Entrevista Nía de Indias
Mes LGBTQI+ en CV Galería
Residencia Muralista con Nía de Indias
Martes 28 de junio de 18:00 a 21:30 hrs.
Porque somos especiales, te invitamos a celebrar el mes LGBTIQ+ en CV Galería el próximo martes 28 de junio, en una nueva versión de Residencia Muralista.
En esta instancia de arte efímero en vivo, nos visita Andrés Parra, artista colombiano, quien trabaja de la mano de su alter ego drag Nía de Indias desde el 2015, recorriendo diversos espacios de la ciudad, con el objetivo de visibilizar su identidad Cuir en público.
“A través de mi obra, reflexiono aspectos relacionados a la migración y la ironización de los cánones hegemónicos de la historia del arte y la masculinidad por medio del maquillaje, todo esto sin olvidarme de divertirme mientras lo hago” explica el artista.
Conversamos con Andrés sobre su vida y trayectoria artística. Te invitamos a sumergirte en su camino para visibilizar la diversidad.
¿En qué momento decidiste crear tu alter ego y qué rol cumple en el objetivo de visibilizar tu identidad?
“Nací y crecí en Colombia. Las cosas que veía en la calle, la cultura popular, los particulares matachines (personas que se disfrazan con máscaras de animales, personalidades y algunos rostros deformes, con trajes de carnaval y otros trapos) de mi ciudad natal Bucaramanga, las misses de reinados de belleza que admiraba al crecer y mi proceso migratorio, son mis mayores referentes al momento de crear. Crecer como una persona LGBTQI+ en Latinoamérica no es fácil, ver hacia atrás y sentirte representado es difícil, por lo que creo fielmente que estamos viviendo el momento más importante para rescatar y crear nuevos referentes que ayuden a las futuras generaciones.
Mi objetivo principal como artista es ampliar las barreras de lo que significa hacer drag y encontrar nuevos códigos para resistir en los espacios sin necesidad de estar en ellos físicamente. Me interesan técnicas más tradicionales como la pintura, el dibujo y la fotografía. Sin embargo, el cuerpo de mi obra se compone principalmente de material reciclado, desecho de mi propio maquillaje, como también intervenciones a objetos e imágenes encontrados en mercados de antigüedades y últimamente, exploraciones con herramientas multimedia como el sonido y el video”.
¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu obra de Residencia Muralista en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar?
“Elegí la frase “Somos Especiales” en mi mural para destacar lo importante y lo positivo que tenemos siendo una sociedad diversa, quiero lograr con esta intervención que las personas que visitan CV Galería se detengan y encuentren en esta imagen, un punto de reflexión sobre sí mismos y se pregunten al mismo tiempo, a quién se refiere el artista como “personas especiales”.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
“Para mi el arte tiene un rol de compartir las vivencias del artista como un individuo más de esta sociedad, de evidenciar realidades que coexisten, al mismo tiempo creo que el arte nos sirve para divertirnos, debatir y comunicar de otra manera, quizás un poco más sincera lo que nos motiva a vivir. Por ende, creo que el arte es y siempre será importante para nutrir y garantizar el diálogo entre las personas, que a veces nos olvidamos o no tenemos acceso a otras realidades”.
Te invitamos a participar de esta experiencia gratuita de arte efímero en vivo, el próximo martes 28 de junio desde las 18:00 hasta las 21:30 hrs. en CV Galería.
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Día Mundial de los Océanos: Ballena Azul en CV Galería
Un homenaje en el Día Mundial de los Océanos:
"Ballena Azul", obra realizada con más de 2.000 botellas de plástico reciclado, arriba en CV Galería
Hasta el 16 de junio
¿Sabías que Chile arroja entre 0,01 y 0,25 millones de toneladas métricas de basura plástica al mar? Es decir, 51 kilos por habitante cada año, y junto a esta alarmante cifra, el pronóstico es aterrador: al 2050, habrá más plástico que peces en el mar.
A raíz de esto, en el marco del Día Mundial de los Océanos, CV Galería se unió junto a cerveza Corona y el artista visual Marcel Solá, al desafío para reflexionar sobre el cuidado de nuestro planeta, con la instalación de la obra “Ballena Azul”, ubicada en el nivel terraza de CV Galería del 8 al 16 de junio.
Sobre la obra, Marcel explica: “opté por hacer una ballena porque es una especie que habita en nuestro océano y ha sido muy afectada por las consecuencias propias de la contaminación de desechos plásticos, así como por las externalidades de procesos de producción que alteran su ecosistema. En esta escultura se han empleado más de 2.000 botellas y bidones plásticos. De acuerdo a mi experiencia en limpieza de playas para la creación de este tipo de obras, se logra recolectar esta misma cantidad en solo una semana, en la mayoría de las playas del país”.
“Acepté sumarme al desafío por el alto impacto que tiene esta campaña, en cuanto a la posibilidad de generar conciencia sobre el daño medioambiental que produce la cantidad de plástico que llega cada día a nuestros océanos. Estas acciones nos remueven, por tanto, permiten que adoptemos conductas y hábitos más responsables con respecto al consumo de productos con envases plásticos, especialmente de un solo uso. Llevo más de 15 años realizando obras de arte como expresión de activismo medioambiental y en 2021, recibí el Premio Nacional del Medio Ambiente, sumado a otros reconocimientos en el extranjero. Por tanto, esta iniciativa me parece muy potente y necesaria, por lo que quisiera aportar con mi experiencia en el área” cuenta Solá.
Te invitamos a visitar la instalación en CV Galería, disponible de manera gratuita hasta el 16 de junio. “Una obra que representa el esplendor y la magnitud del océano y su vida marina, donde todos tenemos un rol si queremos seguir disfrutando de este paraíso. Esta escultura servirá para concientizar el impacto que hemos hecho y dónde debemos cambiar” resume el artista.
El Día Mundial de los Océanos fue establecido por la ONU para reconocer la importancia que tienen los océanos en el mundo. Son el principal pulmón del planeta, ya que son los responsables de generar gran parte del oxígeno y además, albergan la mayor parte de la biodiversidad de la tierra.
Sobre el artista
Marcel Solá es un artista visual chileno y lleva más de 12 años generando conciencia medioambiental a través de diversas instalaciones artísticas. Una de sus obras más reconocidas es el “Negro Matapacos”, ícono del estallido social, y varias de sus esculturas son realizadas íntegramente con residuos.
Te esperamos de lunes a sábado de 09:00 a 01:00 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas, con entrada gratuita.
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Entrevista Fernando Casas
"Las Semillas de la Vida" Fernando Casas
Hasta el 2 de julio
La vida de Fernando Casas siempre estuvo ligada al mundo artístico: se tituló de Maestro Ceramista en Ecola Forma de Barcelona en 1986 y desde ahí, continuó con esta expresión, complementándola con el diseño de interiores y el paisajismo. En paralelo, creó Casa Miró, hoy Miró Reforma, donde realiza asesorías en decoración y diseño. Durante todo este tiempo, ha desarrollado colecciones de cerámica Raku, de la que también imparte clases, para que todas las personas -con o sin conocimientos- puedan aprender sobre esta milenaria técnica.
La cerámica Raku es una técnica oriental que surgió en el siglo XVI y que es escasamente practicada. Requiere de mucho tiempo y cuidado, donde se esmalta una pieza, se retira candente a 1.000 grados y se reduce en virutas de madera. El contacto con este medio incendia el objeto y se genera una gran cantidad de humo que penetra la pieza y entra a ser parte de ella. Los esmaltes reaccionan con el humo y el calor, convirtiendo los óxidos en metales. Luego de varios minutos, el proceso químico se fija bajando bruscamente la temperatura con agua. Se obtienen al final tonalidades, texturas, matices y colores fascinantes.
“Realizo mis piezas exclusivamente con el método original. Desde la asepsia o la ausencia de color. A través del fuego, la madera y el humo. En la búsqueda del sublime craquelado y la huella del poderoso negro-ahumado. Cada pieza mantiene su particularidad y valor artístico por su carácter orgánico” explica Fernando.
Actualmente está presentando la muestra “Las Semillas de la Vida” en CV Galería, abierta al público de forma gratuita hasta el 25 de junio, en la que a través de un montaje-exposición, viene a exclamar con un grito ensordecedor que la naturaleza, el agua, la tierra, el fuego y todo el planeta, son únicos e irrepetibles. La muestra viene a mostrarnos su esplendor, a darnos esperanza, a mostrarnos magnitud y poder, cantándonos secretamente la canción de lo primario, desde la madera, el craquel más fino, mostrándonos su fragilidad ante el exterminio del hombre con la naturaleza.
Conversamos con Fernando sobre su vida y la exposición en CV Galería. Te invitamos a sumergirte en su mundo artístico y sus pasiones.
¿Cómo te defines?
“Me defino como creativo, sensible, intuitivo, sencillo, austero y ermitaño”.
¿Cómo comenzó tu camino artístico y cómo te vinculaste al mundo del arte?
“Mi camino artístico empezó con la certeza de tener que estudiar fuera de Chile. Lo hice desde 1984, realizando mi primera exposición en Barcelona. Luego, cuando volví a Chile, expuse en la recién inaugurada tienda “Pórtico” de los hermanos Maffei.
En los años ‘90, hice un paréntesis de mi creación en cerámica porque me dediqué al canto y en 1992, gané el primer lugar representando a Chile en la Competencia Internacional del Festival de la Canción de Viña del Mar, con gaviota de plata”.
¿Cuál es tu estilo y sello?
“Mi estilo es orgánico y abstracto, con asepsia -ausencia- de color, ateniéndome así a la técnica originaria de la cerámica Raku”.
¿Qué te inspira?
“En estos tiempos, me inspira el planeta que es arrasado y la sociedad que es abusada por el hombre”.
Cuéntanos un poco más sobre tus obras. ¿Cómo es el proceso y la producción de éstas?
“Me surge la idea de expresar en torno a una temática, que evoluciona en mi mente y en mi corazón, para irse forjando en la medida que voy haciendo un producto tras otro. Una de estas temáticas ha sido la de ‘La Semillas de la Vida‘, que podemos ver en la exposición abierta hoy en CV Galería. Antes de ella, me circunscribí en torno al tema de la ‘Contención‘, radicalmente concentrada en cuánto nuestras madres nos contienen como sus criaturas, desde que estamos en sus vientres, hasta el último día de sus vidas”.
¿Cuál es el aporte que te gustaría dejar con tu exposición en CV Galería? ¿Qué te gustaría provocar?
“Anhelo provocar conciencia en relación a nuestro planeta, su naturaleza y los animales que lo habitan. Sensibilizarse ante su depredación; deben ser rescatados con urgencia. Generar contingencia de que nuestro planeta es único e irrepetible. Mis obras representan la naturaleza. Con éstas, quiero decir que tanto ellas como el planeta, son únicos e irrepetibles”.
¿Por qué elegiste un lugar como CV Galería para hacer tu exposición?
“Es un espacio inserto en un lugar muy accesible de Santiago, inmerso en un medio de mucha agitación social, con restaurantes y tiendas, que se ha hecho un paradigma para acoger artistas de calidad y no siempre con un marco de alta presencia en el medio, osea, de alguna manera, ha sido una galería alternativa”.
¿Cómo definirías el arte y su importancia en la sociedad?
“El arte es un instrumento que nos permite declamar nuestra conformidad o nuestros desacuerdos con la sociedad. Nos permite ser un aporte a través de una crítica o denuncia social y cultural”.
Para adquirir cualquiera de las obras de Fernando, te agradeceremos comunicarte a: ceramicarakufce@gmail.com / Instagram: @ceramicarakufce / Teléfono: +569 7712 6627
CV Galería te invita a visitar la exposición en Lab Cultural CV, Alonso de Córdova 4355, Vitacura, de lunes a sábado de 11:00 a 22:00 hrs.
Fotografías: Gloria Franke
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"Las Semillas de la Vida" de Fernando Casas
Exposición "Las Semillas de la Vida" de Fernando Casas
Desde el 26 de mayo hasta el 25 de junio de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV II, invita a recorrer la exposición de cerámica raku “Las Semillas de la Vida”, del artista nacional Fernando Casas.
La exhibición es un montaje-exposición que viene a exclamar con un grito ensordecedor que la naturaleza, el agua, la tierra, el fuego y todo el planeta, son únicos e irrepetibles. La tierra que arrasamos, la que nos sostiene, la que nos alimenta, la que nos oxigena, es devastada por el hombre.
“Las Semillas de la Vida” viene a mostrarnos su esplendor, a darnos esperanza, a mostrarnos magnitud y poder, cantándonos secretamente la canción de lo primario, desde la madera, el humo, el craquel más fino, mostrándonos su fragilidad ante el exterminio del hombre con la naturaleza.
El artista, titulado de Maestro Ceramista en Barcelona, trabaja la cerámica Raku, una técnica milenaria, que consiste en esmaltar una pieza, retirarla candente a 1.000 grados y reducirla en virutas de madera. El contacto con este medio incendia el objeto y se genera una gran cantidad de humo que penetra en la pieza y entra a ser parte de ella. Los esmaltes reaccionan con el humo y el calor, convirtiendo los óxidos en metales. Luego de varios minutos, el proceso químico se fija bajando bruscamente la temperatura con agua. Se obtienen al final tonalidades, texturas, matices y colores fascinantes.
“Realizo mis piezas exclusivamente con el método original. Desde la asepsia o la ausencia de color. A través del fuego, la madera y el humo. En búsqueda del sublime craquelado y la huella del poderoso negro-ahumado. Cada pieza mantiene su particularidad y valor artístico por su carácter orgánico” explica Casas.
Con esta muestra, nos vincula con la experiencia y la esperanza que al igual que sus semillas, surgen del árbol de la existencia. Nosotros podemos invocar otra petición, un nuevo deseo de vivir. El sueño de la semilla, sueño único para cada ser vivo, se despierta en la obra del artista como un deseo de expresar su gratitud hacia esta Tierra que nos sostiene.
Además, expondrá piezas de su colección anterior “Contención”, desarrollada a través de su certeza en el SER femenino: lo uterino, la idea de la contención original. Ésta idea está representada en una enorme diversidad de cuencos contenedores y por otras creativas y variadas formas de emociones y sentimientos del ser humano representados en ellas, y así leídos a lo largo de los siglos en las huellas que va dejando la cerámica en la historia universal.
El ceramista llega a CV Galería este jueves 26 de mayo con “Las Semillas de la Vida”, muestra que estará abierta al público en forma gratuita hasta el 25 de junio.
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"Irisación móvil" en Aninat Galería
Exposición "Irisación móvil" de Iván Contreras Brunet
Hasta el 22 de mayo de 2022
El arte cinético es un movimiento que irrumpe en la escena del arte contemporáneo donde los artistas latinoamericanos participan de manera activa y protagónica innovando con técnicas y lenguajes inéditos. Los venezolanos, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, los argentinos Julio Le Parc, Luis Tomasello y los geométricos brasileños Abraham Palatnik, Hélio Oiticica, Lygia Clark son artistas pioneros que hoy se encuentran en museos relevantes. En Chile, los artistas Matilde Pérez y el recientemente fallecido Iván Contreras-Brunet son exponentes y protagonistas de este movimiento que tiene un gran reconocimiento internacional.
En 1952, Iván Contreras-Brunet migró a Paris, donde vivió casi toda su vida. Ente 1958 a
1962, el artista vivió algunos años en Nueva York, pero volvió a Paris para continuar
desarrollando el lenguaje artístico que le interesaba, el arte cinético, y consolidar su amistad con Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez.
Es mezquino encasillar el trabajo de Iván Contreras-Brunet sólo en el arte cinético, su
investigación geométrica comenzó con el minucioso estudio y análisis de las estructuras
horizontales y verticales del paisaje en el desarrollo del trabajo de P. Mondrian. Fui afortunada al conocer a Iván Contreras-Brunet, donde pude constatar de primera fuente revelaciones de su investigación y búsqueda respecto a las formas, el color y la composición; el artista contó que estudiaba el paisaje durante el amanecer y anochecer, le interesaba el momento lumínico cuando los objetos se encuentran difusos y cuando la estructuras horizontales y verticales están en máxima tensión.
En un comienzo, Contreras-Brunet se interesó por el paisaje impresionista; son los contenidos estructurales del impresionismo lo que le interesan: reflejos, reflexión de elementos flotantes, paso de la luz a través de elementos sólidos, vibraciones cromáticas, contaba en entrevista a ArtNexus. El artista pudo estudiar minuciosamente los vitrales de las catedrales europeas para conseguir lo que anhelaba; la desmaterialización de las formas dentro de un orden geométrico.
En la década de los cincuenta, París era un centro de innovación y el desarrollo de nuevas
ideas. Contreras-Brunet se relaciona con los venezolanos Carlos Cruz-Diez y Jesús Rafael-Soto, estableciendo una amistad que durará toda la vida. Junto a sus colegas, comparten muchas inquietudes en torno a temas artísticos, textos fundamentales relacionados a los orígenes del arte abstracto; Kandinsky, Michel Seuphor, la visión en movimiento de Moholy-Nagy.
Luego de una breve temporada en Nueva York, a finales de la década del 50, vuelve a Chile por 6 meses donde dicta una conferencia sobre las nuevas tendencias artísticas en la Escuela de Bellas Artes (1959) a pedido del grupo rectángulo.
En 1961, vuelve a París de manera definitiva, donde comienza a realizar piezas abstractas de carácter cinético utilizando plexiglás, debido al costo de este material, empieza a buscar otros soportes, encontrando en las rejillas metálicas grandes posibilidades, desarrollando un lenguaje propio para elaborar una propuesta de piezas que desarrolla la problemática del movimiento óptico.
En Europa Contreras- Brunet inicia una carrera que, con el tiempo, suma más de cincuenta exhibiciones individuales en Francia, Alemania, Inglaterra, Suiza, Holanda, Líbano, Israel, Filipinas, Chile, Argentina, y Japón. Participó en innumerables exposiciones colectivas en los países ya mencionados y en Corea, Perú, Colombia, U.S.A., solo por nombrar algunos.
En 1972 fue invitado por el Instituto Italo-Latinoamericano de Roma a representar a Chile en la Bienal de Venecia junto al peruano Eielson, el argentino Roca-Rey y el cubano Wilfredo Lam. El texto del catálogo realizado por Michel Seuphor, artista y teórico fundamental del arte abstracto.
La obra de Iván Contreras-Brunet tiene dos vertientes; la escultórica, cinética- parietal o
exente-, y la acuarela sobre papel. En ambos soportes el color es el gran hilo conductor. En los trabajos de acuarelas el color es leve, sugerente, inestable, iridiscente, mágico. “Creo que soy colorista. Mis búsquedas se han orientado hacia el color, sus posibilidades, su organización, sus relaciones con el espacio, sus técnicas y sin olvidar la importancia en las estructuras que constituyen el esqueleto de un objeto y mi trabajo”. A partir de los años setenta el artista incorporó el aerógrafo en sus acuarelas elemento que otorga mas volumen en sus trabajos.
La composición de las piezas volumétricas, están realizadas bajo una estructura determinada, donde el color y la figuración matemática son perfectamente estudiadas con el objeto de producir un efecto óptico. El artista trabajaba de la siguiente manera: sobre una estructura plana, como un cartón o madera delgada, el artista comienza realizando un fondo de color, luego superpone, por lo general, una reja metálica fina con una cuadrícula uniforme. Sobre este fondo suspendido realiza estructuras de figuras geométricas, cada una pintada minuciosamente a mano, con una compleja estructura matemática para generar un efecto óptico que genera movimiento y diferentes posibilidades a la composición. Para generar mayor dinamismo, Contreras-Brunet invita al espectador a recorrer sus piezas y descubrir en el movimiento del viento las distintas posibilidades visuales que entrega cada pieza al ser recorrida.
“En mis relieves móviles trato de suscitar, a través del movimiento, relaciones estructurales del color en el espacio. Se trata de un espacio tridimensional en el cual se mueven masas suspendidas, inestables y transparentes. Estos conjuntos donde se superponen estructuras verticales-horizontales no son indiferentes, ni a la luz ambiente, ni al desplazamiento del espectador, o al movimiento del aire”.
Iván Contreras-Brunet fue un artista que sólo realizo piezas únicas, porque le interesaba
enfrentar problemas complejos a través del uso de estructuras simples. La manifestación de la bruma y la naturaleza fueron fuente de inspiración y estudio. Un hombre incansable por avanzar hacia el conocimiento y el arte.
Por Javiera G-Huidobro
Disponible hasta el 22 de mayo en Aninat Galería. Entrada gratuita. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 horas y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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Día Mundial del Diseño: cuatro diseñadores que nos inspiran
Día Mundial del Diseño: cuatro diseñadores que nos inspiran
En el Día Mundial del Diseño, en CV Galería conmemoramos esta disciplina, donde en nuestro espacio, el diseño convive con la arquitectura, el paisajismo, la gastronomía y el arte.
Para reconocer el valor de esta disciplina y su capacidad de efectuar cambios en la sociedad, honramos a cuatro grandes diseñadores, quienes nos cuentan sobre su importancia en el día a día.
Alfonso Lacámara – Diseño de Interiores
Alfonso es arquitecto de la Pontificia Universidad Católica, y desde 2008 a 2011, trabajó como arquitecto desarrollando proyectos de vivienda, oficina, mobiliario y diseño de interior. En cuanto tuvo contacto con el diseño de interiores, se enamoró de esta área.
En 2013 fue socio fundador de la oficina de decoración The Project, donde realizó varios proyectos de interiorismo de casas y departamentos. Desde el 2018, trabaja como independiente, y en sus proyectos busca crear ambientes cálidos, acogedores, simples, funcionales y estéticamente lindos, usando distintas materialidades, texturas, colores y sensaciones, logrando un resultado espacialmente armónico que refleje la personalidad, la esencia y las necesidades de cada cliente.
¿Qué es para ti el diseño y cuál es su importancia en la sociedad?
“Para mí, el diseño de interiores es un proceso creativo que implica entender cómo las personas se relacionan en un espacio determinado, desde su funcionalidad, hasta las emociones que pueda transmitir y las experiencias que se puedan desarrollar en estos. Y cómo a partir de distintas soluciones especiales, una iluminación correcta, distintos usos de materiales, texturas, colores, etc, uno puede contribuir y ayudar a las personas a sentirse más cómodas, alegres, inspiradas y acogidas, interpretándolas y conociéndolas desde una perspectiva más íntima”.
Te invitamos a conocer sus proyectos en www.alfonsolacamara.cl y en Instagram: @alfonsolacamara.
Cristina Vergara y Catalina Dib – Diseño gráfico
Cristina es publicista y diseñadora gráfica, y actualmente está radicada en Barcelona, estudiando un Máster Interdisciplinario en Diseño y Comunicación en Elisava Facultad de Diseño e Ingeniería.
Durante su carrera ha desarrollado proyectos como TypoValpo, con el propósito de crear comunidad a través de la tipografía urbana, y es socia del laboratorio de arquitectura y diseño República Portátil. Además, ha participado en diferentes proyectos culturales y de educación, como EducomLab y Piloto-Galería, y trabaja como diseñadora gráfica para CV Galería.
¿Qué es para ti el diseño y cuál es su importancia en la sociedad?
“Comprender hoy el diseño con la visión que nos otorgaba el siglo XX, ya no es posible. Esta disciplina era vista más como una solución estética, pero si nos centramos en la actualidad, estamos viviendo tiempos de cambios sociales, la revolución digital, el feminismo y el cambio climático, temáticas que nos obligan a repensar el concepto de diseño por algo mucho más amplio y colaborativo. Actualmente, el diseño se ve obligado a unirse a distintas especialidades con el propósito de asumir estos cambios y acercarlos a nuestra realidad”.
Cristina está en Barcelona levantando @typobcn y haciendo crecer una red global de comunidades locales junto a Catalina Dib, como @typomontreal, @typobiobio, @typocoquimbo, @typostgo, entre otras. Te invitamos a visitar sus perfiles en Instagram para conocer más sobre este proyecto.
Orlando Gatica – Diseño de espacios, ambientes y objetos
Orlando Gatica Studio se ha dedicado durante más de 17 años y en más de 3.000 proyectos, a imponer un estilo de trabajo de innovación constante y la mejora sostenida en diseño y calidad del producto.
Recientemente junto a Raúl Domínguez, fueron premiados con dos proyectos en CV Galería por los Premios Chile Diseño, en la categoría “Diseño de Ambientes y Espacios, mención Hospitalidad”: el ganador, nuestro espacio Botánica (nivel -3) (lee más sobre este galardón aquí), y en segundo lugar, La Picantería.
Respecto al proyecto de La Picantería, Orlando nos cuenta: “tuvimos que traer a Chile dos restaurantes de Perú y fusionarlos en uno solo, en donde no se quería tener los códigos conocidos en nuestro país de un restaurante peruano, y rescatar los originales del dueño.
Investigamos la zona en donde partieron estos lugares en el norte de Perú, revisitando las picanterías que son muy parecidas a las fondas acá en Chile, pero reinterpretando los materiales -como barro y oro-, la luz y las texturas.
El resultado fue una imagen sencilla y relajada, para una comida en la que sus valores están en la calidad del producto. No tenía que ser un lugar rebuscado y sofisticado, sino que, la sofisticación estaba en la experiencia del relajo, al igual que en las picanterías de las costas de Chiclayo”.
¿Qué es para ti el diseño?
“El diseño ilustra el destino de evolucionar de la humanidad.
No solo inteligencia, sino al mismo tiempo estupidez, crueldad y astucia a través de su interminable relación con las herramientas, desde la edad de piedra hasta el día de hoy”.
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CV Galería recibe el Premio Chile Diseño en categoría “Diseño de Ambientes y Espacios, mención hospitalidad”
CV Galería recibe el Premio Chile Diseño en categoría “Diseño de Ambientes y Espacios, mención hospitalidad”
Nuestro espacio Botánica (nivel -3), gracias al trabajo del destacado diseñador nacional Orlando Gatica junto a Raúl Domínguez, fue el ganador de los Premios Chile Diseño en la categoría “diseño de ambientes y espacios, mención hospitalidad”. Orlando junto a Raúl, lograron convertir este espacio en una experiencia total e inmersiva, donde una exótica vegetación recorre sus muros, generando un manto de calma y relajo.
“El desafío era convertir este lugar, que está a 12 metros bajo el nivel de la calle, en un espacio inspirado en la selva y las pirámides Mayas. El proyecto es un ser vivo que evoluciona, cambia y se regenera naturalmente. Y hoy, es uno de los puntos gastronómicos más importantes del país” explica Orlando.
Con 16 años de trayectoria, los Premios Chile Diseño se han convertido en el principal reconocimiento de la industria en Chile. La distinción se entrega a los mejores proyectos de diseño nacional, realizados durante los dos años previos.
Su propósito es promover la importancia y el valor del diseño mediante el reconocimiento de proyectos que visibilicen el impacto y la relevancia de la disciplina, capaces de cambiar realidades a nivel social, cultural y económico.
Para conocer más detalles sobre el proyecto y el reconocimiento, conversamos con Orlando Gatica sobre sus impresiones y el camino recorrido. Te invitamos a leer su entrevista.
¿Cuál fue tu inspiración para diseñar Botánica? ¿Qué querías que reflejara el espacio?
“Cuando llegué a CV Galería en una fase de término, lo primero que me impresionó fue la majestuosidad del edificio cuando uno está en el nivel -3 (Botánica). Era una cantidad de un muy bien terminado hormigón a la vista, bello de mirar, pero no era lo que se necesitaba para rematar un espacio que alojaría restaurantes, un lugar donde tenían que pasar cosas y que sería visitado por muchas personas.
Dado lo anterior y al ver tanta cantidad de hormigón, lo primero era domar la vista y tranquilizar el ojo. Para ésto, la respuesta fue incorporar elementos de la naturaleza, reales, sin imitaciones, ya que sería algo capaz de acompañar al proyecto. Por eso, nuestro referente fueron las pirámides Mayas, porque cuando fueron descubiertas, la selva se las comió y en CV Galería pasa lo mismo. La pirámide es el edificio y la selva está empezando a crecer y a dar un carácter a este espacio que cambia año a año”.
¿A qué desafíos te enfrentaste al momento de diseñar y lograr plasmar la idea?
“Los desafíos fueron varios. El primero, entender cómo el edificio se comportaría con la gente y los restaurantes.
Luego, hacer el verde realidad. Inicialmente y gracias a Santolaya Ingenieros, logramos poner unos maceteros monumentales adosados a las paredes ya terminadas junto a un estanque de agua y la circulación adosada a la barra central, que nos ayuda a articular el espacio. Un atractivo indiscutible de esta plaza hundida.
Y el tercer desafío fue lograr armar el espacio con pocos elementos donde el verde y la vida jugaran un papel protagónico. Nada hubiese sido posible sin la experiencia y compromiso de Manuel Feliú de Verde 360”.
¿Qué significa este reconocimiento para ti?
“Lo primero, es que a pesar de que llevamos mucho tiempo en esto, en esta maravillosa profesión, este reconocimiento nos indica que vamos en la dirección adecuada, la de constante evolución, estar preocupados de un correcto proceso de observación de cada caso que se nos presenta, en particular, CV Galería. La intervención de este espacio es un aporte al bien inmobiliario y hoy, indiscutiblemente, es uno de los polos gastronómicos más importantes del país”.
Te invitamos a conocer Botánica y descubrir el alma vegetal de CV Galería.
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"El sonido de las formas" en Aninat Galería
Exposición "El sonido de las formas" de Antonia Johnson y Paula Ceroni
Desde el 26 de marzo hasta el 10 de mayo de 2022
Aninat Galería presenta el proyecto colectivo de gabinete “El sonido de las formas” de dos artistas emergentes: Antonia Johnson y Paula Ceroni.
Ambas artistas presentan composiciones sensibles y orgánicas que crean una ilusión a través del uso de la luz, las vibraciones de color y los espacios de silencio en la construcción de sus trabajos.
“Para mí, el espacio es un material. Articular el espacio se ha convertido en mi principal preocupación, por encima de otros conceptos. Intento usar las formas esculturales para crear distinciones en el espacio”. Richard Serra.
Antonia Johnson, Portia
La simultaneidad de opciones en el campo de la producción del arte no es un fenómeno nuevo. Se produce gracias al pensamiento pluralista actual, a la diversidad de tendencias y la exploración formal que ejerce cada artista al construir su trabajo y crear un lenguaje propio. Galería Aninat inicia su programación 2022 presentando; “El sonido de las formas”, trabajo de diálogo y montaje conjunto, entre las artistas emergentes; Antonia Johnson y Paula Ceroni. Aunque ambas artistas presentan (revelan) un lenguaje abstracto junto a un intenso trabajo de color, cada artista explora materiales, formas y una maniobra de composición propia, logrando una propuesta personal.
A través del uso de la abstracción, las artistas llevan al espectador a ampliar el poder de percepción sensorial, proponiendo nuevas aproximaciones a la apreciación de la obra, para experimentar una relación nueva con el espacio, el vacío, la composición de formas y el impacto que produce la vibración del color en los trabajos que presentan las artistas.
La exhibición es una exploración entre la poética y dialéctica de las formas geométricas, orgánicas y el impacto de la luz y la función del color sobre la materia. “Los colores se rigen por una lógica interna y engañosa”, afirmaba el artista alemán Josef Albers, quien demostró que el color es un fenómeno completamente relativo; los colores se cambian constantemente según su yuxtaposición y relación con otros colores. “Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales cuando se asocian a distintos fondos. Es así que un mismo color permite innumerables lecturas”, dice Albers. Esta es la riqueza de los trabajos de Antonia y Paula, la exploración del color y sus múltiples posibilidades utilizando una economía de medios en sus trabajos de gran manualidad.
Paula Ceroni, Curva Infinita
Las piezas son integraciones visuales de gran carga estética, que van despertando emociones en el espectador. La exhibición “El sonido de las formas” es un diálogo de trabajos entre ambas artistas, donde a través del uso de diferentes técnicas y materiales; como textil, deshilado, papel, cartón, la técnica de extracción o vacío y el uso del color, van generando espacios geométricos y formas orgánicas, donde el espectador se sumerge hacia nuevas dimensiones somáticas abstractas.
La acción del cuerpo sobre los objetos, las diferentes decisiones que las artistas imprimen sobre los materiales van creando una ilusión volumétrica imprimiendo su impronta, realizando piezas de fronteras difusas entre la pieza bidimensional y la escultura, utilizando medios mínimos que producen un gran efecto e impacto sobre la materia.
“El sonido de las formas” es una muestra que permite una interacción activa del espectador, que viaja a una experiencia sensorial de introspección, donde las artistas Antonia Johnson y Paula Ceroni presentan composiciones sensibles y orgánicas que crean una ilusión a través del uso de la luz, las vibraciones del color y los espacios de silencio en la construcción de los trabajos.
Desde el 26 de marzo hasta el 10 de mayo en Aninat Galería. Entrada gratuita. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 horas y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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David Escalante para Moblash
Exposición "MetaMarioneta" en Moblash
Hasta el 30 de abril de 2022
Bajo el lema de democratizar el diseño, la comodidad y el arte, Moblash usa sus espacios de Guide Shop como vitrina para que artistas expongan sus trabajos, proyectos e ideas con el propósito de crear oportunidades para que puedan apalancarse.
El próximo viernes 18 de abril, inauguran la exposición “MetaMarioneta” del artista y maestro titiritero David Escalante, que estará disponible hasta el 30 de abril en su tienda ubicada en Nivel Calle, de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs. y sábado de 10:00 a 15:00 hrs.
Transformar y dar una nueva oportunidad a lo orgánico que el mar nos devuelve es el propósito de David Escalante en esta exhibición. Con materiales recogidos en playas de Valparaíso, dejados en la arena por las mareas, crea marionetas.
“La casualidad al encontrar cosas y crear personajes llenos de vida con materiales ya muertos es fascinante. Dar una oportunidad de renovación a la materia orgánica que fue de alguna forma transformada por el agua, sol, bacterias y a todo lo que estuvo expuesta, hace una mezcla de vida y muerte a la cual le vuelvo a dar un propósito, empezando un nuevo ciclo. ¡Es una creación conjunta del universo conmigo! Las marionetas están impregnadas de historias, a través de los materiales, por todo lo que han “vivido” y traen esa fuerza reflejada”.
Sobre el artista
David Escalante, artista, maestro titiritero y productor, ha enfocado su carrera en la expresión a través de los títeres. Idealizador y creador de centenas de marionetas y espectáculos, ha viajado por Chile, Europa y América Latina dando vida a sus personajes.
Es parte de la dirección de ATTICH Asamblea Titiritera, creador de proyectos en el Teatromuseo del Títere y el Payaso, Museo FONCK, Teatro Ámbar y desarrollador de proyectos Fondart, entre otros.
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Exposición "Memorias de Cuarentena: Retornos a un encierro"
Exposición "Memorias de Cuarentena: Retornos a un encierro" de Maureen Corvalán
Hasta el 14 de mayo de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV II, invita a recorrer la exposición “Memorias de cuarentena”, de la artista nacional Maureen Corvalán.
Producidas en el transcurso de dos años de restricciones y confinamientos sanitarios, el cuerpo de obra de la muestra, cuenta conjurar la experiencia sufrida en pandemia. La pandemia del encierro en la imagen en nuestros tiempos, así como la insoportable monotonía de nuestra soledad confinada en los límites de nuestro narcisismo. Por cierto, ello puede resultar obvio. De hecho, el título mismo de la exposición parece sugerirlo. Con todo, no se trata de una simple evocación unívoca, toda vez que las memorias de cuarentena se encuentran articuladas al retorno de otros encierros, conforme a un entramado múltiple y diverso. Si la distancia física durante las cuarentenas resultó tan insoportable, en buena parte ello sucedió por la clausura del encuentro con otros, la obstrucción de la circulación del deseo, que nos dejó solo frente a nosotros mismos.
Bajo estas luces, lejos de apuntar a la representación de las obras de la muestra conciernen, el límite de la representación. No se trata, en consecuencia, tanto de registros ni memoria, sino más bien de restos y de historia. La densa trama de “Lo infantil: historia, verdad y ficción”, lo insinúa de forma, definitivamente, reveladora. Compuesta por el celuloide de 36 mm de un film que, encontrado en el Persa Bío-Bío, tiempo después se descubrió llevar por título “Los juegos del destino”, la obra evoca la historia transcurrida durante los 36 años de la artista. Pero de esa historia, bordada a lo largo de los 36 metros de película, solo puede ser leída en breves fragmentos sugerentes, enigmáticos, incluso, dolorosos (Radiszcz, 2022).
Las obras son una invitación a un retorno, quizás feliz o más doloroso y/o acongojado en que el espectador pueda encontrarse con un material conceptual/visual que (se) interpele, y (se) interrogue algo de lo que en algún momento se transformó en una cotidianeidad para gran parte de la población mundial. Esta cotidianeidad abrió y posibilitó múltiples lecturas y reflexiones, frustraciones, aciertos, etc., con respecto a lo político, a la familia, el amor, y otras diversas manifestaciones producidas por las privaciones de libertades de las cuales el sujeto ha tenido que lidiar, y por lo tanto, hacer frente en el último tiempo, así como a lo largo de su historia. Es un tránsito, un recorrido, un encuentro que invita a la mirada a ser partícipe de pasajes y paisajes escritos e inscritos en el encierro propio de la artista, a través de retornos de memorias pero también sobre ausencias, como parte de una historia que siempre está en construcción y esta vez, Maureen Corvalán quiere compartir visualmente y en el registro de la pluma a través de la publicación de un libro.
El cuerpo de obra está principalmente relacionado a dos tipos de técnicas, primeramente a las técnicas mixtas y después a la pintura. En las técnicas mixtas trabaja con aquellos “materiales comunes”, que siempre estuvieron en su entorno como hilos, agujas, alfileres, lanas, clavos, tachuelas, tratando de realizar diálogos entre ellos, muchas veces tensionándolos, llevándolos a sus límites y mezclándolos los unos con los otros, generando texturas, volúmenes, etc, pero no intentando intervenirlos. Que la acumulación de ellos, pueda generar una ilusión, un paisaje que a primera vista y a pesar de que el material está expuesto crudamente, puedan develar un paisaje diferente en el cual los materiales tienen la posibilidad de perderse en sí mismo, y parecer algo diferente.
La extensa serie que traman las 50 obras en formato Polaroid: “Memorias de Cuarentena” buscan, en ocasión del imprevisto desperfecto de la cámara de la artista, aprehender momentos cotidianos de la vida en cuarentena. Es decir, frente a la fortuita imposibilidad de registrar imágenes en los haluros de plata, la artista procuró capturar objetos reales en el vacío fotográfico. Dicho de otro modo, ante lo imposible de la instantánea, atrapar entonces lo real de un instante. Aunque, de alguna manera, de ello trataría precisamente la operación que, al menos en parte, caracterizaría, según Jacques Lacan, la práctica artística, a saber, elevar el objeto a la envergadura de la Cosa. En tal sentido, las Polaroids parecen resistirse a mantenerse en el mero plano del registro y, al modo del Ready Made, involucrar la objetualidad del objeto o, a la manera de la fotografía, implicar instantaneidad del instante.
Te invitamos a visitar la exposición de manera gratuita en Lab Cultural CV II, hasta el 14 de mayo. De lunes a sábado de 10:30 a 01:00 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas.
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