"Irisación móvil" en Aninat Galería
Exposición "Irisación móvil" de Iván Contreras Brunet
Hasta el 22 de mayo de 2022
El arte cinético es un movimiento que irrumpe en la escena del arte contemporáneo donde los artistas latinoamericanos participan de manera activa y protagónica innovando con técnicas y lenguajes inéditos. Los venezolanos, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, los argentinos Julio Le Parc, Luis Tomasello y los geométricos brasileños Abraham Palatnik, Hélio Oiticica, Lygia Clark son artistas pioneros que hoy se encuentran en museos relevantes. En Chile, los artistas Matilde Pérez y el recientemente fallecido Iván Contreras-Brunet son exponentes y protagonistas de este movimiento que tiene un gran reconocimiento internacional.
En 1952, Iván Contreras-Brunet migró a Paris, donde vivió casi toda su vida. Ente 1958 a
1962, el artista vivió algunos años en Nueva York, pero volvió a Paris para continuar
desarrollando el lenguaje artístico que le interesaba, el arte cinético, y consolidar su amistad con Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez.
Es mezquino encasillar el trabajo de Iván Contreras-Brunet sólo en el arte cinético, su
investigación geométrica comenzó con el minucioso estudio y análisis de las estructuras
horizontales y verticales del paisaje en el desarrollo del trabajo de P. Mondrian. Fui afortunada al conocer a Iván Contreras-Brunet, donde pude constatar de primera fuente revelaciones de su investigación y búsqueda respecto a las formas, el color y la composición; el artista contó que estudiaba el paisaje durante el amanecer y anochecer, le interesaba el momento lumínico cuando los objetos se encuentran difusos y cuando la estructuras horizontales y verticales están en máxima tensión.
En un comienzo, Contreras-Brunet se interesó por el paisaje impresionista; son los contenidos estructurales del impresionismo lo que le interesan: reflejos, reflexión de elementos flotantes, paso de la luz a través de elementos sólidos, vibraciones cromáticas, contaba en entrevista a ArtNexus. El artista pudo estudiar minuciosamente los vitrales de las catedrales europeas para conseguir lo que anhelaba; la desmaterialización de las formas dentro de un orden geométrico.
En la década de los cincuenta, París era un centro de innovación y el desarrollo de nuevas
ideas. Contreras-Brunet se relaciona con los venezolanos Carlos Cruz-Diez y Jesús Rafael-Soto, estableciendo una amistad que durará toda la vida. Junto a sus colegas, comparten muchas inquietudes en torno a temas artísticos, textos fundamentales relacionados a los orígenes del arte abstracto; Kandinsky, Michel Seuphor, la visión en movimiento de Moholy-Nagy.
Luego de una breve temporada en Nueva York, a finales de la década del 50, vuelve a Chile por 6 meses donde dicta una conferencia sobre las nuevas tendencias artísticas en la Escuela de Bellas Artes (1959) a pedido del grupo rectángulo.
En 1961, vuelve a París de manera definitiva, donde comienza a realizar piezas abstractas de carácter cinético utilizando plexiglás, debido al costo de este material, empieza a buscar otros soportes, encontrando en las rejillas metálicas grandes posibilidades, desarrollando un lenguaje propio para elaborar una propuesta de piezas que desarrolla la problemática del movimiento óptico.
En Europa Contreras- Brunet inicia una carrera que, con el tiempo, suma más de cincuenta exhibiciones individuales en Francia, Alemania, Inglaterra, Suiza, Holanda, Líbano, Israel, Filipinas, Chile, Argentina, y Japón. Participó en innumerables exposiciones colectivas en los países ya mencionados y en Corea, Perú, Colombia, U.S.A., solo por nombrar algunos.
En 1972 fue invitado por el Instituto Italo-Latinoamericano de Roma a representar a Chile en la Bienal de Venecia junto al peruano Eielson, el argentino Roca-Rey y el cubano Wilfredo Lam. El texto del catálogo realizado por Michel Seuphor, artista y teórico fundamental del arte abstracto.
La obra de Iván Contreras-Brunet tiene dos vertientes; la escultórica, cinética- parietal o
exente-, y la acuarela sobre papel. En ambos soportes el color es el gran hilo conductor. En los trabajos de acuarelas el color es leve, sugerente, inestable, iridiscente, mágico. “Creo que soy colorista. Mis búsquedas se han orientado hacia el color, sus posibilidades, su organización, sus relaciones con el espacio, sus técnicas y sin olvidar la importancia en las estructuras que constituyen el esqueleto de un objeto y mi trabajo”. A partir de los años setenta el artista incorporó el aerógrafo en sus acuarelas elemento que otorga mas volumen en sus trabajos.
La composición de las piezas volumétricas, están realizadas bajo una estructura determinada, donde el color y la figuración matemática son perfectamente estudiadas con el objeto de producir un efecto óptico. El artista trabajaba de la siguiente manera: sobre una estructura plana, como un cartón o madera delgada, el artista comienza realizando un fondo de color, luego superpone, por lo general, una reja metálica fina con una cuadrícula uniforme. Sobre este fondo suspendido realiza estructuras de figuras geométricas, cada una pintada minuciosamente a mano, con una compleja estructura matemática para generar un efecto óptico que genera movimiento y diferentes posibilidades a la composición. Para generar mayor dinamismo, Contreras-Brunet invita al espectador a recorrer sus piezas y descubrir en el movimiento del viento las distintas posibilidades visuales que entrega cada pieza al ser recorrida.
“En mis relieves móviles trato de suscitar, a través del movimiento, relaciones estructurales del color en el espacio. Se trata de un espacio tridimensional en el cual se mueven masas suspendidas, inestables y transparentes. Estos conjuntos donde se superponen estructuras verticales-horizontales no son indiferentes, ni a la luz ambiente, ni al desplazamiento del espectador, o al movimiento del aire”.
Iván Contreras-Brunet fue un artista que sólo realizo piezas únicas, porque le interesaba
enfrentar problemas complejos a través del uso de estructuras simples. La manifestación de la bruma y la naturaleza fueron fuente de inspiración y estudio. Un hombre incansable por avanzar hacia el conocimiento y el arte.
Por Javiera G-Huidobro
Disponible hasta el 22 de mayo en Aninat Galería. Entrada gratuita. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 horas y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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Día Mundial del Diseño: cuatro diseñadores que nos inspiran
Día Mundial del Diseño: cuatro diseñadores que nos inspiran
En el Día Mundial del Diseño, en CV Galería conmemoramos esta disciplina, donde en nuestro espacio, el diseño convive con la arquitectura, el paisajismo, la gastronomía y el arte.
Para reconocer el valor de esta disciplina y su capacidad de efectuar cambios en la sociedad, honramos a cuatro grandes diseñadores, quienes nos cuentan sobre su importancia en el día a día.
Alfonso Lacámara – Diseño de Interiores
Alfonso es arquitecto de la Pontificia Universidad Católica, y desde 2008 a 2011, trabajó como arquitecto desarrollando proyectos de vivienda, oficina, mobiliario y diseño de interior. En cuanto tuvo contacto con el diseño de interiores, se enamoró de esta área.
En 2013 fue socio fundador de la oficina de decoración The Project, donde realizó varios proyectos de interiorismo de casas y departamentos. Desde el 2018, trabaja como independiente, y en sus proyectos busca crear ambientes cálidos, acogedores, simples, funcionales y estéticamente lindos, usando distintas materialidades, texturas, colores y sensaciones, logrando un resultado espacialmente armónico que refleje la personalidad, la esencia y las necesidades de cada cliente.
¿Qué es para ti el diseño y cuál es su importancia en la sociedad?
“Para mí, el diseño de interiores es un proceso creativo que implica entender cómo las personas se relacionan en un espacio determinado, desde su funcionalidad, hasta las emociones que pueda transmitir y las experiencias que se puedan desarrollar en estos. Y cómo a partir de distintas soluciones especiales, una iluminación correcta, distintos usos de materiales, texturas, colores, etc, uno puede contribuir y ayudar a las personas a sentirse más cómodas, alegres, inspiradas y acogidas, interpretándolas y conociéndolas desde una perspectiva más íntima”.
Te invitamos a conocer sus proyectos en www.alfonsolacamara.cl y en Instagram: @alfonsolacamara.
Cristina Vergara y Catalina Dib – Diseño gráfico
Cristina es publicista y diseñadora gráfica, y actualmente está radicada en Barcelona, estudiando un Máster Interdisciplinario en Diseño y Comunicación en Elisava Facultad de Diseño e Ingeniería.
Durante su carrera ha desarrollado proyectos como TypoValpo, con el propósito de crear comunidad a través de la tipografía urbana, y es socia del laboratorio de arquitectura y diseño República Portátil. Además, ha participado en diferentes proyectos culturales y de educación, como EducomLab y Piloto-Galería, y trabaja como diseñadora gráfica para CV Galería.
¿Qué es para ti el diseño y cuál es su importancia en la sociedad?
“Comprender hoy el diseño con la visión que nos otorgaba el siglo XX, ya no es posible. Esta disciplina era vista más como una solución estética, pero si nos centramos en la actualidad, estamos viviendo tiempos de cambios sociales, la revolución digital, el feminismo y el cambio climático, temáticas que nos obligan a repensar el concepto de diseño por algo mucho más amplio y colaborativo. Actualmente, el diseño se ve obligado a unirse a distintas especialidades con el propósito de asumir estos cambios y acercarlos a nuestra realidad”.
Cristina está en Barcelona levantando @typobcn y haciendo crecer una red global de comunidades locales junto a Catalina Dib, como @typomontreal, @typobiobio, @typocoquimbo, @typostgo, entre otras. Te invitamos a visitar sus perfiles en Instagram para conocer más sobre este proyecto.
Orlando Gatica – Diseño de espacios, ambientes y objetos
Orlando Gatica Studio se ha dedicado durante más de 17 años y en más de 3.000 proyectos, a imponer un estilo de trabajo de innovación constante y la mejora sostenida en diseño y calidad del producto.
Recientemente junto a Raúl Domínguez, fueron premiados con dos proyectos en CV Galería por los Premios Chile Diseño, en la categoría “Diseño de Ambientes y Espacios, mención Hospitalidad”: el ganador, nuestro espacio Botánica (nivel -3) (lee más sobre este galardón aquí), y en segundo lugar, La Picantería.
Respecto al proyecto de La Picantería, Orlando nos cuenta: “tuvimos que traer a Chile dos restaurantes de Perú y fusionarlos en uno solo, en donde no se quería tener los códigos conocidos en nuestro país de un restaurante peruano, y rescatar los originales del dueño.
Investigamos la zona en donde partieron estos lugares en el norte de Perú, revisitando las picanterías que son muy parecidas a las fondas acá en Chile, pero reinterpretando los materiales -como barro y oro-, la luz y las texturas.
El resultado fue una imagen sencilla y relajada, para una comida en la que sus valores están en la calidad del producto. No tenía que ser un lugar rebuscado y sofisticado, sino que, la sofisticación estaba en la experiencia del relajo, al igual que en las picanterías de las costas de Chiclayo”.
¿Qué es para ti el diseño?
“El diseño ilustra el destino de evolucionar de la humanidad.
No solo inteligencia, sino al mismo tiempo estupidez, crueldad y astucia a través de su interminable relación con las herramientas, desde la edad de piedra hasta el día de hoy”.
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CV Galería recibe el Premio Chile Diseño en categoría “Diseño de Ambientes y Espacios, mención hospitalidad”
CV Galería recibe el Premio Chile Diseño en categoría “Diseño de Ambientes y Espacios, mención hospitalidad”
Nuestro espacio Botánica (nivel -3), gracias al trabajo del destacado diseñador nacional Orlando Gatica junto a Raúl Domínguez, fue el ganador de los Premios Chile Diseño en la categoría “diseño de ambientes y espacios, mención hospitalidad”. Orlando junto a Raúl, lograron convertir este espacio en una experiencia total e inmersiva, donde una exótica vegetación recorre sus muros, generando un manto de calma y relajo.
“El desafío era convertir este lugar, que está a 12 metros bajo el nivel de la calle, en un espacio inspirado en la selva y las pirámides Mayas. El proyecto es un ser vivo que evoluciona, cambia y se regenera naturalmente. Y hoy, es uno de los puntos gastronómicos más importantes del país” explica Orlando.
Con 16 años de trayectoria, los Premios Chile Diseño se han convertido en el principal reconocimiento de la industria en Chile. La distinción se entrega a los mejores proyectos de diseño nacional, realizados durante los dos años previos.
Su propósito es promover la importancia y el valor del diseño mediante el reconocimiento de proyectos que visibilicen el impacto y la relevancia de la disciplina, capaces de cambiar realidades a nivel social, cultural y económico.
Para conocer más detalles sobre el proyecto y el reconocimiento, conversamos con Orlando Gatica sobre sus impresiones y el camino recorrido. Te invitamos a leer su entrevista.
¿Cuál fue tu inspiración para diseñar Botánica? ¿Qué querías que reflejara el espacio?
“Cuando llegué a CV Galería en una fase de término, lo primero que me impresionó fue la majestuosidad del edificio cuando uno está en el nivel -3 (Botánica). Era una cantidad de un muy bien terminado hormigón a la vista, bello de mirar, pero no era lo que se necesitaba para rematar un espacio que alojaría restaurantes, un lugar donde tenían que pasar cosas y que sería visitado por muchas personas.
Dado lo anterior y al ver tanta cantidad de hormigón, lo primero era domar la vista y tranquilizar el ojo. Para ésto, la respuesta fue incorporar elementos de la naturaleza, reales, sin imitaciones, ya que sería algo capaz de acompañar al proyecto. Por eso, nuestro referente fueron las pirámides Mayas, porque cuando fueron descubiertas, la selva se las comió y en CV Galería pasa lo mismo. La pirámide es el edificio y la selva está empezando a crecer y a dar un carácter a este espacio que cambia año a año”.
¿A qué desafíos te enfrentaste al momento de diseñar y lograr plasmar la idea?
“Los desafíos fueron varios. El primero, entender cómo el edificio se comportaría con la gente y los restaurantes.
Luego, hacer el verde realidad. Inicialmente y gracias a Santolaya Ingenieros, logramos poner unos maceteros monumentales adosados a las paredes ya terminadas junto a un estanque de agua y la circulación adosada a la barra central, que nos ayuda a articular el espacio. Un atractivo indiscutible de esta plaza hundida.
Y el tercer desafío fue lograr armar el espacio con pocos elementos donde el verde y la vida jugaran un papel protagónico. Nada hubiese sido posible sin la experiencia y compromiso de Manuel Feliú de Verde 360”.
¿Qué significa este reconocimiento para ti?
“Lo primero, es que a pesar de que llevamos mucho tiempo en esto, en esta maravillosa profesión, este reconocimiento nos indica que vamos en la dirección adecuada, la de constante evolución, estar preocupados de un correcto proceso de observación de cada caso que se nos presenta, en particular, CV Galería. La intervención de este espacio es un aporte al bien inmobiliario y hoy, indiscutiblemente, es uno de los polos gastronómicos más importantes del país”.
Te invitamos a conocer Botánica y descubrir el alma vegetal de CV Galería.
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"El sonido de las formas" en Aninat Galería
Exposición "El sonido de las formas" de Antonia Johnson y Paula Ceroni
Desde el 26 de marzo hasta el 10 de mayo de 2022
Aninat Galería presenta el proyecto colectivo de gabinete “El sonido de las formas” de dos artistas emergentes: Antonia Johnson y Paula Ceroni.
Ambas artistas presentan composiciones sensibles y orgánicas que crean una ilusión a través del uso de la luz, las vibraciones de color y los espacios de silencio en la construcción de sus trabajos.
“Para mí, el espacio es un material. Articular el espacio se ha convertido en mi principal preocupación, por encima de otros conceptos. Intento usar las formas esculturales para crear distinciones en el espacio”. Richard Serra.
Antonia Johnson, Portia
La simultaneidad de opciones en el campo de la producción del arte no es un fenómeno nuevo. Se produce gracias al pensamiento pluralista actual, a la diversidad de tendencias y la exploración formal que ejerce cada artista al construir su trabajo y crear un lenguaje propio. Galería Aninat inicia su programación 2022 presentando; “El sonido de las formas”, trabajo de diálogo y montaje conjunto, entre las artistas emergentes; Antonia Johnson y Paula Ceroni. Aunque ambas artistas presentan (revelan) un lenguaje abstracto junto a un intenso trabajo de color, cada artista explora materiales, formas y una maniobra de composición propia, logrando una propuesta personal.
A través del uso de la abstracción, las artistas llevan al espectador a ampliar el poder de percepción sensorial, proponiendo nuevas aproximaciones a la apreciación de la obra, para experimentar una relación nueva con el espacio, el vacío, la composición de formas y el impacto que produce la vibración del color en los trabajos que presentan las artistas.
La exhibición es una exploración entre la poética y dialéctica de las formas geométricas, orgánicas y el impacto de la luz y la función del color sobre la materia. “Los colores se rigen por una lógica interna y engañosa”, afirmaba el artista alemán Josef Albers, quien demostró que el color es un fenómeno completamente relativo; los colores se cambian constantemente según su yuxtaposición y relación con otros colores. “Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales cuando se asocian a distintos fondos. Es así que un mismo color permite innumerables lecturas”, dice Albers. Esta es la riqueza de los trabajos de Antonia y Paula, la exploración del color y sus múltiples posibilidades utilizando una economía de medios en sus trabajos de gran manualidad.
Paula Ceroni, Curva Infinita
Las piezas son integraciones visuales de gran carga estética, que van despertando emociones en el espectador. La exhibición “El sonido de las formas” es un diálogo de trabajos entre ambas artistas, donde a través del uso de diferentes técnicas y materiales; como textil, deshilado, papel, cartón, la técnica de extracción o vacío y el uso del color, van generando espacios geométricos y formas orgánicas, donde el espectador se sumerge hacia nuevas dimensiones somáticas abstractas.
La acción del cuerpo sobre los objetos, las diferentes decisiones que las artistas imprimen sobre los materiales van creando una ilusión volumétrica imprimiendo su impronta, realizando piezas de fronteras difusas entre la pieza bidimensional y la escultura, utilizando medios mínimos que producen un gran efecto e impacto sobre la materia.
“El sonido de las formas” es una muestra que permite una interacción activa del espectador, que viaja a una experiencia sensorial de introspección, donde las artistas Antonia Johnson y Paula Ceroni presentan composiciones sensibles y orgánicas que crean una ilusión a través del uso de la luz, las vibraciones del color y los espacios de silencio en la construcción de los trabajos.
Desde el 26 de marzo hasta el 10 de mayo en Aninat Galería. Entrada gratuita. Lunes a viernes de 10:30 a 19:30 horas y sábado de 11:00 a 14:00 horas.
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David Escalante para Moblash
Exposición "MetaMarioneta" en Moblash
Hasta el 30 de abril de 2022
Bajo el lema de democratizar el diseño, la comodidad y el arte, Moblash usa sus espacios de Guide Shop como vitrina para que artistas expongan sus trabajos, proyectos e ideas con el propósito de crear oportunidades para que puedan apalancarse.
El próximo viernes 18 de abril, inauguran la exposición “MetaMarioneta” del artista y maestro titiritero David Escalante, que estará disponible hasta el 30 de abril en su tienda ubicada en Nivel Calle, de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 hrs. y sábado de 10:00 a 15:00 hrs.
Transformar y dar una nueva oportunidad a lo orgánico que el mar nos devuelve es el propósito de David Escalante en esta exhibición. Con materiales recogidos en playas de Valparaíso, dejados en la arena por las mareas, crea marionetas.
“La casualidad al encontrar cosas y crear personajes llenos de vida con materiales ya muertos es fascinante. Dar una oportunidad de renovación a la materia orgánica que fue de alguna forma transformada por el agua, sol, bacterias y a todo lo que estuvo expuesta, hace una mezcla de vida y muerte a la cual le vuelvo a dar un propósito, empezando un nuevo ciclo. ¡Es una creación conjunta del universo conmigo! Las marionetas están impregnadas de historias, a través de los materiales, por todo lo que han “vivido” y traen esa fuerza reflejada”.
Sobre el artista
David Escalante, artista, maestro titiritero y productor, ha enfocado su carrera en la expresión a través de los títeres. Idealizador y creador de centenas de marionetas y espectáculos, ha viajado por Chile, Europa y América Latina dando vida a sus personajes.
Es parte de la dirección de ATTICH Asamblea Titiritera, creador de proyectos en el Teatromuseo del Títere y el Payaso, Museo FONCK, Teatro Ámbar y desarrollador de proyectos Fondart, entre otros.
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Cakao: un viaje al origen del chocolate
Cakao: un viaje al origen del chocolate
En CV Galería podrás encontrar Cakao, una exclusiva chocolatería donde cada producto es elaborado artesanalmente con gran dedicación y con las mejores materias primas, transformando cada chocolate, en una verdadera obra de arte, capaz de satisfacer los más exigentes paladares.
Con productos de primera calidad, para rigurosos clientes que quieren tener la aventura de disfrutar un chocolate con valor de origen, buscan revivir la experiencia de saborear los chocolates tal como fueron concebidos en diferentes partes del mundo.
Dentro de su oferta tienen hasta un 85% de cacao, donde expertas chocolateras trabajan afanosamente en la elaboración de más de 60 productos diferentes, ideales para regalar o darse un gusto: bombones, barras de chocolate puro, mazapanes, tabletas, chocolates sin azúcar, naranjitas y almendras bañadas, trufas, mendigos, alfajores, entre otros.
El chocolate que utilizan viene de plantaciones en países tropicales y su elaboración de fábricas europeas y latinoamericanas. Conversamos con Isabel Alcalde, socia fundadora de Cakao, quien nos cuenta sobre el viaje a la semilla de uno de los sabores más revolucionarios del mundo.
¿Cómo nace Cakao?
“Después de muchos años de haber trabajado en una oficina como relacionadora pública, decidí retirarme con la intención de trabajar en algo que me permitiera estar más tiempo con mi familia, y que fuera entretenido desde el punto de vista laboral.
Ese año, 2015, estaban vendiendo una chocolatería cerca de nuestra casa y con el entusiasmo de mi marido, muy aficionado a la cocina, nos embarcamos en este proyecto comprando el derecho de llaves. La tienda ya tenía una historia desde 1999, que es cuando se inició la fabricación en ese lugar, atendiendo a muchos clientes que reconocían la calidad de los productos. Aprendimos desde lo más básico de la elaboración, reproduciendo recetas francesas exquisitas e implementando un nuevo look al empaque”.
¿Cuál es el origen del chocolate que utilizan?
“Utilizamos un chocolate belga de muy buena calidad y del gusto de muchas personas. A medida que hemos ido ampliando nuestra visión sobre el chocolate, hemos incorporado nuevas marcas, como por ejemplo Valrhona de Francia, que es uno de los mejores chocolates finos de aroma del mundo. Con eso hemos conseguido ampliar nuestra variedad desde 30% a 85% cacao, algunos sin azúcar añadida”.
Cuéntanos sobre su promesa de disfrutar chocolates con valor de origen
“Es un concepto muy amplio, con mucha ambición, por eso lo hemos ido incorporando de manera muy particular en cada actividad que realizamos. Es así como en el proceso de selección del chocolate buscamos la materia prima ideal, y a su vez, tenemos procesos específicos y detallados en cada producción, para así conseguir los mejores resultados, estables y permanentes y de estándares muy altos.
Buscamos el conocimiento de los que lo crean y bajo ese mismo concepto, creamos el nuestro, analizando cada propuesta, ya sea en los nuevos productos o en la incorporación de nuevos proveedores para que tengamos los mismos conceptos de calidad, origen y de servicio. Estamos convencidos en no transar nunca la calidad, el hacer bien las cosas.
Nuestra propuesta de valor es ofrecer productos originales, así como por ejemplo cuando nos ampliamos a vender helados que son hechos a la fiel manera italiana con ingredientes europeos, y el café que es italiano también”.
¿Cómo han desarrollado su expertise en el mundo del chocolate?
“Mi marido, Jaime Díaz, ha tomado cursos y asesorías con chefs locales y europeos. Además, estuvo en una finca con el mayor productor de chocolate de Colombia conociendo las plantaciones, fermentación y secado al sol, lo cual le da esos tonos de sabor característicos de cada zona geográfica combinado con los diferentes tipos de mazorcas, que es como se llama al fruto de cacao o cacaotero.
Estuvo también en la fábrica viendo el tostado y la preparación de chocolate rústico y haciendo catas con expertos. Todo este conocimiento lo ha traspasado a las chocolateras y ellas mismas han ido a cursos para perfeccionar la técnica, y entender el porqué del comportamiento de éste en tales o cuales preparaciones, ya que el chocolate suele ser muy inestable y si no está bien tratado, se destempla o acorta su vida útil”.
La importancia de la sustentabilidad en Cakao
Isabel nos cuenta que el origen del chocolate los ha llevado a analizar cada aspecto de su negocio: “la naturaleza del chocolate es por sí sola una actividad muy noble, entrega mano de obra en las plantaciones, donde cada día está más regulada promoviendo el comercio justo, ayudando a aldeas y generando conocimiento dando valor a las técnicas de cultivo y producción.
Nosotros nos hemos preocupado utilizando envases biodegradables como cartón y en los envases transparentes, papel celofán compostable que se degrada en 90 días en condiciones de compost hogareño. Vamos en lo posible de la mano con los desarrolladores de envases para hacerlos cada día más ecológicos. Esto nos lleva a ser parte de una cadena muy sustentable desde el punto de vista ciclo de vida, que casi no genera productos residuales al medio ambiente. Todo esto, para ser responsables con el medio ambiente, con la comunidad y con nuestra actividad, para entregar la mejor y más rica experiencia a nuestros clientes”.
Te invitamos a visitar Cakao en CV Galería en el piso 1 o Nivel Calle, de lunes a viernes de o8:00 a 19:00 hrs.
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Malva Loca irrumpe con desayunos
Malva Loca irrumpe con desayunos a media mañana inspirados en la gastronomía vasca
Tomando los hábitos del País Vasco de comer a media mañana y jactándose de su irreverencia característica, Malva Loca sorprende nuevamente con una oferta innovadora que invita a pecar con unas irresistibles preparaciones de lunes a sábado, entre las 10:30 y 12:00 hrs.
Esta propuesta no es al azar. Se basa en la costumbre vasca conocida como “hamaiketako”, que Renzo Tissinetti conoció personalmente cuando lideró varios restaurantes en esta zona de España, donde es tradición escaparse del trabajo alrededor de las 11 de la mañana, para picotear algunas tapas, e incluso tomarse algún “cortito”. Y esto conversa a la perfección con el ADN de Malva Loca, que provoca a sus comensales, bajo la mística de “ayudarte a pecar y ser irreverente desde que despiertas”.
Malva Loca reemplaza los pinchos, tortillas y embutidos españoles por una versión igualmente atractiva, aunque pensando en el cliente local, que considera diferentes alternativas:
- Bizcocho vegano de plátano con mantequilla de maní
- Waffles con plátano, Nutella, frutillas y almendras garrapiñadas
- Waffles con salsa de chocolate blanco de frambuesas, granola y arándanos
- Granola keto con yogurt y mix de frutas
- Huevos benedictinos, salsa holandesa de miso, pastrami o trucha ahumada
- Paila de huevos, mix de setas, perejil y toque de aceite de trufas
- Paila de huevos, palta, tomates cherry, queso, albahaca y rabanillo
- Tostadas de masa madre en diferentes combinaciones de productos: palta-pollo ahumado, hummus, tomate cherry y kale; jamón ibérico y tomate aliñado; y la clásica mermelada, mantequilla y tomate rallado de la comida nacional
- Galletas de chocolate 70%, nueces y praliné de avellanas
- Leche con cereales como Twix, Oreo y Granola con leche y marshmallows.
Malva Loca te espera de lunes a sábado de 10:30 a 12:00 hrs. para matar todos tus antojos y empezar el día con el pie derecho.
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Exposición "Memorias de Cuarentena: Retornos a un encierro"
Exposición "Memorias de Cuarentena: Retornos a un encierro" de Maureen Corvalán
Hasta el 14 de mayo de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab Cultural CV II, invita a recorrer la exposición “Memorias de cuarentena”, de la artista nacional Maureen Corvalán.
Producidas en el transcurso de dos años de restricciones y confinamientos sanitarios, el cuerpo de obra de la muestra, cuenta conjurar la experiencia sufrida en pandemia. La pandemia del encierro en la imagen en nuestros tiempos, así como la insoportable monotonía de nuestra soledad confinada en los límites de nuestro narcisismo. Por cierto, ello puede resultar obvio. De hecho, el título mismo de la exposición parece sugerirlo. Con todo, no se trata de una simple evocación unívoca, toda vez que las memorias de cuarentena se encuentran articuladas al retorno de otros encierros, conforme a un entramado múltiple y diverso. Si la distancia física durante las cuarentenas resultó tan insoportable, en buena parte ello sucedió por la clausura del encuentro con otros, la obstrucción de la circulación del deseo, que nos dejó solo frente a nosotros mismos.
Bajo estas luces, lejos de apuntar a la representación de las obras de la muestra conciernen, el límite de la representación. No se trata, en consecuencia, tanto de registros ni memoria, sino más bien de restos y de historia. La densa trama de “Lo infantil: historia, verdad y ficción”, lo insinúa de forma, definitivamente, reveladora. Compuesta por el celuloide de 36 mm de un film que, encontrado en el Persa Bío-Bío, tiempo después se descubrió llevar por título “Los juegos del destino”, la obra evoca la historia transcurrida durante los 36 años de la artista. Pero de esa historia, bordada a lo largo de los 36 metros de película, solo puede ser leída en breves fragmentos sugerentes, enigmáticos, incluso, dolorosos (Radiszcz, 2022).
Las obras son una invitación a un retorno, quizás feliz o más doloroso y/o acongojado en que el espectador pueda encontrarse con un material conceptual/visual que (se) interpele, y (se) interrogue algo de lo que en algún momento se transformó en una cotidianeidad para gran parte de la población mundial. Esta cotidianeidad abrió y posibilitó múltiples lecturas y reflexiones, frustraciones, aciertos, etc., con respecto a lo político, a la familia, el amor, y otras diversas manifestaciones producidas por las privaciones de libertades de las cuales el sujeto ha tenido que lidiar, y por lo tanto, hacer frente en el último tiempo, así como a lo largo de su historia. Es un tránsito, un recorrido, un encuentro que invita a la mirada a ser partícipe de pasajes y paisajes escritos e inscritos en el encierro propio de la artista, a través de retornos de memorias pero también sobre ausencias, como parte de una historia que siempre está en construcción y esta vez, Maureen Corvalán quiere compartir visualmente y en el registro de la pluma a través de la publicación de un libro.
El cuerpo de obra está principalmente relacionado a dos tipos de técnicas, primeramente a las técnicas mixtas y después a la pintura. En las técnicas mixtas trabaja con aquellos “materiales comunes”, que siempre estuvieron en su entorno como hilos, agujas, alfileres, lanas, clavos, tachuelas, tratando de realizar diálogos entre ellos, muchas veces tensionándolos, llevándolos a sus límites y mezclándolos los unos con los otros, generando texturas, volúmenes, etc, pero no intentando intervenirlos. Que la acumulación de ellos, pueda generar una ilusión, un paisaje que a primera vista y a pesar de que el material está expuesto crudamente, puedan develar un paisaje diferente en el cual los materiales tienen la posibilidad de perderse en sí mismo, y parecer algo diferente.
La extensa serie que traman las 50 obras en formato Polaroid: “Memorias de Cuarentena” buscan, en ocasión del imprevisto desperfecto de la cámara de la artista, aprehender momentos cotidianos de la vida en cuarentena. Es decir, frente a la fortuita imposibilidad de registrar imágenes en los haluros de plata, la artista procuró capturar objetos reales en el vacío fotográfico. Dicho de otro modo, ante lo imposible de la instantánea, atrapar entonces lo real de un instante. Aunque, de alguna manera, de ello trataría precisamente la operación que, al menos en parte, caracterizaría, según Jacques Lacan, la práctica artística, a saber, elevar el objeto a la envergadura de la Cosa. En tal sentido, las Polaroids parecen resistirse a mantenerse en el mero plano del registro y, al modo del Ready Made, involucrar la objetualidad del objeto o, a la manera de la fotografía, implicar instantaneidad del instante.
Te invitamos a visitar la exposición de manera gratuita en Lab Cultural CV II, hasta el 14 de mayo. De lunes a sábado de 10:30 a 01:00 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas.
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Exposición colectiva "Campo Difuso"
Exposición colectiva "Campo Difuso"
Hasta el 9 de abril de 2022
CV Galería, a través de su espacio expositivo Lab CV Galería, invita a recorrer la exposición colectiva “Campo Difuso”, de los artistas Javier Otero, Consuelo Walker, Sebastián Cobo, Fran Torres, Carla Effa, Matías Prado y Trinidad Barros, pertenecientes al Taller Las Nieves.
A partir del desarrollo permanente de las tecnologías de visualización y las nuevas formas de articular la representación y lo visible, la mirada se ha vuelto decisivamente móvil y mecánica, cada vez más intrusiva y omnisciente. La vista capta, fija, cosifica y totaliza. La tendencia al dominio a través de lo visual, ha establecido los cimientos de una cultura ocularcentrista. Es así como la visión, el ojo y a su vez la supresión del resto de los sentidos, se ha posicionado paulatinamente en la cima de la jerarquía sensorial en nuestra relación con el mundo.
Las prácticas creativas expuestas reflexionan sobre ese lugar donde se tensiona y cuestiona el régimen de la visualidad contemporánea. A través de diversos ejercicios de aproximación buscan desplazar, extremar, desvirtuar la relación ojo-objeto-mundo, y al mismo tiempo, posicionar al cuerpo en su conjunto, como apertura sensorial. El cuerpo, al abrirse a sí mismo a través de los sentidos, se presenta estando en el mundo desde adentro (y no adelante). Un cuerpo que percibe desde la esencia material, corpórea y espiritual articula un contacto, integrando el espacio en experiencia vivida con el mundo, en un encuentro de correspondencia.
Te invitamos a conocer la exhibición de este nutrido grupo de artistas nacionales en Lab Cultural CV I, que estará abierta al público en forma gratuita hasta el 9 de abril de 2022. De lunes a sábado de 10:30 a 23:30 horas y domingo de 12:00 a 17:00 horas.
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Exposición "Vincularte"
Exposición "Vincularte"
21 artistas - 21 jóvenes con Síndrome de Down - 21 obras que revelan el valor de la inclusión
CV Galería y Aninat Galería junto a Fundación DownUp!, invitan a recorrer la exposición colectiva “Vincularte”, de 21 artistas nacionales vinculados a 21 jóvenes con Síndrome de Down, en Lab CV Galería.
La inauguración de la muestra será el sábado 12 de marzo a las 12:30 hrs., donde además, te invitamos a asistir junto a tus niños a colorear calcetines y unirte a la diversidad, para disfrutar el arte y crearlo.
“Vincularte” nace con la intención de la Fundación DownUp! de impulsar instancias de encuentro y de vinculación creativa donde el arte sea el lenguaje unificador y permita que niñas, niños y jóvenes con Síndrome de Down (SD) trabajen junto a artistas visuales una obra de arte, para visibilizar el valor de la diversidad y revelar el valor creativo de las personas con SD.
Los artistas expositores que se unieron a la iniciativa son: Voluspa Jarpa, Germán Tagle, Totoy Zamudio, Samy Benmayor, Diego Santa María, Jorge Tacla, Andrés Vio, Lorena Villablanca, Marcos Sánchez, Lourdes Naveillán, Daniel Délano, Macarena Alvarado, Titi Gana, Tere Ivanovic, Patricio Court, Nicolás Franco, Roberta Rebori, Liza Marzolo, Virginia Guilisasti, Pía Aldana y Sebastián Cobo.
A los artistas se les vinculó con 21 jóvenes con Síndrome de Down de todo Chile con interés artístico, donde se propició un espacio creativo y distendido de encuentro, para el conocimiento mutuo de las parejas, quienes definieron en conjunto los conceptos con los que se desarrollaron las obras y las especificaciones técnicas.
Además de la exposición, el lunes 21 de marzo se realizará una subasta benéfica, a cargo de Denise Ratinoff, martillero de Christie’s, donde todos los fondos recaudados irán destinados a continuar con la labor de apoyo de la Fundación DownUp!.
Sobre la Fundación DownUp!:
La Fundación DownUp! es una organización sin fines de lucro, que apoya a nuevas familias en el camino del Síndrome de Down, para empoderarlas y que sean facilitadores de no solo el desarrollo de sus hijos o hijas, sino también aportando a una sociedad más humana e inclusiva.
Durante estos años, han desarrollado una serie de programas de distinta índole enfocados en guiar y formar una red de apoyo a nuevas familias, agrupando a más de 750 familias a lo largo de todo Chile.
Te invitamos a conocer la exhibición de este nutrido grupo de artistas contemporáneos nacionales junto a 21 jóvenes con Síndrome de Down, que visibiliza el valor de la diversidad, que estará abierta al público en forma gratuita desde el sábado 12 de marzo hasta el 21 de abril de 2022.
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