Oscar González, Francisca Garriga, Fernanda López, Andrés Parra, Paula Coñoepan, Paula Huenchumil, Loretta Cáceres, Josefina Bardi, Paula Carmona, Valentina Guerrero, Ofelia Andrades, Gonzalo Contreras, Fiorella Angelini, Valentina Jara-Bravo, Carlos Vidal, Colomba Fontaine, Pía Bahamondes, Carolina Vilches, Marina Piracés, Daniel Délano, Sofía Godoy, Sebastián Cobo, Camila Baeza, Matías Fuentes, Consuelo Walker, Carolina Agliati, Wilkellys Pirela y María Gracia Basso. 

Te invitamos a conocer la exhibición de este nutrido grupo de artistas nacionales, que estará abierta al público en forma gratuita desde el jueves 29 de septiembre hasta el sábado 29 de octubre de 2022. 

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