Escribir en el corazón de una piedra - Rolando Cisternas en Aninat Galería
"Escribir en el corazón de una piedra" | Rolando Cisternas
Por Aninat Galería
Te invitamos a la exposición “Escribir en el corazón de una piedra” de Rolando Cisternas en Aninat Galería, con entrada gratuita hasta el 31 de diciembre.
Aninat Galería se complace en presentar el proyecto de gabinete “Escribir en el corazón de una piedra” del destacado artista nacional Rolando Cisternas, con la curatoría de Víctor López Zumelzu.
Rolando nos invita a reflexionar sobre el paisaje y la materia por medio de sus composiciones de dibujo, videos e instalaciones, en donde lo humano es parte también de lo permeable a desaparecer.
Con una visualidad altamente poética, las atmósferas de Rolando nos abren a una temporada que juega un rol entre lo real y lo imaginario.
“Rolando Cisternas, trabaja una obra multidisciplinaria que puede viajar libremente entre objetos, instalaciones, videos y experimentos sonoros, aunque su obra más conocida se desarrolla principalmente a partir de su relación con el dibujo. Sus trabajos evocan paisajes enrarecidos y atmósferas imaginarias y extrañamente atemporales como si nuestro mundo hubiera decidido apartarse de todo rastro humano, y estar entregado ahora a la belleza del caos que impone la naturaleza del tiempo en sus continuas tormentas, ventiscas, huracanes; como si en sus dibujos el paisaje mismo no fuera otra cosa que abandono. Estos trabajos funcionan como la visión de un explorador perdido en un mundo desconocido (a la manera de los primeros pintores viajeros holandeses), un mundo que otro también errante como él está imaginando.
Aunque a primera vista o a los ojos de un turista sus obras se presentan como un trabajo formal, sus obras e instalaciones están cruzadas no solo por la experimentación con los soportes sino por este imaginario inestable con los materiales y el tiempo, donde lo rígido es capaz de transformarse, e incluso desaparecer ante nuestros ojos, como los videos donde las palabras se deshacen en el agua, o en sus dibujos donde los trazos duros y fuertes del carbón son como huellas arqueológicas de las primeras representaciones, y todo ello evocando en su práctica un tiempo anterior a la digitalizad pantanosa que nos atraviesa y que significa la difuminación total de los límites dimensionales (real-virtual / ficción-no ficción). Desde esta brecha Rolando trabaja con nuestro tiempo como un material inestable, por eso sus conceptos y sutiles conexiones no son para nada obvias, sino que crean puntos maleables, paisajes y pliegues donde lo humano ya es parte de lo permeable o simplemente de lo que ya ha desaparecido, tanto así que todo su trabajo de ficción puede actuar en lo real sin una distinción clara entre dimensiones.
“El paisaje”, Video, 2021
En esta nueva obra de Rolando Cisternas reunida en “Escribir en el corazón de una piedra” en Galería Aninat no solo profundiza sus problemáticas que atraviesan toda su cultura sino que presentan una nueva y potente composición de imágenes y materiales, con materia orgánica e inorgánica, un choque poético que genera una suave tensión que viaja entre la materia dura y la materia blanda, papel, carbón y tinta china. Todos ellos hablan de la relación atemporal sobre nuestros conceptos de trabajos y obsesiones, sobre lo permeable que es este mundo multidimensional que habitamos con un cuerpo entregado a la deriva de la velocidad, donde toda la experiencia contemplativa parece habernos sido arrebatada por un mundo burocrático donde lo extraño, difuso, e incluso deforme que nos rodea y que compone la naturaleza está desapareciendo.
Víctor López Zulmezu
Rolando Cisternas (Talca, 1976) Artista visual y dibujante con estudios de Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad ARCIS. Desde 1995 a 1998 realiza una estadía en el departamento de Anatomía de la Universidad de Chile, donde comienza un trabajo desde la ilustración médico – científica que continúa hasta el año 2009. Luego de eso desarrolla una propuesta de obra desde el dibujo y desde entonces ha estado en ferias y exposiciones individuales y colectivas.
Entiendo mi obra como un pensamiento que se despliega en imagen, una reflexión sobre el territorio vivencia, más que una verdad mimética, una proyección de nosotros mismos. Desde esa superposición de memorias, mimesis, fragmentos que cruzan lo real y lo inconsciente surge, el mundo que mi obra despliega para sustentar su razón.
En mis dibujos (que son mi disciplina primaria) con los mínimos recursos, carboncillo o tinta china, pretendo dar cuenta de un tiempo humano, uno que centra su experiencia desde el hacer como estado para acceder a la memoria, a través del achurado como ritmo y trama.
Mi trabajo mezcla distintos tipos de soportes: dibujo, video, intervenciones objetuales; y es sobre todo un escenario, un lugar que se presta a metamorfosis, transiciones, donde la síntesis de conceptos florece y se despliega.
La presencia de la naturaleza en mi trabajo tiene directa relación con el territorio como vivencia y recuerdo, la intención de rescatar las memorias más limpias, primero como un paisaje total, luego como una sumatoria aleatoria de elementos en convivencia, para finalmente ir desgranando las partes hasta convertirlas en fragmentos independientes, rocas, plantas, hojas, etc.
Pretendo dar cuenta de la contemplación como resistencia, una insistencia vigente, un tiempo que cruza la representación, en contraposición a la mediatización imperante, además de dar una noción desde lo artesanal al concepto de trabajo.
Este palimpsesto de marcas géstales que cruzan la naturaleza y el trabajo mismo hablan de mi interés por una visión política como un arte de insistencia y proceso, que sienta sus bases en la ambigüedad, la contradicción y la incertidumbre.
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Geneamorfosis - Kira Piriz en Aninat Galería
"Geneamorfosis" | Kira Piriz
Por Aninat Galería
Kira Piriz vuelve luego de 3 años a Aninat Galería con una muestra sobre el género y las nuevas familias dentro de un contexto urbano.
Kira reside en Berlín, en donde ha desarrollado este nuevo cuerpo de obra durante la pandemia, tomando como objetos de investigación y estudio a familias no binarias y no heterodoxas.
“Lo imitable, lo no captable, la urgencia de aceptar, tan fluida como el agua, tan infinita como el deseo, una burbuja con la que perderse” (Rebecca Solnit sobre Virginia Woolf).
Kira Piriz explora las transformaciones sociales producto de las reinvindicaciones de género. “Geneamorfosis” es el título escogido para dar cuenta de cómo estas transformaciones han ampliado también las genealogías personales y el concepto de familia, cuestionando los conceptos binarios y heteronormativos de entender las relaciones humanas.
“Geneamorfosis” viene del griego γενεά (genea), palabra que significa raza, nacimiento, preparación, descendencia (también conocida como historia familiar). Y mórfosis del griego μορφωσις, que significa “cambio de forma”. Desde el punto de vista simbólico, y sobre todo en el imaginario de las culturas artísticas y literarias, se asocian a realizar cambios o mutaciones positivas. Pasar de un estado a otro para ser mejor. La morfosis se convierte en un instrumento de apoyo integral que ayuda a las personas a ser una mejor versión de sí mismos, a alcanzar su potencial verdadero, sin perder la autenticidad de su esencia.
En la muestra, la artista manifiesta su perspectiva del concepto de familia, desde un ángulo de cuestionamiento sobre su composición. Donde historias personales, amistosas y/o amorosas se entrelazan.
La colección de pinturas provienen de fotografías y collages íntimos que dan vida a esta serie de óleos que representan realidades constantemente oprimidas que necesitan ser visibilizadas con urgencia y en respuesta a las mutaciones sociales de nuestros tiempos. Los núcleos familiares cambiaron, los nuevos árboles genealógicos ya nunca serán los mismos.
Las persistentes luchas sociales llevan siglos intentando cambiar las estructuras sociales hegemónicas. Todos, todas y todes son parte de esta revolución de amor y libertad.
De acuerdo a las tradicionales principios de familia de occidente, ésta significa el vínculo impuesto por la composición sanguínea, por un ADN, definida por la inescapable biología corporal. Esta forma estructural de entender la familia impulsa al artista a posicionarse en un espacio de confrontación etimológica vs empírico. Cada sujeto representado en las obras ha formado su propio camino dirigido hacia la anhelada familia elegida. Promoviendo reflexiones sobre las relaciones humanas y sus vínculos, homenajeando las lecturas que ven a la familia más allá de los genes.
Kira Piriz (Santiago, 1987), artista chilena radicada en Berlín, ha utilizado diferentes medios en sus trabajos: collage, fotografía, acuarela e instalación, pero sin duda la pintura es el medio que usa con más intensidad para comunicar la valoración sensible de su registro emocional.
“Intento descubrir pequeños fragmentos simbólicos de una belleza irrelevante y comunicarlos al espectador. Piezas que en secreto se reservan el éxtasis de la existencia que pueden reencarnar quizás un único recuerdo olvidad perdido en el tiempo, y revelarlo” Kira Piriz.
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Navidad en CV Galería
Navidad en CV Galería
Malabarista, la obra de Daphne Anastassiou
Creemos que las experiencias estéticas cotidianas promueven la felicidad de las personas, por eso, invitamos a la artista visual Daphne Anastassiou a presentar una obra escultórica que uniera arte, diseño, botánica y tradición navideña.
Te invitamos en esta época de celebraciones a sumergirte en un espacio atmosférico de armonía, luz y esencia divina, con la obra Malabarista.
Conversamos con la artista para conocer su inspiración y el significado de Malabarista en CV Galería. Te invitamos a sumergirte en su mundo.
¿Qué buscas transmitir al espectador con esta obra?
A través de esta obra busco que el espectador pueda tener una experiencia lúdica al observar y recorrer la escultura, también que pueda conectar con los conceptos asociados a la idea de malabarista, nombre que tiene la pieza escultórica.
Malabarista nos invita a pensar en las acciones que debemos realizar para permanecer en equilibrio.
¿ Qué quieres que se perciba con la escultura para los que visitan CV Galería?
Me gustaría que la escultura se perciba de una manera cercana, que predomine la idea de juego en la percepción de la obra.
Algo simple, lúdico y a la vez, profundo. ¿Qué hago yo para encontrar equilibrio y centro? ¿Con qué hago malabares? Que me ha tocado desarrollar para poder hacer malabares y estar en equilibrio.
Los malabares exigen la cooperación de los hemisferios izquierdo y derecho del cerebro. Requiere de mucha flexibilidad, coordinación, astucia, concentración y sabiduría. Gran armonía de movimiento.
Malabarista es una escultura que tiene mucha vida y mensajes. ¡Lo importante es que la gocen! A cada uno le llegará de manera diferente y eso es increíble. Me gusta la idea de la magia, juego… despertar la reflexión y entusiasmo.
¿Cómo la relacionas con esta época de fiestas y celebraciones?
Es una escultura que me inspira celebración, delicadeza, fuerza sutil, armonía, amor, alegría, paz y unidad. La estrella puede significar también nuestros sueños.
En esta época de Navidad, es esencial sentir esa estrella que yace en nuestro interior, saber que todos somos parte de la luz divina. La Navidad es un espacio de reencuentro con todo ese infinito potencial de amor y luz que somos. Un bello momento para contactarnos con esa esencia creativa y comprometernos a desarrollarla e irradiar ese infinito potencial de luz y amor.
Momentos para compartir en amor y honrar la luz que habita en otros.
¿Qué te pareció hacer el proyecto en CV Galería? ¿Cómo definirías el lugar?
Me encantó cuando me invitaron, ¡solo gratitud! Un privilegio y una gran oportunidad, CV Galería es muy acogedor y cautivador.
Me encanta la ubicación física donde va la escultura, se luce y se hace una con el lugar. CV Galería es único, especial, mágico, de encuentro y celebración, de artes visuales. Un espacio donde existen diversos mundos, oportunidades en sabores y ambientes, donde además la naturaleza es parte importante del lugar y está en varios espacios a la vez.
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Entrevista Lorenzo Ellis de Moblash
Lorenzo Ellis de Moblash: “Queremos democratizar el diseño y la comodidad"
Moblash es la nueva tienda de mobiliario y diseño que arribará a CV Galería durante el próximo mes, con un sello alegre, motivador y divertido, enfocado 100% en la experiencia de los clientes.
Con muebles de diseño y fabricación brasileña junto a tecnología italiana, ofrecerán productos de variados estilos, para crear espacios versátiles y flexibles.
Más que una tienda de mobiliario, para Lorenzo y Leonardo, creadores de Moblash, el concepto es superior: “queremos democratizar el diseño y la comodidad. Buscamos muebles y objetos que tengan historias para contar, que sean hechos con amor, valorando toda la cadena productiva, para colaborar con la sociedad y el futuro de nuestro planeta”.
“Queremos que nuestros clientes encuentren lo que los representa y su identidad. Nuestra misión es ayudarlos a crear el escenario donde vivirán, compartirán y contarán las mejores historias de su vida. Ellos son los protagonistas, nosotros solo colaboramos con objetos que crean ese ambiente tan rico que llamamos hogar” explica Lorenzo.
Te invitamos a leer esta entrevista, donde nos cuentan más sobre la visión de esta novedosa marca que llegará a revolucionar CV Galería.
¿Qué es Moblash?
Se crea desde un ambiente familiar. Somos dos amigos de infancia con visión emprendedora y un propósito claro: entregamos valor más allá del producto, escuchamos al cliente, entendemos sus necesidades y ajustamos nuestro modelo a eso. Queremos estar a su lado y atender sus expectativas.
La marca nace de la unión sonora de nuestros productos: muebles, amoblar con el movimiento, algo fluido, líquido, orgánico como la vida y las personas.
¿Cuáles son los sellos de Moblash?
Buscamos muebles y objetos que tengan historias para contar. Eso tiene que ver con curaduría, con buscar o “minerar”, conocer diseñadores, artistas y fábricas que tengan buen diseño, que los materialicen con ganas y les pongan pasión al hacerlo. Queremos darle espacio a pequeños productores, diseñadores y artistas desconocidos o emergentes que tengan buen trabajo, pero que les falta la oportunidad.
Además, somos sustentables pero no solo por el lado medioambiental, porque eso debería ser básico y no un diferencial en las empresas. Usar materiales producidos de forma que impacten menos, maderas de reforestación y certificadas, reciclaje de embalajes, son principios para nosotros.
Queremos ser sustentables en la cadena de negocio. Pagando bien a los pequeños productores, buscando proveedores que tengan los mismos valores y que sigan estas directrices, que se preocupen por el impacto social, aporten en comunidades y donde puedan dentro de sus posibilidades. Un negocio que no abuse de la sociedad o de oportunidades. Eso es sustentabilidad para nosotros.
Cuéntenos sobre el concepto de guide shop que tendrá la tienda
Es un espacio para que las personas puedan ver, probar, crear y ambientar de la forma que deseen. Un lugar sin restricciones, con espacios que sean versátiles y flexibles que sean una “vitrina y luces” para ellos.
Queremos generar una experiencia inmersiva, donde podrás armar un ambiente con las opciones de muebles que tenemos y te gusten, para probar cómo queda. Crear tu moodboard con la ayuda de nuestros expertos y alianzas.
¿Por qué eligieron CV Galería para instalar su tienda?
CV Galería se alinea a nuestro rubro de arquitectura, diseño y arte. Compartimos las mismas ideas y conceptos. Tenemos mucha sinergia en acciones que pensamos hacer y crear con CV. Además de estar muy bien ubicado, tener un ambiente agradable y contar con servicios que mejoran la experiencia de nuestros clientes.
¿Por qué Moblash se diferencia de los demás muebles?
Nos enfocamos en descubrir cosas diferentes, presentar nuevos diseños y tendencias, pero más que eso, son productos con alma. Además de tener muebles bien fabricados y terminados, que cuentan con garantía contra defectos de fabricación de 6 meses, nos focalizamos en productores que usen lo justo y necesario para un buen trabajo, lo que posibilita que nuestros objetos lleguen a buen precio y alcancen más personas.
¿Cómo es el proceso de fabricación y diseño?
Nuestras dos principales fábricas en Brasil, de las cuales somos representantes exclusivos para Chile, buscan producir con alto estándar de calidad y tecnología, para mejorar la forma y facilitar el trabajo de las personas durante la producción.
Todos los años buscan referencias y tendencias para adaptarlas, como por ejemplo, las telas de la línea con tecnología Easy Clean de nuestros sofás, que son producidas en Italia e importadas a Brasil y muchas de las maquinarias usadas en la transformación de la madera son italianas.
Somos expansionistas y creemos que Brasil se nos hará pequeño, por lo que queremos descubrir más productores y diseñadores del mundo con las mismas características que mencionamos anteriormente. Y por supuesto hacer lo mismo en Chile. Rescatar la tradición de los telares originarios y la artesanía, potenciando nuestras raíces.
¿Qué podrán encontrar en su tienda?
Todo lo que es living y comedor, incluyendo la decoración. Dentro de los sofás, además de sus variados diseños, tenemos funcionalidades como los reclinables y retráctiles, donde el asiento del sofá se extiende hacia adelante y permite ver una película extremadamente cómodo.
También tenemos líneas exclusivas de diseñadores como Luia Mantelli y Fernando Motta, que traen estilo, innovación e irreverencia en los productos.
El último en sumarse es Cá D’oro, una fábrica de diseño de vidrio soplado. Elementos hechos con la misma técnica de Murano, pero en Brasil por Mario Seguso, quien crea piezas fantásticas de forma artesanal, logrando que cada una sea única.
¿Qué es lo que quiere dejar como legado cada mueble de Moblash en los hogares?
Emoción y personalidad. Las mejores memorias que tenemos son las emocionales.
La casa es de cada uno, un lugar íntimo, creado para que lo llamemos nuestro y debemos sentir eso. Debe tener personalidad propia y esa es única. Queremos dejar en cada pieza una sonrisa.
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Mirómetro - Óscar Gacitúa en Aninat Galería
"Mirómetro" | Óscar Gacitúa
Por Aninat Galería
Te invitamos a la exposición “Mirómetro de Óscar Gacitúa en Aninat Galería, con entrada gratuita hasta el 8 de diciembre.
El proyecto “Mirómetro” está relacionado con mis inicios como pintor y específicamente con mi primera exposición realizada en julio de 1980 en la Galería Época. Con motivo de ella, Ana María Foxley realizó un importante reportaje/entrevista que apareció publicado en la revista “Hoy” de entonces, en la que manifesté que uno de los artistas chilenos que más me interesaba era el poeta Enrique Lihn.
Tiempo después me enteré que Enrique Lihn leyó esa entrevista y se sintió casi obligado a ver mi exposición y luego escribió una serie de textos (poemas, ensayos, cuentos) que reunió bajo el título de “Mirómetro” y los envió en una carpeta a mi casa.
“Las rodillas de un voyeur” 2020
A mi vez, impresionado por este gesto, me vi compelido a responderlo y comencé a dibujar, ilustrar y diseñar un conjunto de obras hasta darle forma a un libro que daba cuenta de la serie de particularidades que proponían los textos, algunos de ellos entrecruzados con transparencias, otros escritos al revés y solo legibles con un espejo, todos haciéndose cargo del voyeurismo como forma contemporánea de mirar, y producto de ello realicé una maquette que reunió esos textos y mi trabajo gráfico en torno a ellos.
De modo que este proyecto inicia también una amistad que cultivamos con Enrique Lihn y que se concretó a través de diversos proyectos editoriales, políticos y culturales que involucraron a mucha gente, materializados en las Ediciones del Camaleón, en varios proyectos fílmicos, en exposiciones como “Artes e industrias de la supervivencia” que incorporaron a muchos artistas y que dan cuenta de la obra de Enrique Lihn hasta su muerte en 1989.
Desde entonces intentamos realizar este proyecto tal cual lo diseñamos, con todas sus complejidades y no lo logramos, principalmente por las dificultades técnicas que encarecían su impresión, y a pesar de todo el interés que ha seguido creciendo en torno a la obra de Lihn -reediciones, antologías, traducciones, ensayos, tesis académicas- y que sin embargo mantuvieron este libro inédito.
“Yo cacho” 2021
Esta exposición reúne el trabajo de todos estos años que culminan en el libro “Mirómetro”. En el espacio Gabinete de Galería Aninat se expondrán estos originales del libro inédito de Enrique Lihn, libro que invita a una reflexión alrededor de esta mirada urbana que en muchos sentidos nos sitúa y nos retrata.
Óscar Gacitúa estudió en la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile (1970/1971), en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso (1972/1975), y en la Escuela de Arquitectura de la Universidad del Bío-bío (1976/1977).
Desde 1980 se dedica profesionalmente a la pintura, a la vez que ejerce como luthier en pianos.
Entre 1990/94 ejerce como Director de Arte de la Casa del Arte Diego Rivera, Puerto Montt. Entre 1995/96 está a cargo de Extensión en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Los Lagos.
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Mirar - Francisco Bustamante
Exposición "Mirar" | Francisco Bustamante
CV Galería a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV, invita a recorrer la exposición “Mirar” del destacado artista Francisco Bustamante. Transitando entre la pintura y los objetos cerámicos, la muestra explora con agudeza y profundidad un imaginario erótico.
El trabajo reciente de Francisco se trata de un universo expandido, que atraviesa épocas y culturas y que ofrece una expresión carnavalesca, en su deseo de romper las jerarquías establecidas proponiendo un juego festivo, donde la belleza y lo ominoso se abrazan naturalmente.
La imagen del falo, que aquí se descubre bajo distintas formas y escenas, viene a incomodar los prejuicios instalados y a detonar nuevas lecturas. Lejos de un afán provocativo -aunque en la práctica un observador pudiera sentirse perturbado-, el artista monta esta imagen de la sexualidad masculina para abrir la percepción a un mundo complejo y contradictorio, donde lo personal y lo colectivo, el presente y el pasado se traman. De hecho, los referentes de estas obras provienen de relatos ya consagrados por la historia del arte.
El creador Francisco Bustamante, licenciado en Arte, mención Pintura en la Universidad Finis Terrae y Master en Fine Arts en la Central St. Martins College of Art and Design en Londres, irrumpe con una selección de cuadros y piezas de cerámica con las que busca producir un ambiente misterioso y sensual a la vez, donde las imágenes sean disparadores de preguntas y sensaciones.
Los objetos cerámicos están inspirados en los huacos sexuales que produjeron muchas culturas precolombinas del Perú, principalmente la Moche. Esa sociedad rendía un intenso culto al falo, que se representaba con dimensiones exageradas, para simbolizar la virilidad como potencia creativa. Estas figuras no solo hablaban de relaciones sexuales, sino que también celebraban la fertilidad y la abundancia en la naturaleza.
Por otra parte, las pinturas de gran formato tienen como referente al pintor flamenco holandés Pieter Brueghel, especialmente su cuadro “La caída de los ángeles rebeldes”. Francisco extrae del referente el efecto de caos que invade toda la superficie pictórica. No hay un objeto central jerarquizado, sino que todos los elementos cohabitan en un espacio dislocado, generando múltiples relaciones entre sí.
“Más allá de mi orientación sexual, mi trabajo está atravesado por una biografía particular. Nací en Lima y soy de familia peruana, pero crecí en Chile. Mi abuelo, José Luis Bustamante y Rivero fue Presidente del Perú y derrocado por una dictadura militar a fines de los 40’s, por lo que tuvo que exiliarse. Muchos años más tarde, en los 80’s, su casa en Lima fue ametrallada por comandos de Sendero Luminoso y miembros de mi familia fueron secuestrados. Mi padre, que ejercía la carrera diplomática, fue amenazado de muerte, lo que nos obligó a abandonar definitivamente Perú y trasladarnos a Chile, cuando yo aún no entraba en la adolescencia. A los 28 años fui a hacer mi magister en Londres, y desde entonces, no he parado de viajar y producir obra en distintos contextos. La diversidad de culturas y lenguajes es un motor que energiza mi trabajo. La riqueza visual del sincretismo latinoamericano, sumada a la violencia política y social que marcan el contexto de mi biografía, nutren mi imaginario”.
¿Por qué las imágenes que elabora Francisco Bustamante podrían resultar perturbadoras? ¿Acaso las imágenes, en sí mismas, portan una carga de provocación? ¿O será más bien que esa carga viene de la mirada del observador? Solo vemos lo que podemos ver, lo que está dentro de los códigos en que ha sido educada nuestra mirada.
En la muestra, el artista nos desafía a mirar de nuevo, “mirar con ojos despejados, aguzar los sentidos, complacerse en el puro acto de observar, suspender el juicio, habitar festivamente la incertidumbre, aceptar la diversidad y las contradicciones que nos constituyen como seres en permanente tensión”.
La muestra estará abierta al público en forma gratuita hasta el 14 de diciembre de 2021. De lunes a sábado de 10:30 a 23:30 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas, en Lab Cultural CV.
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Cuerpos - Mariana Neuweiler
"Cuerpos" | Mariana Neuweiler
La escultura es una disciplina de las bellas artes que crea a través de la acción de esculpir sobre diferentes materiales una forma tridimensional. A través de esta acción, el artista consigue expresar sus ideas, figurativas o abstractas, logrando reflejar lo que alberga su pensamiento, sus emociones y su habilidad técnica. La escultura abstracta modela las formas, apoyada en los recursos tradicionales de ésta, como son la textura y las configuraciones geométricas, marcadas o matizadas.
Los griegos se destacaron en el arte del tallado del cuerpo humano y las tramas, sirviendo de inspiración a los futuros artistas. En el caso de Mariana, donde su temática gira en torno a la expresión de la figura humana, en especial la femenina, dando vida a través de la generosidad del gres, a pequeños y grandes volúmenes, sinuosos, lúdicos y espontáneos.
Con gran minuciosidad, va desafiando la gravedad por medio de cuidadas líneas de expresión en cada una de sus piezas, generando formas que a veces parecen imposibles de lograr. Esta artista y pedagoga en arte, logra con gran fluidez transmitir lo que le es propio, una gran paz interior, sin desconocer la fuerza interpretativa que cada imagen nos regala, invitándonos a identificar lo que su mirada intenta revelar: a la mujer, la madre, la amiga, la trabajadora, la amante o la esposa.
Lo femenino ha sido parte recurrente en su materia: “Me gusta trabajar con las curvas del cuerpo femenino, con su sensualidad y plasticidad. Soy una admiradora de la delicadeza que encierra la mujer. Nuestro cuerpo es el reflejo de nuestro interior, de nuestra alma, el que a través de nuestros movimientos comunica diversos estados de ánimo. Como artista me apropio de los materiales de la tierra, los transformo, vertiendo parte de mi en ellos, entregándolos nuevamente a la naturaleza, como una ofrenda a nuestra existencia”.
Coordenadas
Cuándo: 17 de noviembre a 17 de diciembre
Dónde: Secret Gallery, CV Galería
Horarios: lunes a sábado de 10:30 a 23:30 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas.
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Todo tiempo pasado fue
Exposición "Todo tiempo pasado fue"
CV Galería en colaboración con Espacio O, presentan e invitan a recorrer la exposición colectiva “Todo tiempo pasado fue”, de un nutrido grupo de artistas nacionales.
La muestra, que participó del programa Gallery Weekend 2021, invita a la reflexión y a revisar la historia bajo la lupa de la información y posibilidades del presente. Los artistas reflejan en sus obras realidades que hoy son cuestionadas, temáticas revisadas, en el sentido que al volverlas a mirar nos empujan al cambio. En general, la fuerza de la evolución con toda la inestabilidad e incertidumbre que esta conlleva, pero también con la esperanza en que pensar en el futuro ha sido la forma en que hemos avanzado como humanidad.
En un contexto de cambios significativos del paradigma social, cabe preguntarse si “todo tiempo pasado fue mejor” al estilo de los sectores más conservadores, o si más bien la realidad es el sentir juvenil del “pasado ya fue”, recalcando el cuestionamiento y la renovación bajo una nueva forma de ver.
Los artistas guiados por la curaduría de Daniela Claro, que participan son: Bruna Truffa, Ciro Beltrán, Sebastián Leyton, Norton Maza, Fernanda Gutiérrez, Colectivo Hipermercado Casino, Alfredo da Venezia y Virginia Guillisasti.
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Farándula de Charlatanes - Iván Navarro en Aninat Galería
"Farándula de charlatanes" | Iván Navarro
Por Aninat Galería
Abismos, infinitos y discursos urgentes se conjugan en las obras de Iván Navarro que Aninat Galería presenta hasta el 23 de octubre, exhibición con la que además participó del programa de Gallery Weekend 2021.
Podríamos decir que existe un paralelismo entre la obra de Iván Navarro y la alegoría de la caverna de Platón, haciendo especial hincapié en la presencia de la luz y la oscuridad. Navarro transforma a la resistencia en una cuestión eléctrica, en donde la oscuridad no solo tiene la capacidad de atemorizar sino también de fascinar por el sutil juego con el que el artista lleva al espectador a lugares de la contingencia.
“Rhyme, Rival” 2011
La exhibición “Farándula de Charlatanes” nos muestra un recorrido por diferentes estrategias formales, que a su vez son ecos de problemáticas políticas y sociales atingentes.
Con un elegante lenguaje de neón, vidrios y espejos, donde la forma ha sido abstraída, Iván Navarro revela en el interior de sus obras de frías luces, mensajes que se multiplican perdiéndose en la oscuridad, como agujeros negros que se abren camino a un espacio inventado e ilusorio, conformado por los espejismos que producen el sin número de avisos publicitarios luminosos. Podríamos decir que Navarro nos lleva a preguntarnos por el triunfo o decadencia de un sistema de poder que comprime el espacio.
Radicado en New York desde 1997, Iván Navarro es uno de los artistas chilenos contemporáneos más relevantes a nivel internacional. En 2009, representó a Chile en la Bienal de Venecia. Ha sido objeto de exposiciones individuales en el Jersey City Museum, Nueva Jersey (2005 y 2007); Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile (2007); Taller y museo de telas, Filadelfia (2008); Towner Gallery, Eastbourne, Reino Unido (2009); Centro de Arte Caja de Burgos, Burgos, España (2010); y Patricia y Phillip Frost Art Museum, Miami (2012). Participó en las principales exposiciones colectivas Prospect.2 Biennial, Nueva Orleans (2011) y The Disappeared / Los Desaparecidos, que fue organizada por el Museo de Arte de Dakota del Norte, Grand Forks, y viajó a diez lugares en América del Norte y del Sur desde 2005 a 2009. Su trabajo también ha sido presentado en exposiciones colectivas en el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York (2006); Witte de With Centrum loor Hedendaagse Kunst, Rotterdam (2006); Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas, Washington D.C (2007); Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Las, La Habana (2012); Exit Art, Nueva York (2012); Hayward Gallery, Londres (2013).
La obra de Iván Navarro forma parte de importantes colecciones públicas y privadas tales como Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York; Fondation LVMH, Paris; Saatchi Gallery, Londres; Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas; los Museos de Bellas Artes de Boston, Virginia, Rio de Janeiro y Santiago de Chile; y el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.
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Entrevista Fernanda Lisboa de Sierra Muebles
Fernanda Lisboa: “Sierra Muebles más que una marca, es una filosofía de diseño y decoración"
Fernanda Lisboa, directora creativa y emprendedora de Sierra Muebles en Chile, es brasileña, bióloga de formación y viene de una familia de decoradores y arquitectos.
Desde sus 16 años ha estado involucrada en procesos de diseño arquitectónico y decoración de espacios. Desde sus viajes por el mundo hasta llegar a Chile siempre tuvo muchas ganas de abrir un negocio, con un enfoque en la mueblería y el diseño.
Cuando en 2009 llega a Santiago encuentra la oportunidad de establecer aquí ese antiguo deseo. “Siempre amoblé mis casas con la marca Sierra Muebles, debido a la filosofía de trabajo, calidad y la excelencia en diseño de esta empresa”
De esta manera, se volvíó muy amiga del dueño de la Marca, que también es uno de los diseñadores de Sierra Moveis/Brasil, André Tissot, lo cual la motivó a abrir una franquicia en Santiago.
¿Qué es Sierra Muebles?
Es más que una marca de muebles, es una filosofía de diseño y de decoración. Los muebles son hechos con madera de reforestación y retoma muchos valores de la historia del diseño brasileño, donde hay un protagonismo fuerte en el diseño del Sur de América.
¿Por qué eligen a CV Galería para instalar su tienda?
Cv Galería tiene todo lo que necesitamos para trabajar, un ambiente lleno de inspiraciones y repleto de buenas marcas, restaurantes y lo más importante: ¡Arte!
¿Por qué Sierra Muebles se distingue de los demás muebles?
Sierra Muebles aporta la actualidad y confort al diseño brasileño desde una mirada sostenible y atemporal. Tenemos referencias de los principales nombres de la historia del diseño modernista de Brasil, como Niemeyer, Jorge Tenreiro, Lina Bo Bardi, Zalszupin y muchos otros.
Es por eso que nuestros muebles poseen buenas referencias, conciencia ambiental y excelencia en calidad. Nuestra fábrica en el Sur de Brasil tiene un riguroso proceso de producción y garantía de calidad, con más de 400 trabajadores, sofisticado maquinaria y una lógica impecable de pruebas. Además de muchos procesos artesanales con profesionales altamente calificados.
¿Qué es lo que quiere dejar como legado cada mueble de Sierra Mueble en los hogares?
Lo que nos importa es dejar un legado en los hogares con estilo, inspiración, calidad y comodidad. Nuestros muebles hacen más que espacios: generan momentos.
¿Cómo nace cada una de sus piezas? ¿Cómo es el proceso?
Nuestras piezas parten de una inspiración y creatividad muy natural en Brasil, donde tenemos nuestra historia repleta de buenos arquitectos y diseñadores cómo horizonte. Cada pieza de Sierra Muebles pasa por procesos desde el prototipo, los test de calidad, con sofisticadas maquinarias, hasta que van a la estera de producción. Nuestra materia principal es la madera de reforestación, pero también trabajamos con distintos metales, vidrio, piedras y también materiales nuevos y tecnológicos.
Nuestros procesos de fabricación van desde el industrial hasta el artesanal. Cada pieza posee un repertorio único de producción lo que las deja con una calidad y diseño impecable para dejar cualquier ambiente lleno de estilo, confort e inspiración para proponer más que espacios como ya hemos dicho, sino momentos que nos hacen felices.
¿Cómo se llama la nueva colección? ¿En qué se basa?
¡Soul! Nuestra nueva colección se llama Soul. Es una colección importante para la historia de la marca, porque aporta nuevos horizontes de diseño a las antiguas piezas.
Es una colección basada en las líneas, curvas y texturas del movimiento modernista brasileño. Así como algunos de los principios del mismo movimiento, cómo la llevanza de los materiales, el aspecto de flotación y la tan exponente curva brasileña de las arquitecturas de nuestra moderna capital: Brasília.
La colección Soul está llena de inspiración y ya tenemos muchas piezas en nuestra tienda física, además de nuestra tienda online, donde se puede mirar y comprar muchas piezas que aún no llegaron a Chile.
Ustedes tienen como principal fundamento la Responsabilidad Ambiental, cuéntanos un poco más sobre esto y su proceso de creación.
La responsabilidad ambiental en uno de los principales pilares de Sierra Muebles, todas nuestras piezas son hechas con maderas de distintos tipos pero siempre de reforestación.
Brasil es un país verde, y por eso es tan importante para una marca de muebles de madera tener conciencia ambiental. Nuestro proceso de creación está orientado por más de uno o un diseñador o diseñadora, junto a muchos profesionales involucrados en el procesos de calidad y de fabricación.
Tenemos una fábrica enorme en el Sur de Brasil, y cada pieza es realizada para proponer lo mejor de cada ambiente, con foco en la responsabilidad ambiental y estética. Cada pieza pasa por pruebas de resistencia y por muchas manos, hasta llegar a nuestra tienda.
Aunque lo he dicho muchas veces, es importante reforzarlo. Nuestras maderas vienen de la reforestación, y absolutamente todas, son enviadas a la industria después de 17 años, para garantizar el proceso de responsabilidad ambiental de acuerdo con las leyes brasileñas.
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